L’adaptation de « Mr Skeffington » date de 1944. Le film choisit de nous montrer tout ce qui précède le début du roman de Elizabeth Von Arnim. On découvre donc une jeune Fanny, encore célibataire, qui reçoit à New York ses invités et prétendants. Tous se pâment devant son incroyable beauté et elle minaude autant qu’il est possible. Lors de cette réception apparaît Mr Skeffington qui est le patron du frère de Fanny. Ce dernier a volé de l’argent à la banque de Mr Skeffington et est licencié. Fanny, le charmant, évite la plainte devant la justice. Dès lors, les deux personnages vont tenter de se séduire.

La suite du film va nous montrer le mariage et la séparation du couple de la 1ère et le 2nd Guerre Mondiale. Le film dure en tout 2h25 et on retrouve le livre après 1h30. Le début est donc un peu long, trop détaillé car c’est le vieillissement de Fanny qui reste le plus intéressant.

La force de cette adaptation est la performance de Bette Davis dans le rôle de Fanny Skeffington. Elle est aussi parfaite en jeune coquette qu’en vieille femme pathétique. Elle est agaçante, snob et finalement touchante. Claude Rains incarne un M. Skeffington sobre, patient et follement amoureux de son impossible femme.

Le film est très mélodramatique, il n’a pas l’ironie et le piquant du roman. Cette adaptation est typique de ce que produisait Hollywood dans les années 40 : une facture classique et soignée, de grands acteurs. Cette œuvre, qui aurait quand même méritée d’être raccourcie, reste plaisante à regarder. Bette Davis y fait montre, comme toujours, de son immense talent.

« Sabotage » date de 1936 et est tiré du roman de Joseph Conrad « L’agent secret ». Le scénario reprend les grandes lignes du livre.

Mr et Mrs Verloc tiennent un cinéma à Londres. Lors d’une soirée, l’électricité du quartier s’éteint. En réalité, tout Londres est plongée dans le noir suite au sabotage de la centrale électrique. C’est la panique devant le cinéma, Mrs Verloc (Sylvia Sydnet) tente de calmer ses clients. Le vendeur de légumes, Ted (John Loder), lui vient en aide et Mr Verloc (Oscar Homolka) finit par descendre de son appartement au-dessus du cinéma. Une fois la foule calmée, Mrs Verloc constate le comportement étrange de son mari. Il était absent lors de la coupure de courant mais il est incapable d’expliquer où il se trouvait. On découvre rapidement que Mr Verloc est surveillé par la police et notamment par Ted qui connaît mieux le panier à salade que l’étalage du marchand des quatre saisons.

« Sabotage » s’ouvre sur une scène très intéressante. Le générique défile sur la définition du mot sabotage. La première image est un gros plan sur une ampoule électrique. Puis l’on voit la centrale d’où quelqu’un s’échappe. Retour sur l’ampoule qui s’éteint. A la centrale, la raison de la coupure est identifiée : du sable a fait dérailler les machines. Après cette scène, on découvre Mr Verloc regagnant son domicile. Il se lave les mains, l’eau se retire dans le siphon (en gros plan, annonciateur de celui du siphon de la douche dans « Psychose ») et au fond du lavabo reste du sable. En quelques plans rapides, l’identité du saboteur est connu du spectateur. Encore une fois, nous sommes dans la confidence et pas les autres personnages.

L’autre grande scène est difficilement racontable si l’on ne souhaite pas dévoiler toute l’intrigue. Elle se situe à la fin du film entre Mr et Mrs Verloc lors d’un repas. La tension se développe entre les deux personnages grâce à un jeu de regards très élaboré qui souligne à nouveau la maîtrise du cadrage d’Alfred Hitchcock.

Malheureusement, le film comporte également des faiblesses. Sylvia Sydnet n’a pas un jeu extraordinaire, son visage reste assez impassible et on ne la sent pas particulièrement affectée par le décès de son jeune frère. De même la romance qui se noue entre Mrs Verloc et Ted est un peu superflue et inutile à l’intrigue.

Un film du début de carrière de Hitchcock, peu connu et mineur mais comme toujours il y a des scènes virtuoses qui témoignent du talent naissant du réalisateur anglais.

Alfred Hitchcock a 60 ans, il vient de réaliser « La mort aux trousses » et est encore sous contrat pour un film avec la Paramount. Hitch (Anthony Hopkins) veut retrouver l’excitation de ses premiers films, il cherche un sujet pouvant frapper le spectateur. Il le trouve dans le livre de Robert Bloch, « Psychose », mais la Paramount refuse cette histoire de serial killer. Hitchcock va devoir financer son film par ses propres moyens.

Bien entendu un film autour du tournage de « Psychose » ne pouvait qu’aiguiser ma curiosité. La partie du biopic consacrée à cela est plutôt intéressante. Hitch a effectivement pris un risque en choisissant d’adapter « Psychose », on est bien loin du glamour de « La mort aux trousses » ou de « La main au collet ». Il en rajoute en tuant la vedette, Janet Leigh (Scarlett Johansson), au premier tiers du film. La censure s’affole face au thème nécrophile et face à la scène de la douche (à l’époque, la nudité était exclue). On voit donc Hitch se battre pour réaliser son film, déjouer la censure avec humour. Il invente aussi un nouveau moyen de communication pour attiser la curiosité des spectateurs : leur interdire l’entrée du cinéma si le film est commencé, et de raconter la fin.

Le problème c’est que le tournage de « Psychose » n’est qu’une toile de fond. L’essentiel du film de Sacha Gervasi n’est fait que de scènes de ménage, de jalousie entre Alma (Helen Mirren) et Alfred. Le réalisateur essaie même de créer un suspense avec la vie du couple : Alma va-t-elle avoir une liaison ? Ridicule et sans aucun intérêt. Sacha Gervasi nous montre un Alfred Hitchcock totalement caricatural et pitoyable. Pas la peine d’aller si loin pour souligner l’importance d’Alma dans la carrière de son mari. Il est d’ailleurs plus qu’improbable qu’elle l’aurait remplacé sur le tournage pour la réalisation d’une scène. Le réalisateur continue dans le ridicule lorsqu’il nous montre Hitch conversant avec Ed Gein (serial killer qui inspira le roman de Bloch) ou lorsqu’il observe le déshabillage de Vera Miles (Jessica Biel) à travers un trou dans le mur, le même que celui par lequel Nathan Bates regarde sa future victime dans le film. A-t-on besoin d’être soi-même un psychopathe pour réaliser un film sur le sujet ?

Bref je vous déconseille d’aller voir ce film même si les acteurs sont plutôt bons. Voir ou revoir « Psychose » vous sera bien plus bénéfique.

Dans un train, Guy Haines (Farley Granger) rencontre un inconnu nommé Bruno Anthony (Robert Walker). Ce dernier connaît en réalité précisément la vie de Guy qui est une star du tennis. Il sait qu’il cherche à divorcer pour se remarier avec une riche héritière mais sa femme est réticente. Quant à lui, Bruno ne supporte plus son père autoritaire. Il propose alors à Guy d’échanger leur crime. Chacun éliminant le gêneur de l’autre pour que le meurtrier n’ait aucun lien avec la victime. Le meurtre parfait.

Librement inspiré du roman de Patricia Highsmith, « L’inconnu du Nord-Express » est une grande réussite bourrée de scènes cultes. De nouveau, le thème principal est l’échange de meurtres, le transfert de culpabilité. La relation entre Guy et Bruno est des plus ambigües. Lorsque les deux hommes sortent du train, Bruno a annoncé qu’il allait tuer la femme encombrante et vulgaire de Guy et ce dernier qu’il s’occupera du père du premier. La phrase est prononcée sur le ton de la boutade mais Guy n’est-il pas déjà conscient de ce qui va se passer ? Lorsqu’on lui annonce le décès de son épouse, il comprend immédiatement que Bruno est passé à l’acte. Mais Guy n’a sans doute pas mesuré l’ampleur de la folie de Bruno et à quel point ce pacte faustien l’engageait.  Bruno se met à le harceler, il est partout : sur les marches d’un bâtiment public, dans la foule assistant à un match de tennis (le seul à ne pas tourner la tête pour suivre les échanges), il lui téléphone et finit par le menacer.

Bruno a en effet dérobé le briquet de Guy et il décide de le laisser sur le lieu du crime puisqu’il ne remplit pas sa part du contrat. Cela donne lieu à une scène tout en tension. Guy doit arrêter Bruno mais il a un match à jouer avant. Il ne cesse de regarder l’heure cherchant à en finir rapidement. En parallèle, Bruno se dirige vers le lieu du meurtre, il fait tomber le briquet dans le caniveau. Le suspense augmente des deux côtés : Guy finira-t-il son match à temps ? Bruno récupérera-t-il le briquet ? Cette tension arrivera à son paroxysme dans la scène finale où les deux hommes s’affrontent sur un manège.

Hitchcock fait preuve de beaucoup de créativité dans ses plans. Je pourrais citer la scène du meurtre qui se passe entièrement dans les verres de lunettes que la femme de Guy a perdu.

Mais je voudrais surtout insister sur l’extraordinaire scène d’ouverture. Hitchcock filme l’arrivée de Guy et Bruno à la gare au niveau des pieds. L’une après l’autre, les deux paires de jambes regagnent le quai puis grimpent dans un wagon. Le train démarre, Hitchcock filme les rails qui se croisent et s’écartent. On retrouve nos pieds qui s’installent à une table. Ils s’entrechoquent, la caméra remonte alors sur les visages. La rencontre a lieu. Un début brillant et génial.

« L’inconnu du Nord-Express » est cinématographiquement très réussi et abouti. L’intrigue est elle-aussi réjouissante, notamment grâce à Bruno Anthony. Pour Hitchcock, meilleur est le méchant, meilleur est le film. C’est le cas ici, Bruno est pervers, cynique et parfaitement interprété par Robert Walker. Un grand classique.

Vu avec ma copine Maggie.

Le jeune Victor Frankenstein est bouleversé après la mort de son chien Sparky, renversé par une voiture. Incapable de se remettre de cette disparition, il a l’idée folle de faire revivre son chien. Féru de science, Victor met en place une machinerie infernale qui redonne vie à Sparky. Son secret sera malheureusement rapidement mis à jour et crée des envieux. D’autres, beaucoup moins bien intentionnés, voudraient tenter de ramener les morts à la vie.

Tim Burton reprend là l’un de ses tous premiers courts-métrages réalisé en1984. Cette fois, le réalisateur choisit de raconter l’histoire de Victor et Sparky à l’aide de petites marionnettes comme dans « L’étrange Noël de Mr Jack » ou « Les noces funèbres ». Cette veine lui a toujours particulièrement réussi, je trouve que c’est dans ce cadre que s’exprime au mieux son univers gothique.

Tim Burton effectue un retour aux sources de son inspiration avec « Frankenweenie », à savoir les films d’horreur d’Universal et de la Hammer. Il reprend le noir et blanc très contrasté de ces films, à la limite de l’expressionnisme. Plusieurs clins d’œil à ces deux grandes maisons de production sont visibles. Les parents de Victor regardent à la télévision « Dracula » avec Christopher Lee et la chienne d’Elsa (la voisine de Victor) se retrouve, après avoir été touchée par la foudre, avec la coiffure de la fiancée de Frankenstein !

« Frankenweenie » m’a beaucoup fait penser à « Edward aux mains d’argent ». L’histoire se passe dans une banlieue américaine où toutes les maisons se ressemblent et où tout se sait rapidement. Comme Edward, Sparky devient une créature étrange et inquiétante pour le voisinage. Sa différence est immédiatement rejetée et un lynchage sera organisé par les voisins de Victor pour se débarrasser de l’intrus. Je trouve également que le professeur de science de Victor (qui a la voix de Martin Landau, encore un acteur Burtonien) ressemble beaucoup à Vincent Price qui était le créateur de Edward. La voisine de Victor a quant à elle la voix de Winona Ryder, la fiancée d’Edward.

Comme dans « Edward aux mains d’argent », Tim Burton glisse des pointes d’humour dans la noirceur ambiante. Il y a déjà la galerie pittoresque et étrange des camarades de classe, de vrais freaks ! Et les trouvailles à la résurrection de Sparky sont très amusantes comme sa queue qui se détache quand il la remue ou l’eau qui sort de ses coutures lorsqu’il boit.

J’ai donc été enchantée de retrouver la meilleure veine de Tim Burton dans ce conte gothique pour enfants.

« Chantage » s’ouvre sur la vie quotidienne de policiers londoniens : arrestation, interrogatoire, mise en accusation, prise d’empreintes, incarcération du suspect. A la fin de la journée, le policier retrouve sa fiancée à la sortie de son travail. Un quotidien ordinaire, bien huilé mais qui va bientôt se gripper. Frank (John Longden) retrouve donc sa petite amie Alice (Anny Ondra) à la sortie du commissariat. Ils vont passer la soirée dans un restaurant à la mode. Frank semble heureux de cette soirée mais Alice semble s’ennuyer en sa compagnie. Elle commence alors à faire de l’œil à un autre homme (Cyril Ritchard). Frank s’en aperçoit et quitte furieux le restaurant. Alice, la frivole, part donc avec le deuxième homme. Ce dernier l’invite chez lui, il est peintre et lui montre son travail. Alice badine, flirte et se met à essayer des costumes. Le peintre se jette alors sur elle et tente de la violer. Alice réussit à se saisir d’un couteau et à tuer son agresseur. Elle quitte les lieux en état de choc. Le lendemain, l’affaire est confiée à Frank qui comprend rapidement qu’Alice est probablement responsable du meurtre. Que faire ? Protéger sa fiancée ou conserver son intégrité de policier ? Le choix de Frank est vite effectué mais un maître-chanteur va venir compliquer la vie du couple.

« Chantage » date de 1929 et il s’agit du premier film parlant d’Alfred Hitchcock. Il l’avait d’ailleurs tourné pour qu’il puisse sortir soit en muet soit en parlant, ne sachant pas ce que les producteurs allaient choisir. La petite anecdote amusante est le fait que l’actrice principale parlait très mal l’anglais alors que l’héroïne devait venir d’un milieu populaire. Anny Ondra a donc mimé les dialogues pendant qu’une actrice anglaise les récitait dans une cabine hors-cadre.

Après « The lodger », « Chantage » est le deuxième film à suspense de Hitchcock. C’est une œuvre parfaitement aboutie qui met en place beaucoup des thématiques chères à l’auteur. Un couple est au centre de l’intrigue, Frank et Alice doivent affronter et déjouer le destin ensemble. Inutile de vous citer des exemples, vous avez tous des couples célèbres et  glamour en tête lorsque est évoqué Alfred Hitchcock. La culpabilité est également très fortement présente dans cette œuvre. Elle donne lieu à des scènes très intéressantes. La culpabilité envahit complètement le quotidien d’Alice. La fameuse scène du petit déjeuner au lendemain du crime est très significative. Une voisine discute du meurtre avec les parents d’Alice, elle parle de couteau. La jeune femme n’entend plus alors que ce mot répété sans cesse. Elle est ensuite totalement paralysée lorsqu’elle doit se saisir du couteau à pain. Dans la scène de fin au British Museum, la course-poursuite entre la police et le maître-chanteur alterne avec des plans sur Alice rongée par son acte et la culpabilité. Cette scène au British Museum me fait d’ailleurs penser à d’autres fins de film sur des monuments célèbres :  « La cinquième colonne » dans la statue de la liberté et « La mort aux trousses » sur le mont Rushmore.

Le cadrage est parfaitement soigné et maîtrisé dans « Chantage ». Hitchcock aime à jouer avec le secret, avec ce qui est caché, laissant ainsi l’imagination du spectateur combler les vides. Le meurtre n’est pas montré. La scène se passe entièrement derrière les rideaux du lit à baldaquin. Deux mains en émergent : celle d’Alice cherchant désespérément un objet pour se défendre, celle du peintre qui tombe mollement et sans vie. De même, on ne voit pas le maître-chanteur dans la rue. Son ombre apparaît sur la porte de l’immeuble que vient de quitter Alice après le meurtre.

Ces différents éléments font de « Chantage » non pas une œuvre mineure de jeunesse mais l’un des tous premiers grands films d’Alfred Hitchcock.

Vu avec ma copine Maggie.

Le film s’ouvre sur les images d’une ville déserte. Des panneaux « Direction » nous entraînent petit à petit vers une fenêtre ouverte. Dans la pièce, nous découvrons un cadavre. Le meurtrier vient de sortir, on le retrouve dans la rue. Il s’agit d’un prêtre et nous le suivons jusqu’à une église. Sur le trajet, l’assassin a ôté son aube. Il s’installe sur un banc de l’église où le père Logan (Montgomery Clift) va entendre sa confession. L’homme qui parle est Otto Keller (OE Hasse), le sacristain de l’église et il dévoile tout au père. Il vient d’assassiner l’avocat Vilette qui l’avait surpris en train de voler. La confession va obliger le père Logan à garder le silence. Les soupçons vont malheureusement se diriger vers le père Logan. Un prêtre a été vu la nuit du meurtre près de chez Vilette et ce dernier faisait chanter Logan pour une liaison antérieure à son ordination. Comment être reconnu innocent sans trahir le secret de la confession ? C’est le dilemme auquel est confronté le père Logan.

« La loi du silence » (« I confess », le titre original est bien meilleur) développe un des thèmes de prédilection d’Alfred Hitchcock : le faux coupable. L’idée est ici renouvelé par le biais de la religion. Le transfert de culpabilité se fait par la confession, Otto Keller se délaisse du poids de son crime sur le père Logan. Celui-ci finit par être coupable par omission, par non dénonciation. Je trouve l’idée très intéressante et subtile. Elle l’est d’autant plus que la vocation du père Logan est questionnée tout au long du film par son ancien amour (Anne Baxter) et par l’inspecteur (Karl Malden) en charge de l’enquête. La crédibilité de la foi de Logan se joue sur cette affaire.

La résistance, l’abnégation du père Logan s’incarnent dans le formidable Montgomery Clift qui est pour moi l’atout majeur du film. De nombreux gros plans montrent le visage de l’acteur. Le regard est quasiment le même durant tout le film, il est empli d’humanité et surtout de droiture. Rien ne semble pouvoir le faire vaciller, le faire dévier de sa foi. Le personnage est sous pression durant tout le film. La caméra ne le lâche pas, on le voit parcourir la ville à pieds de long en large en se demandant s’il va craquer face à la police.

J’ai toujours plaisir à revoir ce film qu’Alfred Hitchcock n’aimait pas beaucoup car il le jugeait trop sérieux et manquant d’ironie. La performance remarquable de Montgomery Clift, sa parfaite compréhension du rôle valent largement plusieurs visionnages.

Un film vu avec ma copine Maggie.