Michael Kenna, Paris au musée Carnavalet

Posté dans Expositions par titine75

Michael Kenna est un photographe anglais qui fit à plusieurs reprises des donations au musée Carnavalet. A l’occasion de l’une d’elle et de la sortie d’un livre sur la France, le musée nous propose une exposition d’une cinquantaine de ses œuvres consacrées à Paris.

Les photographies de Michael Kenna sont exclusivement en noir et blanc et les tirages sont extrêmement travaillés, fins. Ce sont toujours de petits formats.

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L’homme n’apparait jamais sur les photos. Michael Kenna présente une ville de Paris mystérieuse, fantomatique. Une capitale qui semble du coup totalement hors du temps, rien n’indique l’époque à laquelle les photos ont été prises. D’ailleurs l’artiste parcourt la ville depuis une trentaine d’années et il est impossible de classer chronologiquement les photographies exposées au musée Carnavalet.

Michael Kenna a des motifs favoris : les ponts qui permettent les jeux de reflets et qui sont des traces du travail des hommes ; la tour Eiffel le symbole absolu de Paris que le photographe montre sous toutes ses coutures.

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Les œuvres de Michael Kenna sont extrêmement graphiques, les contrastes entre ombre et lumière sont accentués. Les cadrages sont bien entendu très soignés, très étudiés. Les poses sont longues, ces photographies sont loin de l’esthétique instantanée d’Henri Cartier-Bresson ou de Christopher Eggleston.

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Les photographies épurées de Michael Kenna sont empruntes de poésie, d’intemporalité. La ville de Paris est magnifiée par la qualité des cadrages et des tirages du photographe anglais. N’hésitez pas à y aller, l’exposition est en effet gratuite puisqu’elle est mélangée aux collections permanentes du beau musée Carnavalet.

19Nov2014

Jim d’Harold Cobert

Posté dans Lectures, Littérature-France par titine75

La collection miroir des éditions Plon permet à des écrivains de se glisser dans la peau de personnages historiques, d’artistes ou de héros de fiction. Harold Cobert s’est emparé de Jim Morrison.

Le début du livre se déroule à Paris en 1971, Jim Morrison y a rejoint sa compagne Pamela. Il est méconnaissable : cheveux grisonnants, grosse barbe, de nombreux kilos en trop. On est loin du sex symbol en couverture du livre. On sait que c’est là qu’il va mourir à l’âge de 27 ans. Entre les deux, le chanteur des Doors se confie et raconte sa vie, ses frasques. Enfant de militaire qui ne cessa de déménager et de défier l’autorité de ses parents, Jim Morrison a passé sa vie à tester les limites, les siennes et celles des autres. « Ça m’a toujours éclaté de pousser les limites, toutes les limites. C’est confrontés à des circonstances extrêmes ou inhabituelles que le vernis social, moral et culturel craque et que les choses et les êtres se révèlent tels qu’ils sont vraiment. » L’alcool, la drogue, le sexe sont ses terrains de jeu favoris. Il est de tous les excès, il ne connaît aucune barrière, sa liberté est totale. Mais la société de la fin des années 60 n’est pas prête à accepter tous ses débordements.

Les provocations répétées et toujours plus violentes sur scène de Jim Morrison se terminent à Miami : insultes aux flics, exhibitionnisme, le chanteur est arrêté sur scène. Sans le savoir, Jim Morrison a suicidé le roi lézard et les Doors avec. Mais c’est au fond ce qu’il cherchait à faire depuis longtemps. L’histoire de Morrison est celle d’un malentendu. C’est celle d’un jeune homme féru de poésie, de cinéma, de chamanisme qui se voulait poète. La musique a croisé sa route et l’a consacré roi lézard. Lui, au départ, ne voulait même pas chanter et encore moins être une star. En six albums, les Doors ont créé une musique atypique, originale et donné naissance à un mythe.

Harold Cobert rend bien justice au personnage sauvage et excessif de Jim Morrison. L’atmosphère de l’époque est également bien décrite. Mon problème avec ce livre, c’est que je n’ai rien appris sur Jim Morrison. Je m’étais beaucoup intéressée à lui au moment du film d’Oliver Stone sur les Doors. Harold Cobert n’omet certes rien mais il ne rajoute rien non plus à la légende. Peut-être était-ce périlleux de choisir un personnage sans zone d’ombre, sans mystère à éclaircir.

Merci aux éditions Plon pour cette lecture.

17Nov2014

Une photo, quelques mots (142ème) – Atelier d’écriture de Leiloona

Posté dans Atelier d'écriture par titine75

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Châtelet-les Halles. Pour les autres passagers de la rame, ces mots signifient une station de RER, un carrefour de plusieurs lignes au centre de Paris, un endroit à éviter après 1h du matin. Pour Fatoumata, c’est l’Eldorado, le cœur de cette capitale si hautaine et pourtant tant désirée. Elle y était déjà venue avec sa bande de copines mais sans argent, l’après-midi s’était révélé frustrant. Pas question de voler quoique ce soit contrairement à ce qu’avait suggéré Oumou. Fatoumata ne voulait pas causer de problème à sa mère qui faisait ce qu’elle pouvait pour élever ses trois enfants. Elle avait attendu son heure, le moment où elle pourrait déambuler dans le labyrinthe des Halles en sachant qu’elle pourrait acheter ce qu’elle voulait.

Et ce moment, c’était aujourd’hui. Fatoumata était euphorique. Elle était partie tôt de chez elle pour bien profiter de sa journée et parce qu’elle n’en pouvait plus d’attendre. Dans son lecteur mp3 tournait en boucle le tube interplanétaire de Pharrell Williams, « Happy ». La parfaite illustration de son humeur.

Fatoumata avait trouvé un boulot chez IKEA le week end. Elle était caissière. Rien de bien glorieux mais ça allait aider sa mère à payer ses études à l’IUT. Enfin, c’est ce qui était prévu…

Le problème, c’est que Fatoumata n’a pas résisté lorsque sa première paye est tombée. Elle s’est précipitée aux Halles. Tout son argent y est passé en jeans, petits hauts décolletés pour les soirées et bijoux fantaisie. Elle a réussi à en cacher une partie dans son sac en toile. L’essentiel est que sa mère ne voie pas tout. Fatoumata ne savait pas comment elle allait se justifier si sa mère lui demandait des comptes. Mieux valait ne pas y penser maintenant, ne pas gâcher ce moment.

Because I’m happy

Clap along if you feel like a room without a roof

Because I’m happy

Clap along if you feel like happiness is to you

Because I’m happy

Clap along if you feel like that´s what you wanna do

15Nov2014

Un livre…un lieu

Posté dans Tags et questionnaires par titine75

Martine's Legs. 1967. © Henri Cartier Bresson

Notre chère Romanza nous a proposé un joli tag autour des lieux de nos lectures : « L’endroit où on découvre un roman, où on le lit et où on l’aime reste longtemps gravé en nous. Faisons-les revivre … durant quelques secondes. »

Comme ma copine Eliza, j’ai eu quelques difficultés à y répondre, vous pouvez également m’appeler Doris ! En y réfléchissant longuement, j’ai quand même réussi à associer certaines lectures avec un lieu précis :

-« Crime et châtiment » lu dans des conditions à l’opposé de l’atmosphère du roman : au bord d’une piscine au mois d’août près de Grasse.

-« A la recherche du temps perdu » dont les sept tomes furent lus dans l’herbe du jardin de mes parents en Anjou à raison d’un volume par an en été.

-« Anna Karénine » lu dans ma petite chambre universitaire tourangelle, de quoi élargir mon horizon !

-« Les mémoires d’Hadrien » lu au printemps dans le jardin du Luxembourg, un roman lumineux pour les premiers rayons du soleil. J’en profite pour vous dire que ce livre est un chef-d’œuvre. L’arrivée du mois anglais 2014 m’a empêché d’écrire mon billet, je le regrette tant je l’ai aimé. Merci à Eliza pour ce magnifique cadeau.

-« Le vol du faucon » lu à St Ives, l’ironie de cette lecture, c’est qu’il s’agit d’un roman de Daphné du Maurier qui ne se passe pas en Cornouailles !

-« Neige » lu dans un TGV en direction de Pau, le voyage le plus long de toute ma vie puisque je n’arrivais pas à venir à bout de ce roman ! J’ai fini par sauter des chapitres et je n’ai jamais relu Oran Pamuk !

Merci à Romanza de m’avoir proposé ce tag que vous pouvez reprendre si le cœur vous en dit !

12Nov2014

La couleur du lait de Nell Leyshon

Posté dans Lectures, Littérature-Angleterre par titine75

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« ceci est mon livre et je l’écris de ma propre main. nous sommes en l’an de grâce mille huit trente et un, je suis toujours assise à ma fenêtre et j’écris toujours mon livre.

je vois mon visage dans la vitre. mes cheveux et ma peau sont clairs.

je suis penchée sur ma table avec mon encrier devant moi et un tas de feuilles à ma gauche.

et vous savez maintenant que j’ai dû apprendre chaque lettre que j’écris. ça me fait deuil de vous raconter tout ça. il y a des choses que je n’ai pas envie de dire.

mais je me suis juré que je dirais tout exactement comme ça s’est passé. j’ai promis alors je dois continuer. »

Mary, une jeune fille de quinze ans, écrit son histoire, sa confession. Cadette d’une famille de quatre enfants, elle est élevée par un père brutal et une mère indifférente. Toute la famille travaille aux champs dans la campagne du Dorset. Du lever au coucher, pas de repos pour les quatre filles qui subissent la loi de leur père. Seul le grand-père infirme compatit à la difficile vie de Mary. Lorsque le pasteur Graham propose au père de Mary d’embaucher celle-ci pour s’occuper de sa femme malade, il n’y a aucune hésitation : le père prend l’argent et se débarrasse bien vite de sa fille boiteuse. Mrs Graham est pleine de gentillesse et de bonté envers Mary. Celle-ci découvre les livres, l’écriture et son horizon s’élargit. Son sort semble évoluer au mieux jusqu’à la mort de Mrs Graham.

« La couleur du lait » est le premier roman traduit en français de Nell Leyshon. Il est court, serré et dense. L’auteur l’a écrit en se mettant totalement dans la peau de la jeune Mary. La langue employée est celle d’une personne qui vient tout juste d’apprendre à écrire, qui ne maitrise pas encore le vocabulaire et la grammaire. L’ironie de la situation de Mary est qu’elle n’écrira que ce témoignage, cette confession puisque c’est en prison qu’elle écrit. Elle semble n’avoir appris à écrire que pour ce texte, pour s’expliquer aux yeux du monde. L’écriture ne la libère que de sa conscience, pas de sa condition sociale. « La couleur du lait » est un roman d’apprentissage qui s’achève dans la douleur et la drame. La jeune paysanne pleine d’aspirations et de curiosité, n’aura qu’effleurer les possibilités offertes par l’écriture et la lecture. L’émancipation de Mary ne sera malheureusement que de courte durée.

« La couleur du lait » est le récit poignant de la vie de la jeune Mary, paysanne et servante qui n’aura connu que la violence et l’humiliation.

Merci aux éditions Phébus pour cette découverte.

10Nov2014

Une photo, quelques mots (141ème) – Atelier d’écriture de Leiloona

Posté dans Atelier d'écriture par titine75

Qu’est-ce que je vais bien pouvoir prendre en entrée ? La terrine de campagne ? C’est déjà ce que j’ai pris le mois dernier. Voyons…me laisserai-je tenter par l’assiette de saumon fumé ? Ou par le foie gras au chutney de mangue ? Je ne sais même pas ce que c’est que le chutney ! Depuis le temps que nous venons ici, je n’ai jamais osé poser la question. Tous les premiers dimanches du mois, depuis des années et je m’interroge encore sur le menu. Je ne voudrais pas me faire rabrouer par Jeanne pour mes questions idiotes ! Du chutney… non vraiment, je ne vois pas. C’est un peu trop raffiné pour moi ici. Le menu, le décor art déco… C’est Jeanne qui a choisi ce lieu la première fois. Je crois que c’était lorsque les enfants ont quitté la maison. Une manière de célébrer notre travail de parents dûment accompli ! C’est rapidement devenu un rituel, notre sortie mensuelle dans le monde. Honnêtement, je préfèrerais aller au petit troquet à côté de chez nous. Je m’y sens plus à mon aise. C’est à la bonne franquette chez Eugène ! Je ne serais pas obligé de m’habiller aussi convenablement. Jeanne pense que c’est bien de me sortir de mes habitudes. Enfin, si ça peut lui faire plaisir, je veux bien faire un petit effort une fois par mois.

– Tu as choisi Henri ?

– Oui, je vais prendre la terrine de campagne pour commencer.

Toujours sa terrine de campagne, il prend à chaque fois la même chose. On ne peut pas dire qu’il soit plein de fantaisie Henri ! Il n’avait déjà pas l’âme d’un aventurier à 20 ans, alors à 78… Il pourrait quand même changer de plat de temps à autre. Cela fait bien longtemps que j’ai fait le tour de la carte. Les produits sont de qualité mais je commence à me lasser de venir toujours ici. C’est un peu démodé l’art déco, non ? D’autant plus que Huguette m’a parlé d’un nouveau restaurant au croisement de l’avenue Pasteur et de l’avenue du Général Leclerc. C’est un trois étoiles au décor assez contemporain semble-t-il. La cuisine doit être plus recherchée, plus originale qu’ici. Mais Henri ne voudra jamais y mettre les pieds. Il trouve déjà cette brasserie chic alors un restaurant trois étoiles ne risque pas de le tenter. Henri a toujours été plus traditionnel que moi ; il a besoin de certitudes, de stabilité pour être bien. C’est pour cela que nous revenons toujours ici. Une brasserie toute simple en bord de mer. Henri adore regarder la mer, son ressac, ses reflets brillants au soleil, ses vagues fougueuses quand le vent se lève. C’est un rêveur Henri. Ça m’a toujours plu cette capacité à s’évader, à s’échapper du réel. Et puis c’est vrai que la vue est plaisante ici, été comme hiver. Je peux bien revenir ici si ça fait plaisir à Henri et c’est toujours mieux que chez Eugène ! Je proposerai à Huguette d’aller un soir dans le nouveau restaurant.

– L’assiette de saumon fumé, c’est pour ?

– C’est pour madame, merci.

– Et voici la terrine de campagne.

– Merci. Bon appétit Jeanne !

– Merci, à toi aussi Henri !

7Nov2014

Le manteau de Greta Garbo de Nelly Kapriélian

Posté dans Lectures, Littérature-France par titine75

« 800 pièces. Autant d’indices qui révèlent une facette de l’icône, pièces d’un puzzle à travers lequel elle signe sans s’en douter son autoportrait. La garde-robe qu’une femme porte serait comme le testament de ce qu’elle fut intimement, puisqu’elle témoigne de son goût, et qu’il n’y a peut-être rien de plus révélateur d’une vie intérieure. Toutes ces pièces disaient sa façon de vivre, d’appréhender son existence, le monde et elle-même. Après la mort de Garbo, sa garde-robe était devenue l’ultime corps qui attesterait de ce que fut vraiment le premier. Le duplicata de son corps réel – son ombre matérialisé. » Partie à Los Angeles pour réaliser un reportage sur la vente des vêtements et accessoires de Greta Garbo, Nelly Kapriélian en revient avec l’un des manteaux de la star. L’achat de ce manteau rouge, le manteau d’une étoile morte, l’entraîne dans une réflexion sur l’importance du vêtement, de l’apparence. Son livre est constitué de fragments, il s’agit d’un puzzle faisant s’entrecroiser l’essai et l’autofiction. Elle cite de nombreux auteurs pour étayer ses idées : Daphné du Maurier, Marcel Proust, Joris-Karl Huymans, Truman Capote, Oscar Wilde, HG Wells, Alfred Hitchcock….

Le vêtement est ce que nous montrons de nous aux autres. C’est notre vernis social, notre manière de nous présenter au monde. Il peut nous cacher ou au contraire nous montrer, souligner notre présence. La garde-robe vendue de Garbo montre ces deux aspects à la fois. Elle portait des vêtements d’homme (c’est d’ailleurs une pionnière du port du pantalon), discrets et sobres. Ses armoires étaient remplies de robes étincelantes, de manteaux aux couleurs vives comme celui acheté par Nelly Kapriélian. Ce masque social qu’est le vêtement peut nous permettre de nous réinventer, de nous transformer. L’auteur s’approprie l’aura de Garbo à travers son manteau comme Maria Callas s’était emparée de celle d’Audrey Hepburn. Et cela modifie l’image que l’on donne à voir aux autres. Cette transformation de soi peut aller jusqu’à la révolte. Oscar Wilde se faisait faire des manteaux pourpres, des vêtements allant à l’encontre de la mode victorienne et de l’ordre établi. Les punks hurlaient leur critique de la société anglaise par leur manière de se vêtir, de se coiffer.

Ces réflexions sur le vêtement s’inscrivent totalement dans la vie de Nelly Kapriélian et dans celle de sa famille. Il faut remonter jusqu’à son arrière-grand-mère pour expliquer son lien aux vêtements. Le mari de celle-ci mourut pendant le génocide arménien. Elle ne récupéra pas le corps de son mari mais uniquement sa chemise, qu’elle va enterrer au cimetière. La grand-mère et la mère de l’auteur travaillèrent ensuite dans le textile. Les histoires d’amour de Nelly Kapriélian évoquent « Vertigo » d’Hitchcock où James Stewart rhabille Kim Novak pour qu’elle ressemble à la femme de ses rêves. Et l’auteur se plie aux demandes de ses hommes, comme l’héroïne de « Rebecca », pour plaire, correspondre à l’image rêvée. Mais on ne peut se nier indéfiniment, renoncer à soi pour les autres.

« Le manteau de Garbo » est un livre passionnant, intelligent et riche. Un éloge du vêtement qui pose des questions sur notre identité, sur ce qui reste de nous, sur l’importance de l’art dans nos vies.

5Nov2014

William Eggleston, from black and white to color

Posté dans Expositions par titine75

Le photographe américain William Eggleston est à l’honneur à la Fondation Cartier-Bresson. L’exposition met en valeur son passage du noir et blanc à la couleur. Par ce changement, Eggleston rompt avec la tradition photographique et créa un véritable séisme dans ce milieu. Mais ce passage à la couleur n’est pas la seule transgression du photographe.

William Eggleston s’intéresse à ce qui l’entoure, au quotidien des gens. Il cherche des territoires nouveaux, inexplorés par la photographie. Il les trouve dans les supermarchés, d’ailleurs sa première photo en couleur est « Supermarket boy with carts » en 1965. Un simple employé de supermarché est au cœur de la photo. La couleur s’impose à lui naturellement, après tout le monde qui nous entoure n’est pas en noir et blanc. Par la suite, Eggleston continue à explorer la banalité du quotidien, le trivial dans des lieux ordinaires comme les bars, les drive-in, les stations essence ou les hôtels mais aussi par le biais des objets comme une tv, un lavabo ou un four. La couleur donne un côté abrupt, un fort réalisme à ces objets du quotidien qui illustrent pour Eggleston l’aliénation de notre monde contemporain.

Les clichés de Eggleston sont emprunts d’une forte mélancolie. Ils représentent des personnes seules, des objets que l’on vient de laisser, des lieux abandonnés à la décrépitude avancée. La présence de l’homme se sent partout, elle est fantomatique. Le temps semble s’être arrêté dans les images de William Eggleston.

Ce qui fait également l’originalité de l’œuvre du photographe, ce sont les compositions de ses photos. Il aime à changer de points de vue et en adopte d’audacieux. Nous nous retrouvons au niveau des roues d’une voiture, d’un chien ou carrément au plafond ! Les cadrages sont donc travaillés mais les clichés de Eggleston donnent une impression de spontanéité, ce sont presque des instantanés.

William Eggleston, qui aura passé sa vie à prendre en photos le Sud des États-Unis où il vit toujours, est un artiste intrigant et passionnant. J’ai découvert grâce à cette exposition une œuvre originale par ses points de vue et par sa manière de traiter le quotidien de ses contemporains. J’espère vous avoir donné envie d’aller faire un tour dans ce beau lieu qu’est la Fondation Cartier-Bresson.

3Nov2014

Une photo, quelques mots (140ème) – Atelier d’écriture de Leiloona

Posté dans Atelier d'écriture par titine75

Je ne me souviens évidemment pas de cette photo. Trop petite pour me souvenir de ce premier contact avec ma mémé. Mes petits doigts lisses dans sa grande main rugueuse. J’aimais regarder ses mains, sa peau comme un parchemin, un paysage accidenté fait de crevasses et de ravins.

Ses mains me racontaient sa vie : la dureté du travail à l’extérieur, le manque de confort, les années qui s’accumulent et qui se font pesantes. Les rides de son visage me disaient ses peines, ses joies, ses rires. Tant d’expériences qu’il fallait découvrir à mon tour.

Son regard fatigué mais si doux me disait que l’on pouvait trouver la sérénité et l’apaisement. La vieillesse sert à cela. Arrêter de chercher, de se battre et se laisser vivre, enfin.

Et son plaisir, c’était de s’occuper de ses petits-enfants. Essayer de comprendre nos lubies du moment, participer à nos jeux, nous donner au goûter des gâteaux toujours trop secs, nous raconter sa jeunesse si éloignée de la nôtre, partager sa tendresse. Elle avait du mal à nous suivre, la société changeait maintenant trop vite pour elle. Dépassée, c’est comme ça qu’elle se sentait face à notre jeunesse, notre vitalité.

Bien sûr, nous n’avons pas assez écouté ce qu’elle nous disait, pas assez profité de son expérience et de son sourire malicieux. Elle avait toujours été là pour nous, nous avions le temps.

Hier soir, ma mémé s’en est allée, doucement, juste en fermant les yeux.

1Nov2014

Bilan plan Orsec et films d’octobre

Posté dans Bilan, Challenges, Cinéma par titine75

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La réalité est parfois difficile à affronter mais il faut savoir être honnête avec soi- même. Mon bilan plan Orsec en octobre est aussi bon que le bilan carbone du périph parisien un dimanche soir de retour de vacances. Un seul des six livres lus faisait partie de ma PAL. Autant vous dire qu’il va falloir que je me remue avant la fin de l’année pour réussir à régler le problème épineux (insoluble ?) de ma PAL !

Passons aux films du mois :

Mes coups de cœur :

Voici le deuxième biopic consacré à Yves Saint Laurent en moins d’un an. Je vous épargnerai les comparaisons puisque je n’ai pas vu le premier. Celui-ci est consacré aux années 1967-1976. Les années où l’entreprise YSL arrive à son apogée. Le travail du couturier est alors salué dans le monde entier. Paradoxalement, ce sont des années noires pour Yves Saint Laurent (Gaspard Ulliel). Trop de pression l’entraîne vers toujours plus d’excès, de drogue et de sexe (avec le magnétique Jacques de Basher (Louis Garrel) qui était également l’amant de Karl Lagarfeld). Saint Laurent est avant tout un artiste, un esthète que le commerce enfonce dans la dépression. Le film de Betrand Bonello est tout en va-et-vient entre l’enfance, la vieillesse et l’instant présent. Une construction subtile et très proustienne dont YSL était un fervent admirateur. Gaspard Ulliel est saisissant de justesse. Bertrand Bonello reconstitue formidablement bien une époque, une atmosphère (la musique y joue un rôle essentiel). Son film est intelligent, extrêmement bien construit et rend un vibrant hommage à un homme sensible et complexe.

Dans les années 20, le célèbre magicien Wei Ling Soo (Colin Firth) est mis à contribution pour démasquer une médium (Emma Stone). Cette dernière s’est installée dans une riche famille américaine du Sud de la France. Le magicien, de son vrai nom Stanley Crawford, tombe peu à peu sous le charme de la jeune femme. Le dernier film de Woody Allen est un véritable délice. Colin Firth incarne un personnage proche de celui de Mr Darcy dans la célèbre série BBC. Il est cynique, arrogant, snob et fait une déplorable demande en mariage. Emma Stone joue de son joli minois et de son charme pour adoucir le pessimiste patenté. Notre cher Woody réalise un film plein d’espoir, de lumière et d’esprit.

Geronimo, c’est le surnom de l’éducatrice (Céline Sallette) qui tente de faire son métier dans un quartier difficile du sud de la France. Lorsque le film s’ouvre, Nil, une jeune femme turque s’enfuit de son mariage arrangé. Elle part retrouver Lucky, son amoureux gitan. La guerre est déclarée entre les deux familles. Tony Gatlif nous offre sa vision de Romeo et Juliette et il s’approche de « West Side Story » par des scènes de combats chorégraphiés et mis en musique. Comme tous les films du réalisateur, c’est foutraque mais tellement vivant et énergique. Céline Sallette fait merveille, elle incarne avec force Geronimo. Un souffle de liberté et de musique bienvenu en ces temps tristounes.

Et sinon :

« Bande de filles » de Céline Sciamma : Marieme est en échec scolaire et vit en banlieue parisienne. Elle s’occupe de ses deux sœurs pendant que sa mère travaille. Son frère, violent, vit de petits trafics. Marieme veut sortir de ce rôle imposé et pour ce faire elle rallie un groupe de trois filles exubérantes et castagneuses. Céline Sciamma filme toujours l’adolescence, ce moment où tout se noue. Ici elle choisit des filles contraintes par leur milieu social à n’être que de faibles femmes, des futures épouses et mères de famille. Comment grandir dans un milieu aussi violent et fermé qu’une cité de banlieue ? L’énergie débordante et le naturel des quatre jeunes actrices fait plaisir à voir. Malheureusement le film s’étire en longueur. Il aurait gagné à laisser plus ouverte la destinée de Marieme.

« National Gallery » de Frederik Wiseman : Le documentariste nous entraine pendant plus de deux heures dans les coulisses du grand musée londonien. Aucun commentaire, aucune présentation du musée et de ce qui nous est présenté. Nous assistons à des visites guidées, des réunions de conservateurs, des restaurations de tableaux. Nous sommes au cœur de la vie du musée, de ses enjeux, de ses impératifs et de ses devoirs pédagogiques. C’est passionnant mais cela aurait gagné à être un peu plus court, certaines scènes sont un peu répétitives.

« Near death experience » de Benoit Delépine et Gustave Kervern : Paul (Michel Houllebecq), père de famille et alcoolo notoire, se lève un matin avec la ferme intention de se suicider. Il enfourche son vélo, abandonne femme et enfants direction la Montagne Ste Victoire où les précipices ne manquent pas. Le dernier film de Kervern et Delépine est un sommet d’humour noir et de décalage. Michel Houllebecq est quasiment seul durant tout le film. Il soliloque, marmonne quelques pensées essentielles. L’écrivain offre à Paul son corps usé, fatigué, incarnant visuellement la dépression. Par moments réjouissant, à d’autres un peu long, « Near death experience » n’est pas le meilleur film du duo grolandais mais la prestation de Michel Houllebecq vaut le détour.