La plage de Cesare Pavese

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« Mais on n’était jamais seuls. La plage tout entière grouillait et causait – c’est pour cela que Clelia préférait au sable de tout le monde les rochers, la pierre dure et glissante. Lorsqu’elle se relevait, secouant ses cheveux, abrutie de soleil et riant, elle nous demandait de quoi nous avions parlé et regardait qui était là. Il y avait des amies, il y avait Guido, il y avait toute la bande. » Le narrateur est un professeur d’une trentaine d’années. Il a renoué récemment avec son ami d’enfance Doro qui s’est marié avec Clelia et s’est installé à Gênes. Le couple invite le jeune homme à venir passer ses vacances d’été avec eux sur la côte Ligure. La touffeur de la plage, la langueur qu’elle impose à chacun, amènent le narrateur à observer avec attention Clelia et Doro.

Cesare Pavese a écrit ce court texte en 1942 et il m’a fait penser au cinéma de Michelangelo Antonioni. Les personnages cancanent, babillent, papillonnent mais c’est une forme d’incommunicabilité qui domine. Personne ne semble véritablement en capacité de percer la carapace des autres. Le narrateur tente de comprendre le couple formé par Clelia et Doro. Ce mariage lui a fait perdre son meilleur ami ce qu’il semble avoir du mal à accepter. Il interroge sans cesse son ami sur une possible dispute avec sa femme. D’autres personnages gravitent autour du groupe empêchant toute intimité entre le narrateur et Doro. Si Cesare Pavese rend parfaitement la légèreté, l’insouciance de la plage, de la baignade, il y aussi une certaine froideur dans son écriture. Le narrateur reste en retrait par rapport à ce qui se passe autour de lui et c’est également ce que j’ai ressenti face à ce texte.

En raison de cette distance, je n’ai pas été totalement captivée par « La plage ». J’essaierai de relire Pavese avec un texte plus long pour me faire une meilleure idée de son œuvre.

Traduction Muriel Gallot

A sky painted gold de Laura Wood

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Laura Wood

1929, Lou a 17 ans et vit dans une ferme de Cornouailles avec ses sept frères et sœurs. Pour échapper au brouhaha de sa maison, elle s’installe chaque après-midi dans le manoir de la riche famille Cardew, situé sur une île reliée au continent par une route submersible. La demeure n’est plus occupée depuis longtemps, Lou y profite des pommes du jardin et des romans d’Agatha Christie dans la bibliothèque. Elle y écrit également des histoires qu’elle lit ensuite à sa sœur aînée Alice, 19 ans, qui va prochainement se marier. Cet évènement réjouit et attriste Lou. Mais le retour de la famille Cardew pour l’été va totalement bouleverser sa vie.

« A sky painted gold » est un très charmant roman d’apprentissage qui va précipiter notre jeune héroïne dans un monde de cocktails et de paillettes qu’elle voyait auparavant dans des magazines. Lou est une jeune femme audacieuse qui n’hésite pas à saisir sa chance mais en oubliant jamais d’où elle vient. « I want the lights and the music and the noise and the excitement. I want the newness and the fantasy. I want to experience things that are bigger than my own life, not just read about them. I want to escape into that dream for a while. » Caitlin Cardew et son frère Robert semblent tout droit sortis de « Gatsby le magnifique », les fêtes qu’ils organisent sont mémorables, somptueuses et flamboyantes. Mais comme dans le roman de Fitzgerald, la mélancolie et l’amertume se cachent sous le glamour. La relation entre Lou et Robert est digne de la screwball comedy hollywoodienne avec des dialogues vifs, enlevés et plein d’humour.

« A sky painted gold » est un roman young adult très plaisant, une comédie rafraîchissante et dont l’héroïne est terriblement attachante.

Une fleur qui ne fleurit pas de Maria Messina

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Franca Gaudelli est la fille unique d’un sous-préfet. Sa mère disparue, elle s’installe chez sa tante près de Florence. Elle s’y lie d’amitié avec Fanny. Les deux jeunes filles aiment les toilettes sophistiquées, arborent des coupes à la garçonne, fument et flirtent avec des jeunes hommes. Elles s’amusent, papillonnent avec légèreté. Les choses vont changer lorsque Stefano Mentesana va entrer dans la vie de Franca. Le jeune sicilien vient régulièrement à Florence pour rendre visite à sa cousine qui est au collège. Franca tombe sous son charme mais Stefano n’apprécie guerre ses manières trop libérées. La jeune femme sera-t-elle prête à changer de vie pour lui ?

« Une fleur qui ne fleurit pas » a été publié en 1923. Maria Messina fait le portrait d’une jeune femme libre, qui mène sa vie comme elle l’entend. Nous sommes bien loin des sœurs de « La maison dans l’impasse » soumises aux désirs et au bon vouloir des hommes. Mais la volonté d’émancipation de Franca et son amie Fanny ne pourra pas durer et elles seront rattrapées par le poids du patriarcat et de la tradition. La frivolité de Franca ne lui sera pas pardonnée. Comme « Severa » et « La maison dans l’impasse », la tonalité du roman est sombre et désespérée. Maria Messina souligne à nouveau l’hypocrisie de la société italienne et la difficulté d’être une femme dans un monde dominé par les hommes. La leçon est bien amère et cruelle pour Franca.

« Une fleur qui ne fleurit pas » montre le tiraillement des jeunes italiennes du début du 20ème siècle entre envie de liberté et poids des traditions. Le destin de Franca n’aura finalement jamais été entre ses mains. La lucidité de Maria Messsina est encore une fois percutante et saisissante.

Traduction Marguerite Pozzoli

Tous les membres de ma famille ont déjà tué quelqu’un de Benjamin Stevenson

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C’est dans une station de ski isolée qu’a lieu la réunion de famille des Cunningham. Celle-ci a pour but d’accueillir Michael à sa sortie de prison. L’ambiance est quelque peu tendue puisqu’il a été condamné suite au témoignage de son frère Ernest dont la présence a été exigée pour cette réunion familiale. Avant que Michael ait eu le temps d’arriver et qu’une tempête de neige se déclenche, le corps d’un homme est retrouvé près de l’hôtel. Les soupçons ne peuvent que se porter sur la famille Cunningham dont chacun des membres a déjà tué quelqu’un.

Le premier roman traduit en français de Benjamin Stevenson est extrêmement réjouissant. Ernest est le narrateur de cette histoire de famille et il écrit des livres sur les méthodes à suivre pour écrire des romans policiers à la manière des écrivains de l’Age d’Or (Agatha Christie, Dorothy L. Sayers, G.K. Chesterton, Ronald Knox). Il applique dans son récit les « Dix commandements pour l’écriture d’un roman policier » que Ronald Knox a établi en 1929. Durant tout le roman, le narrateur s’adresse à son lecteur, il commente l’action, fait des clins d’œil aux écrivains de l’Age d’Or et aux clichés de ce type de roman. « J’ai été réveillé par une série de violents coups à la porte. Évidemment – vous avez déjà lu ce genre de livres. » « Bon. Après tous ces rebondissements, je me dis qu’un petit récapitulatif ne serait pas du luxe. » Le lecteur prend une part active à l’enquête et prend beaucoup de plaisir à ce petit jeu avec le narrateur. Mais le roman de Benjamin Stevenson n’est pas qu’une parodie, l’intrigue est extrêmement bien ficelée et addictive.

Si comme moi, vous appréciez les romans d’Agatha Christie ou de Dorothy L. Sayers et que les révélations finales se déroulent dans une bibliothèque avec tous les protagonistes, procurez-vous ce roman totalement jubilatoire.

Traduction Cindy Colin-Kapen

Bilan livresque et cinéma de juillet

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J’ai fait de bien belles découvertes durant ce mois de juillet : la plume splendide de Jean-François Beauchemin, la douce poésie de Diglee, l’humour réjouissant de Benjamin Stevenson, la lucidité si moderne d’Hedwig Dohm sur le sort des femmes, la plume fine de Shirley Hazzard. Et j’ai retrouvé avec grand plaisir Maria Messina, que les éditions Cambourakis ont la bonne idée de continuer à republier, et Alexandra Koszelyk qui a reçu cette année le prix Vleel pour son formidable dernier roman : « L’archiviste ».

J’ai eu l’occasion de voir huit films durant le mois de juillet dont deux avant-premières qui font partie de mes coups de cœur du mois :

Mothering sunday

30 mars 1924, jour du dimanche des mères où les aristocrates anglais donnaient leur journée aux domestiques pour qu’ils rendent visite à leurs mères. Jane Fairchild est orpheline. Elle travaille pour la famille Niven qui a perdu son fils au front. La jeune femme va passer la journée avec son amant, Paul Sherigham, fils d’amis proches des Niven. Il doit bientôt se marier et doit poursuivre ses études de droit comme le souhaite son père. Ce 30 mars 1924 va bouleverser la vie des différents protagonistes.

Eva Husson a choisi d’adapter le formidable roman de Graham Swift et nous propose un film fidèle à l’œuvre originale. Comme dans le roman, l’histoire nous projette dans le futur de Jane pour souligner à quel point ce jour fut décisif. La mélancolie, la perte et le deuil sont l’arrière-fond de ce film qui est pourtant esthétiquement très lumineux. La réalisatrice compose des images splendides, sensibles mettant en valeur chaque moment de cette chaude journée de mars. Le casting est incroyable : Olivia Coleman, Colin Firth, Josh O’Connor et Odessa Young qui est une révélation. La fin d’une époque, l’éveil à la sensualité, « Entre les lignes » est un film en costumes très réussi, envoûtant, délicat et touchant. (sortie le 4 octobre)

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Fin avril 1976, le deuxième procès de Pierre Goldman s’ouvre. Il est accusé d’avoir commis quatre braquages dont l’un a abouti à la mort de deux pharmaciennes boulevard Richard Lenoir en décembre 1969. Pierre Goldman nie avoir participé au braquage sanglant mais reconnaît être l’auteur des trois autres. Il a été condamné à la réclusion à perpétuité lors de son premier procès en 1974. Pour ce nouveau procès, qui se déroule à Amiens, l’accusé sera défendu par maître George Kiejman.

Cédric Kahn reconstitue avec minutie ce procès qui fit grand bruit à l’époque. La personnalité de Pierre Goldman, révolutionnaire devenu braqueur, y est pour beaucoup. Provocateur, irrévérencieux, brillant, il assure le spectacle dans la salle d’audience. Rapidement, il politise son procès, jouant de ses origines juives polonaises pour accuser ses détracteurs (surtout les policiers) d’être fascistes et racistes. Le huis-clos de Cédric Kahn rend parfaitement la fièvre du procès, la verve insolente de l’accusé, l’agacement de maître Kiejman face aux saillies de son client  et la très forte fracture qui divisait la France (c’est toujours le cas…). Il faut saluer le choix du réalisateur pour incarner le charismatique Pierre Goldman : Arieh Worthalter, intense et saisissant. (sortie le 27 septembre 2023)

Moretti

Giovanni est réalisateur et il peine à financer son dernier film qui parle du parti communiste italien au moment de l’invasion de Budapest. Sa femme et productrice, depuis quarante ans, s’apprête à le quitter. Pire, elle produit pour la première fois le film d’un autre (une sorte de jeune Tarantino dont le cinéma rend dingue Giovanni). Tout va donc mal pour notre héros de 69 ans qui est gagné par l’amertume et la dépression.

Quel bonheur de retrouver Nanni Moretti dans sa veine d’auto-fiction ! On retrouve son personnage grincheux, autoritaire, moralisateur, déçu par la gauche italienne, follement amoureux du cinéma et toujours capable d’auto-dérision. Sa passion pour les comédies musicales nous offre encore une fois une scène superbe. « Vers un avenir radieux » se situe dans la droite ligne de « Journal intime » où l’on retrouvait les mêmes thématiques (obsessions) du réalisateur italien. Malgré le dépit du personnage central face à l’évolution du cinéma, de l’Italie et de sa vie personnelle, la comédie prédomine avec des scènes mémorables (celle dans les bureaux de Netflix à Rome notamment). Réjouissant, irrésistible, « Vers un avenir radieux » montre l’énergie folle de Nanni Moretti et son sens imparable de la comédie.

Et sinon :

  • « Oppenheimer » de Christopher Nolan : Christopher Nolan retrace la trajectoire de Robert Oppenheimer, père de la bombe atomique : de ses études à Cambridge en passant par la commission d’enquête en 1954 diligentée par le FBI en raison de sa sympathie pour les idées communistes, à sa réhabilitation en 1963 grâce au président Kennedy. Le film montre les contradictions de l’homme, ses questionnements moraux une fois son invention finalisée. Lui, le physicien brillant, juif, ne pouvait que se lancer dans la course à l’arme nucléaire pour contrer les nazis. Mais son travail s’achève alors qu’Hitler se suicide et la puissance destructrice de la bombe commence à inquiéter son créateur. C’est cette dualité du personnage qui est le plus intéressant dans le film de Nolan. Et il ne pouvait trouver meilleur acteur pour l’incarner que Cillian Murphy, habité par l’émulation des recherches puis hanté par les ravages de son œuvre. Certaines images sont marquantes, visuellement très fortes. Mais le film est long, vraiment trop long.
  • « Les meutes » de Ramal Lazraq : Hassan et son fils Issam vivent dans les quartiers pauvres de Casablanca. Pour essayer d’améliorer leur quotidien, le père accepte de rendre service à un organisateur de combats de chien. Il doit kidnapper le garde du corps d’un participant aux combats qui devient de plus en plus puissant. Hassan entraine son fils dans cette mission. Malheureusement, l’homme kidnappé meurt dans le coffre de la voiture. Débute alors pour le père et le fils une très longue nuit. Le premier film de Ramal Lazraq est particulièrement réussi, oscillant entre réalisme et thriller. De nombreuses péripéties, des rencontres inquiétantes vont émailler la nuit de Hassan et Issam, pauvres bougres maladroits et malchanceux. La nuit de Casablanca révèle un monde parallèle et interlope, des petits truands, des gueules marquées par la misère, des solitudes profondes. Et dans ce milieu violent, brutal, s’impose soudain la religion et le respect du corps du défunt qui a été trimballé pendant des heures. Une volonté de rachat qui nait aux bords de l’aube chez Hassan, une bulle d’humanité dans cette sombre cavalcade nocturne menée avec beaucoup de talent par le réalisateur.
  • « Les filles d’Olfa » de Kaouther Ben Haria : Olfa Hamrami est la mère de quatre filles dont deux d’entre elles, Rahma et Ghofrane, ne sont plus avec elle puisqu’elles ont rejoint Daech. Pour raconter cette histoire, qui a frappé les tunisiens, la réalisatrice Kaouther Ben Haria a inventé une forme hybride entre film et documentaire. Probablement pour que Olfa se livre plus facilement, elle lui propose de travailler sur la préparation du film avec ses deux filles cadettes Eya et Tayssir. Olfa échange avec l’actrice qui va jouer son rôle, raconte son mariage forcé, sa difficulté à élever ses filles. Ces dernières se livrent également et montrent le côté sombre de leur mère qui les a brutalisées dès que leur féminité s’affirmait. La détestation du corps, très présent chez Olfa, la méfiance vis-à-vis des hommes, une volonté protectrice qui s’exprime mal, finissent par gangréner les relations avec les deux ainées. La parole des trois femmes est saisissante, entre libération, remords et culpabilité. Un dispositif étonnant sur l’intimité d’une famille, sur le destin bouleversant de cinq femmes tunisiennes.
  • « Barbie » de Greta Gerwig : A Barbieland, les journées se déroulent toujours de manière parfaite sous un soleil radieux et dans la bonne humeur. Les Barbie dirigent ce monde rose bonbon. Les Ken, un peu benêts, les admirent et sont à leur disposition. Un jour, une Barbie fait vaciller ce monde idyllique en parlant de la mort. Elle doit alors se rendre dans le monde réel pour retrouver l’enfant qui joue avec elle et qui, visiblement, est déprimée. Un Ken la suite et découvre avec bonheur les joies du patriarcat. Greta Gerwig fait montre de beaucoup de malice dans son dernier film. L’esthétique de celui-ci est inventive, le début évoque la série des « Toy story ». Les dialogues sont drôles, plein d’esprit et les discours féministes sont moins lisses que ce que je craignais. Le casting est réussi avec en tête Margot Robbie et Ryan Gosling qui semblent follement s’amuser. Mais le film a été commandé par Mattel et cela se sent quand même beaucoup malgré l’intelligence de Greta Gerwig. La réalisatrice n’aura pas réussi à masquer complètement le produit marketing.
  • « Sur la branche » de Marie Garel-Weiss : Mimi, presque 30 ans, sort de l’hôpital psychiatrique et elle doit dorénavant travailler dans un jardin pour lui apporter de l’apaisement. Mais Mimi a passé l’examen du barreau et elle propose ses talents au cabinet de Claire et son ex-mari Paul. Ce dernier connaît quelques soucis et passe ses journées en robe de chambre. Mimi est envoyée chez lui pour récupérer des dossiers importants. Lorsqu’un charmant voyou fait appel à Paul, Mimi s’emballe et prend l’affaire très à cœur. « Sur la branche » est une charmante et rafraichissante comédie. L’intrigue est rythmée, nous emmenant de Paris aux bords de mer dans de virevoltants aller-retours (même si Mimi fait du 40 km/heure sur l’autoroute…). La réalisatrice compose un duo inédit et plein de fantaisie : Benoit Poelvoorde, très en forme, et la formidable Daphné Patakia qui avait déjà fait fortes impressions dans la série « Ovni(s) ». Un film idéal pour cette période estivale.

Ressac de Diglee

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En février 2020, Maureen Wingrove, alias Diglee illustratrice et autrice, part s’isoler dans l’abbaye de Rhuys dans le Morbihan. Elle va passer cinq jours de retraite face à la mer pour se protéger et mettre à distance la bipolarité de son beau-père. Depuis deux ans, il sombre peu à peu dans la maladie et il vient de fracasser sa voiture contre un arbre. Maureen supporte difficilement de voir disparaitre cet homme qu’elle aime tant.

« Ressac » est le récit jour après jour de cet isolement, de cette recherche de solitude pour se retrouver, guérir. Durant son séjour, Maureen fera la rencontre d’autres femmes venues également se ressourcer et auprès desquelles elle trouve du réconfort. Les livres, qu’elles a emportés avec elle, sont également un précieux refuge. La mer, le silence contribuent à son cheminement intérieur et vivifient son esprit et sa créativité.

Les propos de Maureen sont sensibles, d’une grande sincérité. « Est-ce trahir que d’écrire ? Pourquoi cette urgence à raconter ce qui n’est pas encore digéré, ce qui mute, palpite, pourquoi ne pas plutôt créer quelque chose qui soit loin de moi, loin de cette impudique mise à nu ? Quelque chose qui n’engage (n’enrage…) personne ? De l’écriture ou de la main, après tout, qui contrôle qui ? Puis-je réellement décider de ce qui s’écrit ? » Elle nous livre ses émotions, ses doutes tout en restant pudique. On sent la nécessité qu’elle a ressenti à écrire ce texte et c’est sans doute ce qui le rend si vibrant et touchant.

« Ressac » est un texte contemplatif dont se dégage beaucoup de douceur, de poésie et une grande honnêteté.

L’archiviste d’Alexandra Koszelyk

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« La nuit était tombée sur l’Ukraine. » La guerre, à nouveau, ravage le pays et traumatise les habitants des villes bombardées. K habite au milieu des ruines. Elle est archiviste et veille sur sa mère mourante à qui elle tente de cacher le retour des envahisseurs. Sa jumelle Mila est photographe et elle n’a plus donné de nouvelles depuis fort longtemps. Malgré le chaos, K continue à se rendre à la bibliothèque, son refuge, chaque jour. C’est là qu’elle rencontre l’homme au chapeau qui va l’obliger à accomplir une terrible mission. K va devoir modifier toutes les œuvres ayant un caractère patriotique ou présentant l’envahisseur de manière défavorable. Si elle refuse, l’homme au chapeau s’en prendra à sa famille.

« C’était la beauté paradoxale de cette barbarie, elle refleurissait sa mémoire. » « L’archiviste » est une plongée dans les souvenirs de K, les instants partagés avec sa famille dans un pays libre et fier. Mais le roman d’Alexandra Koszelyk est surtout un hommage à la culture et à l’histoire de l’Ukraine. Chaque œuvre falsifiée est l’occasion de nous présenter un artiste, de vivre un moment en sa compagnie car K a de bien étranges pouvoirs. Nous croisons le poète Taras Chevtchenko, Gogol, la poétesse Lessia Oukraïnka, la peintre Maria Primatchenko, Sonia Delaunay. Certains épisodes décisifs de l’histoire ukrainienne sont également évoqués comme l’écriture de l’hymne national, l’Holodomor, Tchernobyl, Maïdan.

Alexandra Koszelyk a écrit un hymne à l’Ukraine, à ce pays dont l’envahisseur veut systématiquement détruire la langue, étouffer la culture pour l’annihiler et l’assimiler. « L’archiviste souligne l’importance de la littérature, de la peinture, de l’art en général pour construire et faire vivre l’âme d’un pays.

A la lisière du fantastique, le roman d’Alexandra Koszelyk défend avec ardeur, avec urgence la culture ukrainienne. Un texte en résistance et qui nous donne de l’espoir.

Le roitelet de Jean-François Beauchemin

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« A ce moment je me suis dit pour la première fois qu’il ressemblait, avec ses cheveux courts aux vifs reflets mordorés, à ce petit oiseau délicat, le roitelet, dont le dessus de la tête est éclaboussé d’une tache jaune. Oui, c’est ça : mon frère devenait peu à peu un roitelet, un oiseau fragile dont l’or et la lumière de l’esprit s’échappaient par le haut de la tête. » Le narrateur, la soixantaine, décrit ainsi son frère atteint de schizophrénie. Installé paisiblement à la campagne avec sa compagne Livia et ses animaux, il continue inlassablement à essayer de comprendre son frère, à aller le chercher dans le puits sans fond de la maladie qui les éloigne. Leur relation est émaillée de crises de paranoïa, d’inquiétude mais aussi de tendresse infinie et d’instants lumineux. La poésie les rassemble : le narrateur est écrivain, son frère y trouve repos et réconfort.

« Le roitelet » est un roman extraordinairement délicat et poétique. La qualité d’écriture de Jean-François Beauchemin donne envie de souligner chaque phrase du texte. En de courts chapitres, il nous donne à voir, avec justesse et lucidité, la relation unique, profonde et en même temps fragile des deux frères. Malgré la gravité du thème abordé, le roman n’est jamais sombre, la grâce et la lumière l’habitent. Le narrateur vit une vie simple, il s’émerveille de la beauté de la nature, des animaux qui la peuplent. Il semble être arrivé à un moment de sa vie où l’harmonie règne, il ressent du bonheur à être en vie, à être au milieu de la nature avec ses proches et les fantômes du passé. La vie s’est écoulée mais le temps qui reste doit être apprécié, dégusté. « A l’ouest, le soleil glissait lentement sur le versant de la montagne. Je songeais encore une fois que le temps bien sûr m’était compté, mais qu’à tout prendre il m’en restait encore beaucoup. J’avais le sentiment d’entrer dans la dernière partie de ma vie comme on se glisse dans un soir d’été. »

« Le roitelet » est un texte magnifique, bouleversant, sensible, un bijou à l’écriture éblouissante.

La baie de midi de Shirley Hazzard

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Jenny s’installe à Naples dans les années 50. Elle a postulé pour accompagner une mission militaire dans le sud de l’Italie. Depuis l’enfance, la jeune femme n’a pas vraiment eu de point d’attache. Sa mère l’a envoyée au Cap pendant la guerre. Au moment de rejoindre l’Angleterre, son frère est venu s’installer en Afrique de l’Est où elle le rejoint. Ils rentrèrent ensuite dans leur pays natal où Jenny ne fréquente que son frère et sa femme. Un changement s’imposait donc pour ouvrir les horizons de Jenny. « Le vrai mal du pays – cette nostalgie du familier – j’en souffrais peu, car je n’avais jamais acquis, ni reçu, d’objets susceptibles de devenir familiers ; mon existence, depuis l’enfance, n’avait été qu’une longue improvisation dans des milieux sans passé. » Et pourtant, c’est à Naples qu’elle va se sentir le plus chez elle, qu’elle va se construire des souvenirs pour le restant de ses jours. Elle y rencontre Gioconda, une écrivaine, et son amant fantasque Gianni. En leur compagnie, Jenny va mûrir et s’affirmer.

« La baie de midi » de Shirley Hazzard est un roman initiatique. Jenny est une jeune femme qui dépend sans cesse des choix des autres. Elle n’ose jamais imposer ses envies, ses préférences personnelles. Mais côtoyer Gioconda et Gianni, avec leurs blessures, leurs faiblesses, leurs contradictions, va la faire évoluer et va l’aider à s’émanciper. Shirley Hazzard analyse finement, précisément les mouvements de l’âme. Le récit de Jenny est emprunt de nostalgie puisqu’elle raconte son séjour à Naples a posteriori, une fois mariée et installée aux États-Unis.

Son attachement pour la ville et ses environs est très fort. Le cadre de l’histoire est aussi important que les personnages. Shirley Hazzard nous fait parcourir les rues et ruelles de Naples et son « extravagance volcanique », la douceur et la beauté de Capri, le confort et l’aisance de Rome. Jenny est rapidement envoûtée par Naples malgré son immense pauvreté. La guerre a laissé des traces, les ruines sont partout. Mais la ville dégage une vitalité, une énergie ensorcelantes. Shirley Hazzard, qui a elle-même vécu à Naples, nous offre un portrait saisissant de l’Italie d’après guerre.

« La baie de midi » est un roman très psychologique qui demande une certaine dose de concentration pour rentrer dans l’intrigue. Il s’en dégage une douce mélancolie, une lumière diffuse qui s’affirme au fil de la lecture.

Traduction de Claude et Jean Demanuelli

Vivian Maier, à la surface d’un miroir de Paulina Spucches

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J’ai découvert Vivian Maier en 2013  grâce au documentaire de John Maloof et Charlie Siskel. Ses extraordinaires photos, son sens du cadrage et son énigmatique personnalité m’ont tout de suite fascinée. J’avais donc très envie de découvrir la bande dessinée  que lui a consacrée Paulina Spucches. J’ai beaucoup apprécié le procédé narratif choisi par la dessinatrice. Elle prend comme point de départ des photos de Vivian Maier qu’elle transpose en dessin. Elle en imagine ensuite le contexte et ainsi elle évoque des souvenirs dans la vie de la photographe. C’est donc par fragments, par petites touches que se dévoile la vie de Vivian Maier : son métier de nounou, son retour à New York après avoir passé des années en France, son retour à Champsaur, sa manie d’accumuler les journaux, son côté secret et mystérieux, la manière dont ses pellicules ont été découvertes après sa mort. Paulina Spucches met également en valeur la transmission de la photographie : de Jeanne Bertrand à Vivian Maier et de cette dernière à Gwen Ward, une enfant dont elle fut la nounou. L’idée est joliment séduisante, même si elle est en partie fictionnelle.

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Le mélange entre réalité et fiction est très réussi dans cette bande dessinée de Paulina Spucches, comme le sont également ses gouaches et aquarelles aux traits rapides. Les couleurs sont vives, flamboyantes et vibrantes.

Dans « A la surface d’un miroir », Paulina Spucches a choisi de raconter de manière elliptique la vie de la photographe Vivian Maier. Ses choix narratifs, les couleurs vives employées m’ont séduite. J’ai maintenant hâte de découvrir son prochain projet autour des sœurs Brontë.

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