Bilan livresque et cinéma de novembre

Novembre

La fin d’année approche à grand pas et l’heure des bilans aussi. En attendant, voici celui du mois de novembre avec sept romans et une bande-dessinée :

« Seule en sa demeure » qui m’a permis de découvrir Cécile Coulon dans un univers de conte gothique,

« Londinium » d’Agnès Mathieu-Daudé qui nous entraîne dans une uchronie bourrée de références historiques et littéraires,

« Peter Ibbetson » de George du Maurier, roman réaliste et onirique signé du grand-père de Daphné,

« Le jardin secret » merveilleuse adaptation du roman de Frances H. Burnett par Maud Begon.

Je vous parle très bientôt de mes autres lectures : « La déesse des mouches à feu » de Geneviève Pettersen qui ne m’a pas emballée, « Les ombres filantes », le formidable nouveau roman de Christian Guay-Poliquin et j’ai enfin eu l’occasion de relire « Madame Bovary ».

Et voici les films que j’ai pu voir en novembre avec deux coups de cœur :

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1981, François Mitterand est élu président de la République. Dans un petit café de Bretagne, ça exulte, ça applaudit. Dans un coin, Philippe reste assis, il observe son grand-frère Jérôme et ses amis. Tous les deux ont créé une radio pirate : Philippe est à la console pendant que Jérôme anime les soirées avec gouaille et talent. Le taiseux et l’exubérant semblent former un duo parfaitement complémentaire. L’équilibre commence à se fissurer quand Jérôme rencontre Marianne qui fait également fondre le cadet.

Dans « Les magnétiques », c’est bien le discret et timide Philippe qui sera le héros. Il a un don, celui de mixer génialement la musique avec toute sorte de sons. Son talent va trouver à s’exprimer à Berlin, où l’armée l’envoie après des tentatives pour se faire réformer. Philippe s’anime, s’illumine devant ses platines. « Les magnétiques » devient le portrait sensible d’un jeune homme qui apprend à s’émanciper, à quitter l’ombre protectrice et écrasante de son frère. Il y a beaucoup de très belles idées de mise en scène comme la déclaration d’amour de Marianne par cassette interposée pendant que Philippe débarrasse la cantine de la caserne. Les acteurs participent grandement au charme infini qui se dégage de ce film : Joseph Olivennes, Marie Colomb et surtout Thimotée Robart, révélation du film qui incarne Philippe avec délicatesse et intensité. Et que dire de l’excellente bande son qui passe de Joy Division, au le Marquis de Sade ou Gang of Four, rien que pour ça le film vaut le détour ! « Les magnétiques » est un film que je vous conseille sans réserve : vibrant, émouvant, un vrai coup de cœur !

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1996, Laura, finlandaise, est venue à Moscou pour ses études d’archéologie. Elle vit avec Irina et avec elle, elle doit faire un voyage à Mourmansk pour y voir des pétroglyphes. Mais c’est finalement seule qu’elle devra entreprendre ce voyage. Elle se retrouve dans un compartiment avec un jeune russe frustre et passablement alcoolisé. Il se rend également à Mourmansk où il travaillera dans les mines. Le trajet s’annonce long pour Laura.

Le film du finlandais Juho Kuosmanen a reçu le Grand Prix du jury au dernier festival de Cannes et c’est amplement mérité. Le trajet vers Mourmansk sera un voyage marquant pour Laura et pas seulement pour les pétroglyphes qui deviennent rapidement un prétexte. Peu à peu, les deux jeunes gens se rapprochent, s’apprivoisent et se plaisent. Rien de commun entre eux, seulement une attirance, une complicité qui s’éveillent de manière imprévue. Cette relation, forcément éphémère, est pleine de charme justement  parce qu’elle est improbable et de courte durée. Le poids de la séparation se fait sentir aussi mais les moments emmagasinés ne s’oublieront pas. Cette brève et intense histoire d’amour est touchante, remarquablement filmée et interprétée.

Et sinon :

  • « Pig » de Michael Sarnoski : Au cœur de la forêt, Robin vit en ermite dans une cabane en bois. Sa seule compagne est une truie truffière qui lui assure une maigre subsistance. Un négociant en champignons lui échange ses précieuses trouvailles contre de la farine, des œufs, des piles pour son magnétophone, etc… Mais un jour, des individus le brutalisent et lui vole sa truie. Accompagné par son négociant, il va devoir retrouver la civilisation, qu’il a fui, pour récupérer son animal. Le premier film de Michael Sarnoski est extrêmement étonnant et ne correspond à aucun genre. Il se découpe en plusieurs chapitres qui portent comme titre une recette de cuisine. Robin est un ancien chef reconnu et ayant eu beaucoup de succès. Son nom suffit à allumer des étoiles dans les yeux de ceux qui l’entendent. Le réalisateur nous montre Robin en action et ces scènes m’ont fait penser au « Festin de Babette ». « Pig » mélange les genres, nous surprend par des changements d’univers, des ruptures de ton, on passe de la douceur à la brutalité. Nicolas Cage était l’acteur idéal pour interpréter ce personnage à part, taiseux mais dégageant une force, une autorité naturelle.
  • « Oranges sanguines » de Jean-Christophe Meurisse : Nous suivons, durant une journée, un ministre de l’économie à la moralité vacillante, un couple de retraités endettés qui participent à un concours de danse et une adolescente qui espère perdre sa virginité très prochainement. Par un enchainement (totalement délirant), les différents protagonistes vont se croiser pour le meilleur et surtout pour le pire ! Le film de Jean-Christophe Meurisse est décapant et n’est pas à mettre sous tous les yeux. Le début est ironique, grinçant (la scène d’auscultation en gynécologie de l’adolescente ou les délibérations du jury du concours de danse donnent le ton). Mais le réalisateur opère un tournant lorsque le ministre d’économie se retrouve en panne dans les bois. Jean-Christophe Meurisse nous plonge alors dans l’horreur et fait apparaître des monstres sadiques et pervers. Il joue également avec la moralité et les émotions des spectateurs lorsque les victimes  deviennent bourreaux. Le pessimisme et la radicalité du point de vue ne plairont certainement pas à tout le monde. Mais le moins que l’on puisse dire, c’est que « Oranges sanguines » ne peut laisser indifférent. Si vous aimez l’humour noir, très très noir, foncez !
  • « Albatros » de Xavier Beauvois : Laurent est un commandant de gendarmerie exemplaire à Étretat. Son autorité, ses prises de décision sont respectées par ses collègues. Son quotidien va du rappel à l’ordre d’un gamin roulant en scooter sans casque à la constatation d’un suicide en bas des falaises. Laurent vit à la caserne avec sa fille et sa compagne. Il vient de demander celle-ci en mariage. Laurent est solide, équilibré. Pourtant, sa vie va basculer totalement suite à un tragique évènement. Xavier Beauvois excelle à montrer le quotidien de cet homme tranquille. Toute la première partie du film porte sur son travail de gendarme, son quotidien auprès de ses proches. Le réalisateur filme avec minutie, empathie cette région qu’il connaît bien. Mais au milieu du récit, l’intrigue change radicalement, du réalisme du début on passe à du romanesque pur. Laurent vacille, perd pieds, il n’est pas monolithique et ses faiblesses affleurent alors. Le personnage est incarné par le toujours juste et vibrant Jérémie Renier qui porte le film sur ses épaules. Marie-Julie Maille, coscénariste, cheffe monteuse, apporte beaucoup de force et d’émotion au film au travers de son rôle de compagne de Laurent. Xavier Beauvois nous offre un film maîtrisé et il n’hésite pas à surprendre son public en faisant prendre un virage à 180° à son récit.
  • « Tre piani » de Nanni Moretti : Un accident va bouleverser la vie des habitants d’un immeuble romain. Il y a Vittorio et sa femme Dora dont le fils est à l’origine de l’accident, Monica qui vit seule avec son bébé car son mari travaille loin de là, Lucio qui accuse son vieux voisin de pallier d’avoir eu des gestes déplacés sur sa petite fille. Le dernier film de Nanni Moretti est l’adaptation du roman « Trois étages » de Eshkol Nevo. Les destinées des différents personnages se déroulent sur plusieurs décennies, on les voit évoluer, changer. Le récit est dense et ressemble à un recueil de nouvelles. Le ton est sombre, pessimiste. Les personnages se perdent, se noient dans leurs certitudes (Vittorio et Lucio) ou dans leurs doutes (Monica). L’émotion affleure sans cesse, les failles, la capacité ou non d’évoluer de ces habitants sont au cœur du film. Le personnage de Monica est sans aucun doute le plus touchant, sa solitude, sa peur de perdre pied totalement émeuvent. il faut saluer le casting cinq étoiles de « Tre piani » : Alba Rohrwacher émotive et fragile, Riccardo Scamarcio rongé de colère, Margherita Buy bouleverse dans son rôle de mère tiraillée entre son fils et son mari. Sans doute un peu long, « Tre piani » n’est certes pas le meilleur film de Nanni Moretti mais j’ai aimé la diversité et la complexité des personnages et la qualité du casting.
  • « Amants » de Nicole Garcia : Simon est un petit trafiquant de drogues qui fréquente de riches clients. Il est en couple avec Lisa depuis de nombreuses années. Elle suit une formation en école hôtelière. Un soir, leur destin va basculer et Simon va fuir la France sans Lisa. Celle-ci aura bien du mal à se remettre de son départ mais elle finira par épouser Léo, un riche homme d’affaires. Trois ans après le drame, les chemins de Lisa et de Simon vont se recroiser par hasard dans l’Océan indien. Le nouveau film de Nicole Garcia se tourne vers le film noir. L’atmosphère est pesante, toujours inquiétante même si la menace ne prend réellement forme qu’à la toute fin du film. La réalisatrice reprend le classique trio amoureux où la classe sociale, l’argent jouent un rôle essentiel. Les trois acteurs jouent parfaitement leurs partitions, chacun reste opaque, mystérieux dans ses intentions. La narration manque néanmoins de fluidité, une sensation de scènes décousues m’a gagnée. C’est fort dommage car l’ensemble de la mise en scène était léchée et apportait un côté glacial à l’intrigue.

Peter Ibbetson de George du Maurier

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Du fond de sa cellule, Peter Ibbetson décide d’écrire ce que fut sa vie. Son enfance, dans le 16ème arrondissement de Paris, fut bienheureuse et laissa des souvenirs indélébiles. Par la suite, le malheur frappa la famille de Peter qui fut envoyé en Angleterre chez un oncle inconnu de lui. Loin de son éden de Passy, Peter ne trouve satisfaction nulle part. Après l’école, il s’engage dans la Garde de sa Majesté pour la quitter rapidement et devenir architecte. La vie réelle n’est pas à la hauteur des souhaits de notre héros. « Je tâchais d’écrire, je tâchais de dessiner, je m’efforçais de me créer une vie intérieure, loin de la sordide et vulgaire laideur, et dans laquelle je puisse me réfugier, une oasis bien à moi afin de m’élever un peu, ne serait-ce que spirituellement, au-dessus des contingences dans lesquelles il avait plu au Destin de me plonger. » Ce monde intérieur va se développer de manière surprenante après la rencontre de Peter avec Mary, duchesse de Towers.

George du Maurier (1834-1896), le grand-père de Daphné, nous offre là un très surprenant roman. Entré tardivement en littérature, George du Maurier écrit « Peter Ibbetson » en 1891, il s’agit de son premier roman. Il connut ensuite un succès fracassant avec son deuxième roman « Trilby », au grand désespoir de son ami Henry James (David Lodge en parlait avec beaucoup d’humour dans « L’auteur ! L’auteur ! »).

« Peter Ibbetson » semble contenir plusieurs romans en un seul : roman d’apprentissage, roman d’amour, roman fantastique. Le début du livre est le récit réaliste de l’enfance et du commencement de la vie d’adulte de Peter. Le ton change ensuite pour l’histoire d’amour qui est la plus insolite que j’ai eu l’occasion de lire. Elle est extrêmement romantique, lyrique et le merveilleux la magnifie sans que je puisse vous en dévoiler plus. La vie intérieure l’emporte sur la vie réelle. Finalement, l’intrigue du roman tourne essentiellement autour de l’enfance du héros, il est hanté, habité par ses souvenirs heureux à Paris. Peter cherche toujours à retrouver son paradis perdu.

Malgré quelques longueurs, je vous conseille la lecture de « Peter Ibbetson », roman dont l’intrigue est surprenante et originale. Peter Ibbetson est un personnage attachant et qui vit une histoire hors-norme et merveilleuse.

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Le jardin secret de Maud Begon

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Il y a quelques mois, j’ai enfin découvert « Le jardin secret« , ce grand classique de la littérature anglo-saxonne écrit par Frances Hogdson Burnett. Peu de temps après ma lecture, sortait l’adaptation de Maud Begon en bande-dessinée. Si comme moi, vous avez aimé le roman, vous ne serez pas déçus par cette adaptation très fidèle.

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Maud Begon donne vie avec beaucoup de talent aux personnages si attachants du roman : Mary, Colin et Dickon. Le dessin est très vif, coloré et la dessinatrice donne beaucoup d’expressivité aux personnages.  L’éveil de Mary, son changement physique sont parfaitement rendus.

Le jardin est lui-même magnifié par le dessin de Maud Begon. Les plantes sortent des cases, les entourent, c’est véritablement superbe. J’ai également beaucoup aimé les petits croquis qui ouvrent chaque chapitre.

« Le jardin secret » est une bande-dessinée particulièrement réussie et fidèle au roman de Frances H. Burnett. L’émerveillement de Mary face aux paysages, aux animaux, sa capacité à tisser des liens avec les habitants de Misselthwaite, sa résilience face aux drames qui la frappent, sont parfaitement rendus et font tout le sel de la lecture. Vivement le tome 2 !

Londinium d’Agnès Mathieu-Daudé

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A Londinium, les animaux et les humains cohabitent pacifiquement. La Carta Maxima fixe leurs relations et aucun humain ou prédateur ne peut manger les animaux. Mais depuis quelques temps, l’atmosphère s’assombrit. Des prédicateurs antifaunistes se font entendre. Pire, des prédateurs semblent de nouveau attaquer les animaux les plus faibles. Cela inquiète Arsène, un lapin enquêteur. Pour l’heure, une mission l’accapare : retrouver une jeune loutre dont son ami Johnny, un lapin des Flandres, est tombé amoureux.

« Un lapin sous le dôme » est le premier tome d’une série de cinq dont Arsène sera le héros. L’autrice y joue avec les genres, le roman est à la fois une uchronie et une enquête policière à la Sherlock Holmes. L’intrigue est placée dans une Angleterre des années 30 où le climat devient pesant. Des divisions font surface, des lois discriminent des catégories de population comme les roux. L’apaisement, voulu entre les espèces, semble ne pas pouvoir durer. Comme souvent avec le genre de l’uchronie, de nombreux thèmes résonnent avec notre actualité : l’immigration, les discriminations, notre rapport aux animaux, la montée du populisme.

A travers le personnage d’Arsène, Agnès Mathieu-Daudé rend hommage à la littérature anglaise qu’elle affectionne. Le lapin est un savant mélange entre Arsène Lupin, Sherlock Holmes et Hercule Poirot (même s’il refuse de se faire friser la moustache !). Il m’a également beaucoup fait penser au lapin d’Alice aux pays des merveilles avec sa passion pour sa montre gousset. Il a les qualités et les défauts de ses modèles (il fume du Lucernum qui évoque l’opium, il est d’une maniaquerie infinie pour ce qui concerne son intérieur et ses vêtements). Arsène est un dandy qui voudrait ressembler aux humains. Son rêve est de pouvoir porter des chaussures et que son canotier tienne sur ses oreilles. Arsène est également le moyen d’évoquer la place des animaux dans la littérature. Il lit les fables d’Esope et il questionne l’habitude de la littérature jeunesse à anthropomorphiser les animaux.

« Un lapin sous le dôme » est un roman très riche de part ses références historiques, littéraires et les thèmes abordés. Arsène est un personnage aussi agaçant qu’attachant (comme Hercule Poirot !) et j’ai hâte de le retrouver dans ses prochaines aventures.

Merci à L’école des loisirs pour cette lecture.

Un voisin trop discret de Iain Levison

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Jim est retraité mais il continue à travailler comme chauffeur Uber. L’état du monde le déprime et il n’a que peu d’empathie pour son prochain. Pourtant, quand sa nouvelle voisine viendra lui demander de l’aide, Jim ne va pas hésiter longtemps. Ce qu’il ne sait pas, c’est qu’il va se retrouver pris dans un règlement de comptes qui impliquent des militaires des forces spéciales. Et lui qui tenait à rester discret pour laisser dans l’ombre son passé…

Lire Iain Levison est toujours l’assurance de passer un moment réjouissant. Jim est un anti-héros comme l’auteur aime en écrire : lucide sur le monde qui l’entoure, misanthrope, désabusé et immédiatement sympathique ! L’imbroglio dans lequel il va se retrouver nous fait passer de Philadelphie à l’Afghanistan ou Dubaï. Des personnages n’ayant rien en commun vont finir par se croiser et leur rencontre fera des étincelles. Le moins que l’on puisse dire, c’est que Iain Levison a l’art de trousser des histoires qui nous accrochent dès les premières pages. La lecture est rythmée, fluide. Et le plaisir vient aussi du ton ironique, sarcastique avec lequel l’auteur nous raconte son intrigue. Il en profite pour glisser quelques critiques sur la société américaine, il égratigne avec pertinence la belle image du pays.

« Un voisin trop discret » est encore une fois une réussite signée Iain Levison qui critique l’Amérique avec humour et sans jamais négliger son intrigue ou ses personnages.

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Seule en sa demeure de Cécile Coulon

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Candre Marchère est un beau parti : riche, pieux, une réputation sans tâche, un vaste domaine. Amand Deville le considère comme le mari idéal pour sa fille Aimée. Au 19ème siècle, une jeune femme de 18 ans ne peut refuser une alliance aussi avantageuse, d’autant plus lorsqu’elle est encouragée par un père adoré. Aimée devient donc la femme de Candre et s’installe dans sa demeure nichée au cœur d’une dense forêt. « En voyant la demeure se dresser sur son flanc d’herbe courte, Aimée ne saurait décrire la couleur des murs, ni le nombre de pièces que pouvait abriter pareil lieu. Le château se fondait dans la végétation, comme s’il était né de la forêt, protégé par elle sans qu’elle le dévore, habillé par ses feuilles et ses plantes grimpantes, bourdonnant d’abeilles, et pourtant étincelant et propre comme les costumes et chevaux de Candre. » Dans cette grande demeure, Aimée va côtoyer Henria, la gouvernante, et son étrange fils Angelin. La solitude, les non-dits vont bientôt assombrir les journées de la jeune mariée.

Etonnamment « Seule en sa demeure » est le premier roman de Cécile Coulon que je lisais. L’autrice s’inspirant ici des romans gothiques, je ne pouvais absolument pas passer à côté. Elle respecte d’ailleurs parfaitement les codes du genre et convoque également le souvenir de « Rebecca » de Daphné du Maurier : une maison imposante, une servante unique et très présente, une première femme disparue jeune qui hante l’héroïne. Bien évidemment, Cécile Coulon s’approprie habilement les codes du roman gothique. Elle y insuffle de nouvelles thématiques et tout particulièrement celle du désir. Aimée découvre ce que signifie être mariée, sa sensualité s’éveille au contact de son mari mais pas seulement.

L’écriture de Cécile Coulon est élégante, très travaillée pour coller parfaitement à l’époque et au genre choisis. J’ai pris beaucoup de plaisir à lire « Seule en sa demeure » mais j’ai un petit bémol. Même si les secrets semblent nombreux au domaine Marchère, même si la forêt est formidablement décrite et contribue à l’atmosphère du roman, j’aurais aimé que celle-ci soit plus sombre, plus inquiétante. La menace, qui s’affirme à la fin du livre, aurait mérité d’être plus appuyée tout au long du roman. La noirceur abyssale dans laquelle nous plongeait Lucie Baratte dans « Le chien noir » m’avait plus convaincue.

« Seule en sa demeure » m’a permis de découvrir enfin la plume de Cécile Coulon, j’ai dévoré son dernier roman et apprécié sa façon de revisiter le roman gothique même si j’aurais voulu que l’ambiance soit plus inquiétante.

Merci aux éditions de l’Iconoclaste pour cette lecture.

La carte postale de Anne Berest

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En janvier 2003, une étrange carte postale parvient au domicile de la famille Berest. Elle n’est pas signée et comporte quatre prénoms : Ephraïm, Emma, Noémie, Jacques, les grands-parents, tante et oncle de la mère d’Anne Berest. La carte est rapidement cachée dans un tiroir tant elle inquiète. Vingt ans plus tard, suite à un incident à l’école de sa fille où la question de l’appartenance à la religion juive est posée, Anne décide d’exhumer la carte postale et d’enquêter sur sa provenance.

Avant d’en arriver là, l’autrice nous raconte l’histoire de la famille Rabinovitch grâce au travail de recherche de sa mère. Comme dans de nombreuses familles juives au XXème siècle, leur histoire est celle de l’exil. Celui-ci commence en Russie qu’ils doivent quitter au moment de la Révolution. La famille s’éparpille entre la Palestine, Prague, Paris et Lodz. Dix ans après avoir quitté la Russie, Ephraïm et sa femme Emma s’installent à Paris où ils espèrent une vie meilleure, la naturalisation pour eux et leurs trois enfants : Myriam, la grand-mère d’Anne, Noémie et Jacques. Le chaos de l’histoire va les rattraper et les quatre prénoms sur la carte postale sont ceux des membres de la famille qui périront à Auschwitz en 1942. Seule Myriam échappera à ce funeste destin, pour le restant de ses jours, elle ne prononcera plus ces quatre prénoms, ni le mot juif.

« La carte postale » est le moyen pour Anne Berest de questionner ses origines et sa judéité. Que signifie être juif lorsque l’on n’en connaît ni les rites, ni la culture ? La littérature lui permet de redonner vie aux fantômes de sa famille, aux oubliés et de s’emparer de leur histoire tragique. La dimension pédagogique du livre est également importante. Il faut continuer à transmettre inlassablement et d’autant plus maintenant que les témoins directs des camps de concentration sont en train de disparaitre. Anne Berest rappelle notamment la manière insidieuse avec laquelle le régime de Vichy a petit à petit écarter les juifs de la société française, pour ensuite les rendre totalement invisibles, facilitant ainsi leur déportation.

« La carte postale » comporte une autre dimension, également passionnante, celle de l’enquête pour retrouver l’auteur de la fameuse carte postale. Le récit en est palpitant : Anne Berest passe par l’agence de détectives Deluc, fait appel à un graphologue nommé Jésus, retourne dans le village où vivaient ses arrières-grands-parents. Elle mêle à ce récit des messages envoyés à sa mère, à sa sœur Claire pour leur faire part de ses avancées. Toute cette partie du livre est aussi bouleversante que la première. Des coïncidences troublantes parsèment les découvertes d’Anne, une sorte de transmission invisible semble s’opérer entre les générations. Et le plus incroyable est qu’elle réussit à retrouver l’identité de l’auteur de la carte postale.

Dans « Gabriële », Claire et Anne Berest nous faisait découvrir leur arrière-grand-mère Gabriële Picabia (que l’on retrouve aussi dans ce livre). L’aînée poursuit son exploration de leurs racines dans « La carte postale » avec justesse et sensibilité. Un livre aussi nécessaire que poignant.

Marie-Claire de Marguerite Audoux

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Après la mort de leur mère, Marie-Claire et sa sœur furent abandonnées par leur père et amenées au couvent. Une fois là-bas, les deux sœurs n’eurent plus aucun contact, l’aînée n’ayant que peu d’affection pour sa cadette. Malgré la rudesse de la vie au couvent, Marie-Claire s’adapte, grandit sous le regard bienveillant de sœur Marie-Aimée. L’enfant découvre le plaisir de la lecture, de l’étude. Sœur Marie-Aimée aimerait la voir poursuivre des études et propose qu’elle travaille dans un magasin de modes où M. le curé pourrait venir régulièrement pour l’instruire. Mais la mère supérieure en décide autrement : Marie-Claire sera bergère dans une ferme de Sologne.

Grâce aux éditions Talents Hauts et leur collection « Les plumées », j’ai eu le plaisir de découvrir « Marie-Claire », premier Prix Femina que Marguerite Audoux reçu en 1910. Il a été vendu à 100 000 exemplaires à l’époque et pourtant je n’en avais jamais entendu parler. « Marie-Claire » est un roman autobiographique, l’autrice fut elle-même orpheline, bergère puis couturière. Son manuscrit, qu’elle gardait dans sa machine à coudre, finit par atterrir dans les mains d’Octave Mirbeau qui le fit publier (les éditions Talents Hauts ont d’ailleurs eu l’excellente idée d’ajouter à la fin la belle préface de l’édition de 1910 signée Mirbeau).

Marguerite Audoux nous raconte le destin d’une enfant, puis d’une jeune femme qui subit son destin avec courage et abnégation : elle passe de la demeure familiale au couvent, puis dans la ferme de Sologne où elle sera bergère puis domestique. Le texte est ancré dans le réel, dans la vie quotidienne de Marie-Claire. Et l’autrice sait se mettre à hauteur d’enfants (la jeune fille ne comprend pas certaines choses notamment ce qui se passe entre la sœur Marie-Aimée et le curé), elle ne réinterprète pas les évènements avec ses yeux d’adulte. Le récit de Marie-Claire est emprunt de sincérité et cela transparait dans le style. L’écriture de Marguerite Audoux est d’une grande simplicité, d’une grande économie de moyen et cela la rend très moderne. L’autrice sait également, en peu de mots, décrire ses personnages et leur donner de l’épaisseur. Quoique la vie réserve à Marie-Claire, le texte ne tombe jamais dans le pathos, la sobriété et la pudeur sont toujours de mise.

A la fin de « Marie-Claire », l’héroïne va tenter sa chance à Paris et je lirai avec grand plaisir la suite intitulée « L’atelier de Marie-Claire » également republiée dans la collection « Les plumées ».

Mission divine de Stéphane Durand-Souffland

Étienne et Sylvia parcourent la France en faisant de l’auto-stop depuis vingt ans. Ils vivent grâce à la gentillesse des habitants des villes et villages qu’ils traversent. Ils sont un peu particuliers, Sylvia se fait appeler Sa majesté et Étienne est roi d’Australie, général major supérieur de la légion française en boites à vœux. A ceux qui les croisent, ils expliquent être en mission divine. Leurs élucubrations amusent plus qu’elles n’inquiètent. Et pourtant, leur errance sur les routes départementales va tragiquement se terminer avec l’assassinant d’un petit garçon.

Stéphane Durand-Souffland, journaliste et chroniqueur judiciaire au Figaro, s’est inspiré d’un fait divers de 2008 pour son roman. L’affaire avait fait grand bruit à l’époque et était remontée jusqu’au sommet de l’État. La thématique de son livre est d’ailleurs toujours d’actualité : faut-il juger les malades mentaux ? Un article du code pénal permet de ne pas le faire, les malades sont reconnus irresponsables pénalement et envoyés en asile psychiatrique. Stéphane Durand-Souffland, prend le temps de nous raconter l’histoire d’Étienne et les différents évènements qui ont conduit au drame. Et pourtant, il fut juger au tribunal, l’abolition de son discernement ne fut pas reconnue. Le roman est également intéressant car il dissèque le mécanisme de la justice, la manière dont le pouvoir et l’opinion publique peuvent l’influencer. Ici, est exigée une sanction exemplaire pour le meurtrier du jeune garçon. L’émotion suscitée par la violence de l’acte empêche les parents, l’opinion publique de comprendre que le meurtrier devrait ne pas être jugé et mis en prison. Mais l’auteur pointe bien l’absurdité d’un procès où les propos de l’accusé sont totalement incohérents et délirants.

Outre cette question passionnante de l’irresponsabilité pénale, j’ai beaucoup apprécié la façon dont Stéphane Durand-Souffland  croque en quelques mots les différents personnages de son histoire. Certains le sont avec humour et ironie (on reconnait d’ailleurs sans peine les personnalités publiques qui sont évoquées). Et il épingle également le cirque médiatique autour des faits divers (la visite des deux ministres chez les pauvres parents éplorés est édifiante). La justice ne devrait jamais être un spectacle.

« Mission divine » est un roman très intéressant et parfaitement bien mené sur la question de l’irresponsabilité pénale et le fonctionnement de la justice.

Merci aux éditions de l’Iconoclaste pour cette lecture.

Bilan livresque et cinéma d’octobre

Huit livres et huit films m’ont accompagnée durant le mois d’octobre. J’ai eu le plaisir de retrouver la famille Cazalet avec le quatrième tome de la série « Nouveau départ », j’ai découvert le talent de Marie Vingtras qui nous emmène dans le blizzard de l’Alaska dans on premier roman, je vous conseille également la formidable bande-dessinée d’Aimée de Jongh et si vous souhaitez lire un sympathique cosy mystery, vous pouvez rendre visite aux dames de Marlow ! Je vous reparle rapidement de « Marie-Claire » de Marguerite Audoux, premier prix Femina, et de « La carte postale » de Anne Berest.

Côté cinéma, le mois d’octobre nous a fait de belles propositions sous le signe de Balzac, voici mes coups de cœur :

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Leïla et Damien semblent un couple harmonieux, uni. Il est peintre, elle restaure des meubles anciens dans leur grande maison au calme de la campagne. Mais rapidement, un malaise s’installe. Damien ne dort pas, il répare un solex en pleine nuit, il commence une recette et l’abandonne après avoir ravagé la cuisine, il nage à en frôler l’épuisement. Il ne peut rester en place une seconde, toujours en mouvement et pour cause Damien est bipolaire. Leïla et leur fils guettent avec inquiétude le moment où la phase dépressive viendra remplacer la phase maniaque. Elle voudrait lui éviter l’hospitalisation en psychiatrie mais Damien refuse de prendre son lithium qui l’assomme.

Joachim Lafosse reprend ici l’un de ses thèmes de prédilection : le délitement d’un couple. « Les intranquilles » sont aussi le moyen pour lui d’évoquer son enfance avec un père bipolaire. Leïla est obligée d’être l’infirmière de Damien, guettant inlassablement le moindre signe du chaos à venir. Malgré l’aide du père de Damien, elle finit par devenir méfiante, par vouloir tout contrôler  et cela finit par user son amour. Rien ne semble pouvoir contenir le feu follet qu’est Damien. Le casting du film est remarquable : Leïla Bekhti nous touche infiniment de par son envie de sauver son mari malgré lui, Damien Bonnard est extraordinaire, passant de l’exaltation à l’abrutissement le plus total en restant toujours juste. Moins clinique que « L’économie du couple », « Les intranquilles » bouleverse par l’intensité du jeu des acteurs et la justesse du regard porté sur cette maladie.

 

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Xavier Giannoli adapte Honoré de Balzac et nous raconte l’ascension et la chute du jeune et séduisant Lucien de Rubempré. Poète débutant, il quitte Angoulême pour tenter sa chance à Paris. Il y découvre un monde étincelant mais également cynique et corrompu. La pertinence de cette adaptation tient au fait qu’elle tend un miroir à notre société. La presse n’est là que pour enrichir les actionnaires, elle fait fit de la vérité et peut ruiner une réputation en quelques lignes assassines. Les fondements du capitalisme naissent à cette époque, sous la Restauration. La politique et l’argent commencent à faire bon ménage. La naïveté de Lucien ne tiendra pas bien longtemps face à cette société impitoyable et arrogante. Il deviendra lui-même l’une des plumes les plus redoutées de son journal. Mais Lucien gravit les échelons trop vite, sa chute n’en sera que plus humiliante. La trahison est un sport très en vogue… « Illusions perdues » est un film qui n’est jamais engoncé dans ses costumes et ses décors. La réalisation de Xavier Giannoli est vive, toujours en mouvement, ambitieuse et minutieuse dans sa reconstitution de la capitale. Les dialogues sont superbement écrits : acerbes, piquants, ils font toujours mouche. Et ils sont servis par un casting de haute volée avec un tête Benjamin Voisin, découvert dans « Été 85 », qui confirme tout le bien que je pensais de lui.  Il interprète Lucien avec sensibilité et fougue. Xavier Dolan (qui est également la voix off du film) et Vincent Lacoste sont impressionnants, tout comme la jeune Salomé Dewaels et Cécile de France. Mention spéciale à Jeanne Balibar dont le fiel n’a rien à envier à celui de la marquise de Merteuil ! Avec « Illusions perdues », Xavier Giannoli nous offre un film hautement romanesque, flamboyant, grinçant, un véritable régal !

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Comme l’indique le titre du film, Joachim Trier nous invite à découvrir son personnage en douze chapitres couvrant plusieurs années. Découpé comme un livre, le film nous propose également un prologue et une conclusion. Dans le premier, nous voyons évoluer une jeune femme brillante mais indécise quant à son avenir. Elle fait des études de médecine, de psychologie, pour finir dans la photographie. Julie est un tourbillon, elle papillonne au gré de ses envies, de ses désirs. Elle croisera le chemin de deux hommes importants : Aksel, dessinateur de BD reconnu qui est plus âgé qu’elle et qu’elle quittera pour Eivind, un grand jeune homme bienveillant.

Le portrait de la jeune femme n’est pas sans évoquer la nouvelle vague par sa fraîcheur et sa spontanéité (c’était le cas également dans « Oslo, 31 août » où j’avais découvert Anders Danielsen Lie qui interprète Aksel). Joachim Trier ajoute beaucoup de poésie aux scènes du quotidien : à un moment, Julie arrête le temps pour retrouver l’homme qu’elle aime, la rencontre entre elle et Eivind est chaste et incroyablement sensuelle. Malgré ses hésitations, ses indécision, Julie est personnage extrêmement attachant, solaire et mélancolique, douée et doutant de ses capacités. Son interprète, la formidable Renate Reinsve, a reçu le prix d’interprétation à Cannes et c’est amplement mérité. On aimerait pouvoir continuer à observer l’évolution de ce personnage tant elle est proche de nous à la fin du film.

Et sinon :

  • « Blue bayou » de Justin Chong : Antonio travaille dans un salon de tatouage. Après quelques actes de petite délinquance, il fait tout pour rester dans le droit chemin et prendre soin de sa famille  : sa femme Katy, enceinte, et la fille de celle-ci qu’il élève avec beaucoup d’amour. Mais leur vie va basculer quand la nationalité d’Antonio est remise en question. Il est né en Corée mais il a été adopté par un couple d’américains à l’âge de trois ans. Malheureusement, ses parents n’ont pas correctement finalisé son adoption. Le cinéaste et comédien Justin Chong rend compte ici d’une terrible réalité. De très nombreuses personnes, adoptées dans les années 80-90, ont été reconduites dans leur pays d’origine en raison de ce problème d’adoption non confirmée. Antonio a grandi aux États-Unis, il ne connaît pas la Corée et personne ne l’attend là-bas. Le film est un drame politique et intimiste. La relation nouée par Antonio avec la fille de Katy est bouleversante et lumineuse. L’ensemble du casting est parfait, chacun nous touche, nous émeut. « Blue bayou » est un film poignant porté par des personnages forts et incarnés.
  • « Tout s’est bien passé » de François Ozon : Emmanuèle se rend à l’hôpital où son père, André, se trouve après un AVC. Le vieil homme retrouve très lentement certaines fonctionnalités de son corps mais reste très diminué. Tout à la fois charmeur et autoritaire, André a eu une vie bien remplie d’esthète et de bon vivant. Il est donc pour lui impensable de rester dans cet état. Il demande à sa fille Emmanuèle de l’aider à mourir. François Ozon a ici adapté le livre d’Emmanuèle Bernheim. Le film nous montre son parcours, ses choix et son acceptation de la décision de son père. Tout le long, elle est accompagnée par sa sœur mais c’est bien à elle que revient le poids de trouver une solution. Le film évoque bien évidemment les questions légales et morales qui entourent le suicide assisté et les difficultés rencontrées par les deux sœurs. François Ozon nous montre encore une fois son talent de directeur d’acteurs. André Dussolier est absolument formidable dans ce rôle de ce père égocentrique et capricieux. Ses deux filles, solides et complices, sont jouées avec justesse par Sophie Marceau et Géraldine Pailhas. 
  • « Eugénie Grandet » de Marc Dugain : A Saumur, le père Grandet est connu pour son avarice. Sa femme et sa fille Eugénie ignorent l’importance de leur richesse. Le père les fait vivre chichement et il tient bien Eugénie à l’écart du monde et de ses possibles prétendants. Payer une dot lui fait froid dans le dos. La pauvre jeune femme vit quasiment cloîtrée, il était donc inévitable qu’elle cède aux charmes d’un cousin venu de Paris. Marc Dugain parvient parfaitement à nous faire sentir l’étroitesse de l’univers dans lequel doit évoluer Eugénie. Il s’agit presque d’un huis-clos, sombre et étouffant où l’héroïne s’étiole. C’est le cas également de la mère qui dépérit au fil du film. Marc Dugain se sert du roman de Balzac pour critiquer le patriarcat. A force de ténacité, Eugénie se libérera du joug de son père et de la société dans une jolie fin différente de celle du roman. Le film doit beaucoup à Olivier Gourmet et Joséphine Japy, qui interprètent le père et la fille, dont le duo fonctionne à merveille. La mise en scène simple et sans fioriture inutile met bien en valeur le travail des acteurs. 
  • « Freda » de Gessica Geneus : Freda, jeune haïtienne, vit avec sa mère, son frère et sa sœur Esther. La famille économise pour offrir un avenir au garçon en Amérique du Sud. Les deux filles se débattent pour survivre et garder espoir. Esther est très jolie et elle recherche le mari idéal (celui au compte en banque bien garni). Tandis que Freda fait des études à l’université tout en travaillant comme femme de chambre. La réalisatrice Gessica Geneus nous montre à quel point l’avenir est bouché pour les femmes haïtiennes. Leurs possibilités sont extrêmement restreintes. La mère  favorise Esther, la seule à pouvoir amener de l’argent à la famille grâce à son mariage. Freda est trop indépendante, trop intellectuelle pour plaire à sa mère ou à un mari intéressant. Et malgré le peu de possibilités qui s’offrent à elle, Freda veut à tout prix rester en Haïti, elle refuse d’abandonner son pays. Son portrait permet à la réalisatrice de nous montrer l’état du pays. Les inégalités, la pauvreté et la corruption le gangrènent alors même que les catastrophes naturelles l’ont déjà considérablement affaibli. Certaines scènes d’émeutes dans les rues sont saisissantes et proches du documentaire. A l’université, les jeunes débattent autour de l’avenir de leur pays, défendent leur langue et ce sont eux qui font naître l’espoir.

 

  • « La fracture » de Catherine Corsini : Une nuit dans un hôpital parisien, se croisent Yann, un routier venu manifester avec les gilets jaunes, et Raff, une dessinatrice en pleine crise de couple. Ils seront accueillis par une équipe soignante au bord de l’asphyxie. Kim, une infirmière, en est à sa sixième nuit de garde de suite. Catherine Corsini nous montre à la fois une crise intime avec le couple formé par Raf et Julie, et une crise politique et sociétal au travers de la manifestation des gilets jaunes et du manque d’effectif à l’hôpital. Sa mise en scène est au diapason du chaos qui règne durant cette nuit au service des urgences. J’ai apprécié l’idée que les services publics étaient l’endroit où pouvaient encore se croiser des personnes de milieux sociaux très différents et où une forme de dialogue pouvait s’instaurer. Les acteurs sont tous très bien choisis : Valeria Bruni-Tedeschi, Marina Fois, Aïssatou Diallo (qui est véritablement infirmière) et Pio Marmaï. Malheureusement, Catherine Corsini veut trop en rajouter pour montrer un hôpital à bout de souffle. Le bébé de l’infirmière malade, le patient psychotique qui part en vrille n’étaient pas utiles à la narration.