Archives d’Auteur: titine75

Nowhere girl de Magali Le Huche

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Pour Magali, c’est un grand jour : elle fait sa rentrée en 6ème. Un peu intimidée par ce nouvel environnement, elle est ravie d’y retrouver sa meilleure amie. Elle a également la chance d’avoir en français, la professeure préférée de sa grande sœur qui est maintenant au lycée. Tout commençait bien pour Magali mais progressivement, sa scolarité va se transformer en véritable calvaire. On lui diagnostique alors une phobie scolaire. Pour se sortir de ce cauchemar, Magali va se réfugier dans la musique des Beatles.

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« Nowhere girl » est le premier album pour adultes dessiné et scénarisé par Magali Le Huche. Le récit est autobiographique, l’auteure décrit ce moment extrêmement douloureux où elle paniquait à l’idée de prendre le chemin de l’école. Elle pensait être une élève comme une autre, une élève appliquée qui cherchait à être appréciée par ses enseignants. La pression du collège (et notamment de l’horrible prof de français) aura raison de sa bonne volonté. S’ajoute à ce problème, une difficulté à grandir, à accepter les changements de son corps. Et la solution de Magali est de s’accrocher désespérément aux Beatles ! Sa passion, incompréhensible pour ses camarades puisque nous sommes dans les années 90, devient une obsession. Mais « Nowhere girl » n’est pas un récit triste ou déprimant puisqu’il s’agit également celui de la naissance d’une vocation. L’interruption de sa scolarité aura permis à Magali Le Huche de s’inscrire dans un collège avec spécialité Arts Appliqués où elle pourra enfin s’exprimer.

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Au-delà de l’histoire, j’ai également beaucoup apprécié l’inventivité graphique de Magali Le Huche. La vie réelle de l’héroïne se décline en peu de couleurs : noir, blanc, rose et le blond de ses cheveux. Lorsqu’elle plonge dans l’univers des Beatles, c’est une explosion de couleurs, un foisonnement de trouvailles merveilleuses.

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« Nowhere girl » est un récit touchant mais il est également emprunt de beaucoup d’humour, de recul sur soi et son graphisme original et coloré m’a enchantée.

Une chambre au soleil de John Braine

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« Nul rêve n’était possible à Dufton où la neige semblait noircir avant même de toucher le sol. Là-bas, Noël paraissait toujours un peu honteux de lui-même, comme s’il avait trop conscience de n’être qu’un gaspillage d’argent. Tout simplement, Dufton et la gaieté n’allaient pas ensemble. » C’est cette ville que Joe Lampton veut fuir à tout prix. Il part s’installer à Warley, une ville plus prospère, où il compte réussir. Comptable, il est embauché à l’Hôtel de ville. Par le biais de ses logeurs, il intègre la troupe de théâtre des Thespians et y fait de nombreuses rencontres notamment féminines. Son intérêt se porte rapidement sur Susan qui appartient à un milieu social élevé. Un bon argument pour notre jeune héros ambitieux et envieux des richesses des autres.

Les éditions du Typhon continuent à nous faire découvrir le mouvement littéraire des angry young men qui écrivirent dans les années 50-60 en Angleterre. Le livre de John Braine fut d’ailleurs adapté au cinéma en 1959 par Jack Clayton et il valut le prix d’interprétation à Cannes et l’oscar de la meilleure actrice à Simone Signoret. L’auteur disait s’être inspiré de « Bel ami » pour écrire « Une chambre au soleil ». Et effectivement, le roman est le récit d’une ascension sociale. Joe rejette son milieu (son père était ouvrier), sa ville d’origine. Il ne rêve que de luxe, de confort, d’un statut imposant. Il compte sur son charme et ses compétences professionnelles pour y parvenir. Mais Joe va rapidement réaliser que la guerre n’a rien changé à la hiérarchie des classes sociales, l’ancien monde est toujours là et Joe subira la condescendance et le paternalisme de ceux qui ont le pouvoir et l’argent.

Ce qui rend « Une chambre au soleil » passionnant, c’est la psychologie de Joe Lampton. Certes, il est prêt à tout pour réussir mais la culpabilité l’habite sans cesse. Son conflit intérieur est au cœur du roman et c’est ce qui humanise Joe. Il veut pénétrer le monde des puissants mais il craint de devenir aussi cynique qu’eux. La lucidité de Joe lui permet de ne jamais être dupe. Mais cette mutation sociale aura un goût extrêmement amer, le prix à payer pour changer de vie sera plus lourd que ce que notre héros imaginait.

« Une chambre au soleil » est un roman très cruel, rageur et politique dans son constat sans concession de la société anglaise d’après-guerre. Merci aux éditions du Typhon de nous permettre de découvrir cette pépite de la littérature anglaise.

Traduction Sarah Londin

Une chambre au soleil par John Braine
Une chambre au soleil
John Braine
tous les livres sur Babelio.com

Triste boomer d’Isabelle Flaten

Posté dans Lectures, Littérature-France par

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John est nouvellement retraité et le vit mal. Ancien star-uper, ancien workaholic, il déprime et s’ennuie dans son grand appartement parisien. Il passe beaucoup de temps sur son ordinateur, John, et c’est ainsi qu’il se met à chercher des nouvelles de ses ex. L’une d’elles titille tout particulièrement sa curiosité : Salomé. John découvre qu’elle a fait son chemin dans la vie. Salomé est devenue duchesse et vit dans un château. Magie d’internet, il est si simple de reprendre contact, mais le message de John obtiendra-t-il une réponse ?

Isabelle Flaten nous entraine dans un conte de fée romantique mais surtout ironique. Elle se moque gentiment de nos deux tourtereaux sur le retour : John qui est incapable de rester tranquille et imagine un nouveau projet par seconde, Salomé, transfuge de classe qui n’est plus si à l’aise dans son vaste domaine. A travers leurs retrouvailles, Isabelle Flaten traite de thèmes d’actualité : le rapport au travail, la réussite sociale, la vie en communauté sur un mode écolo, le grand âge. Sous la légèreté de l’intrigue, l’autrice souligne les excès, les stupidités de notre époque.

Ce qui fait le charme de « Triste boomer » est l’originalité de la narration. Ce ne sont pas John et Salomé qui nous content leur histoire mais l’ordinateur du premier et le portrait d’un ancêtre du mari de la seconde. Se rajoutent à ces deux objets, deux voisines de John qui cancanent et l’espionnent sans vergogne. Ces trouvailles narratives fonctionnent à merveille et donnent un ensemble des plus amusants.

Me voilà à nouveau séduite par un texte d’Isabelle Flaten, « Triste boomer » est un roman vif, enlevé, drôle et un brin mélancolique.

L’autre moitié du monde de Laurine Roux

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Espagne, années 30, la jeune Toya vit dans le delta de l’Ebre où ses parents s’épuisent à travailler pour la Marquise et sa famille. Le père travaille dans les rizières avec de nombreux paysans, corvéables et punissables à merci. La mère est cuisinière, son sort pourrait paraitre plus enviable si le fils de la Marquise ne la considérait pas comme sa chose. Mais la colère gronde et elle gagne de plus en plus de régions espagnoles. Toya entend des conversations, suit les paysans qui se réunissent la nuit autour d’Horacio, l’instituteur. La lutte anarchiste est en marche pour libérer les paysans du joug de leurs maîtres. Le combat sera sanglant, la vie de Toya en sera à jamais bouleversée.

Le troisième roman de Laurine Roux m’a totalement transportée grâce à son ampleur, son souffle romanesque. Encore une fois, son remarquable talent de conteuse se met au service de personnages attachants et incarnés. C’est tout particulièrement le cas avec les femmes du roman. Toya traverse un moment charnière de sa vie et de l’Histoire de son pays, elle sera à jamais habitée par les fantômes de ceux partis trop tôt. Et il y a également sa mère, Pilar, extraordinaire cuisinière dont l’infinie tendresse sera mise à mal par la brutalité des hommes. La révolution sociale comme la montée en puissance de Franco viennent fracasser la destinée des personnages du roman pour lesquels on tremble durant la lecture.

La nature reste au cœur du travail de Laurine Roux. La terre est bien évidemment essentielle pour les paysans qui la cultivent. Elle ne leur appartient pas et elle sera à l’origine de leur combat. Le delta est toujours présent, il accompagne, il entoure les protagonistes. Les descriptions précises et délicates de l’autrice donnent de l’épaisseur aux paysages qui ne sont pas un simple décor. « Luz se met en route au plus fort de la chaleur. Le ventre des nuages pendouille à crever. Elle passe devant des baraques aux volets cloués, des pergolas tordues par la végétation ; la poussière danse derrière la roue de son vélo. Petit à petit, les contours de la colline se précisent, on dirait que les plantes l’appellent – rejetons de broussailles, gourmands d’agrumes. » Entre la nature et la cuisine de Pilar, Laurine Roux nous entraine dans un univers de sensations, d’odeurs, de lumière.

Avec une plume fluide et vibrante, Laurine Roux nous conte la destinée de Toya, de sa jeunesse à sa vieillesse aux bords des rizières du delta de l’Ebre. L’intime et le politique s’entrecroisent pour nous offrir un roman fort et terriblement émouvant.

Le pain perdu d’Edith Bruck

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« Il y a très très longtemps, il était une fois une petite fille qui, au soleil du printemps, avec ses petites tresses blondes virevoltantes, courait les pieds nus dans la poussière tiède. » Cette enfant pleine de vie, c’est Edith Bruck qui livre, à 90 ans, un témoignage saisissant avant que sa mémoire ne lui fasse défaut. Le livre débute comme un conte, une fable car ce passé heureux semble irréel et trop lointain. Edith Bruck a grandi dans le village hongrois de Tiszabercel. En avril 1944, alors qu’elle a 13 ans, les gendarmes raflent tous les juifs du village. Edith fut déportée à Auschwitz avec l’une de ses sœurs puis dans d’autres camps avant d’être libérée en avril 1945.

Ce qui est particulièrement intéressant dans « Le pain perdu », c’est le récit de la vie d’Edith et de sa sœur après les camps. L’autrice nous décrit les difficultés qu’elle a éprouvé à trouver sa place dans le monde des vivants. Le retour dans son village natal est calamiteux, son séjour en Tchécoslovaquie est un échec. Personne ne veut voir les rescapés. Edith décide alors de rejoindre sa sœur partie s’installer en Israël. Mais là non plus, elle ne se sent pas à sa place. La terre promise, tant rêvée par sa mère, se révélera bien âpre. La désillusion est de taille et Edith Bruck décide de quitter le pays en intégrant une troupe de cabaret. C’est grâce à cela qu’elle trouve enfin le pays qui l’accueillera et où elle réside toujours : l’Italie.

Le témoignage d’Edith Bruck est aussi tragique qu’emprunt d’une vitalité extraordinaire. Écrit de manière directe, sans pathos, ce texte montre la trajectoire d’une femme qui refuse de se laisser dicter sa vie, refuse toute forme d’autorité et fait fi des difficultés, des obstacle qui se dressent devant elle après sa libération. « Le pain perdu » se clôt sur une lettre à Dieu absolument bouleversante : « (…) pitié oui, envers  n’importe qui, haine jamais, c’est pour ça que je suis saine et sauve, orpheline, libre et c’est ce dont je Te remercie, dans la Bible Hashem, dans la prière Adonai, et dans la vie de tous les jours, Dieu. »

Traduction René de Ceccatty

Felis Silvestris d’Anouk Lejczyk

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Felis a tout quitté pour s’installer dans une forêt qui est menacée de destruction par la Firme. Elle a laissé derrière elle une famille, inquiète, et son nom de naissance. Elle ne donne aucune nouvelle à ses proches et vit en communauté au cœur de la forêt. Sa sœur tente de comprendre Félis, jeune femme fragile et perpétuellement en révolte. « Être la même chaque jour : tu ne pouvais pas. Être celle qu’on attendait que tu sois : tu ne voulais pas. Te satisfaire de cette vie-là : impossible ! Plus rien ne te guidait hormis tes voix, trop nombreuses pour être d’accord, trop imprévisibles pour être domptées. Alors tu suivais celle qui parlait le plus fort, à tort ou à raison. Ton corps devenait une maison ambulante, des pilotis à la place des pieds. »

« Felis Silvestris » est le premier roman d’Anouk Lejczyk et il prend la forme d’un long monologue, celui de la sœur de Felis. Elle s’adresse à l’absente, tente de faire le lien entre celle-ci et leurs parents séparés. Felis, élément perturbateur de la tranquillité  familiale, a laissé un vide immense et douloureux en partant. Le monologue de la sœur tente de combler ce trou noir qu’est l’absence. Et pour ce faire, elle imagine la vie que mène Felis dans la forêt, les gens qu’elle côtoie. Elle parle également de sa vie dans un petit appartement, ses choix, ses questionnements sur son avenir, son enfance. Elle-même semble sur le départ. Les parents pallient l’absence de façon différente : la mère s’inquiète des conditions de vie de Felis, se documente sur les forêts, le père fait des recherches sur la maladie de Lyme qu’il est sûr que Felis va attraper. Les trois personnages sont figés dans leur solitude, leur tentative de compréhension en attendant un signe, un retour de Felis. Le texte d’Anouk Lejczyk est mélancolique, sensible. Il est ponctué par une question : « Et ta sœur, elle en est où, elle fait quoi ? » à laquelle la narratrice apporte une réponse différente à chaque fois, essayant ainsi d’expliciter le parcours de Felis.

« Felis Silvestris » est un beau premier roman qui nous plonge au cœur d’une famille déchirée et de la blessure béante créée par l’absence de Felis.

Toucher la terre ferme de Julia Kerninon

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« J’étais à bout de forces et je ne le savais pas. A 32 ans, j’avais un enfant d’un an et demi. J’essayais d’être une mère, je ne savais pas par où commencer, la maternité était un cercle de feu dans lequel je ne parvenais pas à me tenir. J’avais fait semblant. J’avais prétendu que tout allait bien, mais je sentais la tempête se lever. Il m’avait fallu tout ce temps pour me mettre à pleurer, et maintenant je n’arrivais plus à m’arrêter. » Dans « Toucher la terre ferme », Julia Kerninon questionne la maternité et la tempête qu’elle provoque. L’autrice se livre entièrement, sans peur du jugement (sur le parking de la maternité, l’envie de tout quitter l’étreint.) Elle y raconte son cheminement, ses histoires d’amour incandescentes. L’une d’elles fut essentielle dans sa construction : à 16 ans et demi, à Paris, elle tomba sous le charme d’un homme de dix ans son aîné. Leur relation a été tourmentée et passionnée.

Le mouvement me semble définir le récit de Julia Kerninon. « J’ai passé ma vingtaine à partir tout le temps. Une autre intéressante maxime de mon père : Ta liberté s’arrête là où commence celle des autres. J’avais bien compris. La première chose que j’ai faite quand j’ai pu, ça a été de fuir les autres. Je voulais me comporter dignement, mais je voulais aussi désespérément être libre, alors j’ai fui. J’ai fui et fui et fui, je n’étais jamais là, je voulais seulement être seule, travailler, poursuivre mon bonheur dans les livres (…). » C’est ce trait de caractère qui vient s’opposer à l’idée de maternité. Comment rester soi tout en étant mère ? « Toucher la terre ferme » entre en résonance avec le livre précédent de Julia Kerninon « Liv Maria ». J’aurais probablement plus apprécié ce roman si j’avais pu lire ce texte auparavant. J’ai mieux compris la nécessité de fuir de Liv Maria en lisant le parcours de son autrice.  Ce récit est celui d’une femme qui doit apprendre à concilier les différentes facettes de sa personnalité, apprendre aussi à aimer et à se laisser aimer.

« Toucher la terre ferme » est un texte d’une rare honnêteté sur le parcours d’une femme, d’une écrivaine libre et qui est porté par la splendide écriture de Julia Kerninon.

Merci aux éditions de L’iconoclaste pour cette lecture.

Daddy d’Emma Cline

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Après le formidable « The girls » et le glaçant « Harvey », j’ai eu le plaisir de retrouver la talentueuse Emma Cline. « Daddy » est un recueil de dix nouvelles qui nous plonge dans la vie de personnages très variés : un père qui accueille ses enfants pour les fêtes de Noël, une jeune femme venue à Los Angeles pour devenir actrice, un ancien réalisateur à succès, une adolescente faisant la une de la presse à scandale après avoir été la nounou chez une célébrité, etc… Emma Cline transforme ses nouvelles en instantanés de vie, des moments suspendus dans la vie de ses personnages. Les chutes sont ouvertes, il semble que les personnages continuent à vivre sans nous après la conclusion de leur histoire.

Chacune des vies côtoyées nous montre une Amérique bien loin du rêve sur papier glacé. Les nouvelles d’Emma Cline parlent de dépendance, de solitude, de vulnérabilité et de perversité. Le ton est extrêmement désabusé, ses personnages sont souvent perdus, en plein trouble ou en pleine impasse. Dans des moments qui devraient s’avérer joyeux comme Noël, la projection d’un premier film ou les retrouvailles de trois amis, le malaise finit toujours par s’installer. Comme dans « Harvey » (la dernière nouvelle « A/S/L » comporte un personnage proche de celui de ce texte), Emma Cline nous propose à plusieurs reprises le portrait d’hommes d’âge mûr dépassés par leur époque, leur progéniture et dont la réussite professionnelle est bien loin derrière eux. Mais les jeunes gens, que l’on croise dans les nouvelles, ne semblent pas savoir tellement plus où ils en sont.

Au travers de ses nouvelles, Emma Cline dresse un portrait désespéré de l’Amérique d’aujourd’hui. L’ambiance, qui s’en dégage, est glaçante, imprégnée de tristesse. « Daddy » prouve à nouveau le talent de cette jeune autrice, sa capacité à saisir l’air du temps.

Traduction Jean Esch

Merci aux éditions de la Table Ronde pour cette lecture.

Bilan livresque et cinéma de janvier

Posté dans Bilan, Cinéma par

L’année commence bien avec douze romans et quatre BD. Je ne pense pas vous parler de toutes mes lectures qui furent comme toujours très variées et éclectiques : une enfance maltraitée, une passion brûlante, une visite du musée des Confluences, les Beatles qui sauvent une adolescente, des disparitions de jeunes filles,  la redécouverte d’une pionnière du cinéma, des boomers à côté de la plaque, une jeune femme déprimée qui va faire une étrange rencontre, la vie difficile d’une femme inuit, celle de George Sand, celle terrible et blessée d’Edith Bruck. De belles et parfois d’étonnantes lectures qui m’ont accompagnées en ce début d’année.

J’ai décidément bien occupé mon mois de janvier puisque j’ai pu voir onze films dont voici mes préférés :

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Gary est lycéen, le jour de la photo de classe il tombe éperdument amoureux d’Alana, l’assistante du photographe. Elle a 25 ans, est indécise quant à son avenir. Gary est au contraire très entreprenant. Il a joué des petits rôles à la télévision et se dit déjà acteur. Mais lorsque les portes des castings se ferment, il ne baisse pas les bras et se lance dans la vente de lit à eau. Alana, qui a repoussé ses avances, regarde le jeune homme avec amusement et de plus en plus de tendresse.

Paul Thomas Andersen est décidément un cinéaste surprenant, capable de changer d’univers à chaque film. Nous sommes ici loin de la noirceur de « There will be blood » ou de l’étouffant « Phantom thread ». Le réalisateur nous emmène dans la banlieue de Los Angeles dans les années 70, l’ambiance légère et ensoleillée est magnifiquement rendue (la formidable bande originale contribue également à retranscrire l’époque). Le film est un enchaînement de scènes, de portraits. Le scénario peut paraître décousu ou chaotique mais tout s’enchaîne avec fluidité, avec une formidable aisance dans la mise en scène. « Licorice pizza » est une comédie romantique singulière, originale qui est sans cesse en mouvement à l’instar de ses deux personnages principaux. Certaines scènes sont extrêmement drôles comme celle avec Bradley Cooper et celles avec le mari de femmes japonaises. A la tête du film, il faut saluer les deux acteurs principaux : Cooper Hoffman (le fils du regretté Philip Seymour Hoffman) et Alana Haim (musicienne, comme ses sœurs qui sont également dans le film) qui sont incroyablement attachants et touchants. « Licorice pizza » est un film d’une grande fraîcheur, particulièrement enthousiasmant et qui génère une forme de magie, de féérie au travers de cette histoire d’amour improbable.

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Judith mène une double vie. Elle est mariée avec Melvil, un chef d’orchestre réputé, avec qui elle a deux enfants. Étant traductrice, elle prétexte des voyages professionnels pour rejoindre Abdel qui vit à Genève avec sa petite fille. La difficulté de mener ces deux vies en parallèle augmente de plus en plus et Madeleine se perd dans les méandres de ses mensonges.

Le film d’Antoine Barraud est un formidable thriller dont le mystère s’épaissit au fur et à mesure. Les pièces du puzzle ne se mettent en place que tardivement et le spectateur s’interroge longtemps sur les motivations de Judith. Le suspens est donc parfaitement tenu, d’ailleurs le titre même du film reste un mystère jusqu’à la fin. Le personnage principal est passionnant et intrigant. Elle est toujours en mouvement, essayant de maîtriser ses deux vies avec le sourire. Mais le sol va finir par se dérober sous ses pieds. Virginie Efira est parfaite dans ce rôle et elle le rend attachant. « Madeleine Collins » est un film noir maîtrisé, élégant qui brouille les pistes et sait perdre son spectateur.

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Irène est une jeune fille débordante d’énergie. Elle étudie au Conservatoire, le théâtre la fait vibrer et l’habite totalement. Elle vit avec son père, sa grand-mère et son frère aîné. Tous vivent au rythme d’Irène qui les entraîne dans ses répétitions mais aussi dans ses histoires d’amour. Mais nous sommes en 1942 et la famille de la jeune fille est juive.

Sandrine Kiberlain réussit son passage derrière la caméra. Elle choisit de placer son histoire dans une période trouble mais la reconstitution historique n’est pas pesante. Irène pourrait être une jeune fille d’aujourd’hui, elle a les mêmes préoccupations. Le contexte historique s’insinue subtilement, par petites doses avec l’apparition du mot juif sur les cartes d’identité, l’interdiction pour Irène de rester au Conservatoire, l’étoile jaune brodée sur les vêtements. Mais Irène ne s’arrête pas à cela, elle avance, déterminée et légère. C’est un personnage extrêmement lumineux, plein de fantaisie et de fraîcheur. Sa vie s’ouvre devant elle, tant de choses sont à découvrir. Irène doit beaucoup à l’interprétation de Rebecca Marder, talentueuse sociétaire de la Comédie française. Le film de Sandrine Kiberlain m’a fait penser au livre d’Anne Berest « La carte postale » où elle évoque également le destin brisée de jeunes filles pourtant plein de promesses.

Et sinon :

  • « Un héros » d’Asghar Farhadi : Rahim est en prison pour une dette qu’il n’a pas réussie à rembourser après la faillite de son entreprise. Lors d’une permission de deux jours, il espère amadouer son créancier. Sa compagne a en effet découvert un sac qui contient  des pièces d’or. Pris de remords, Rahim va tout faire pour retrouver le propriétaire du sac. Mais son honnêteté va mettre en péril sa possible libération. Dans « Un héros », Asghar Farhadi nous montre à quel point la République islamique d’Iran ne tourne pas rond. Rahim va devenir un héros uniquement parce qu’il a été honnête. Tout le monde va vouloir utiliser son acte à commencer par les directeurs de la prison qui veulent redorer leur image. Mais la réalité est beaucoup plus complexe que ce que tous veulent montrer. Rahim doit par exemple dire qu’il a lui-même trouver le sac puisqu’il n’est pas marié avec sa compagne. De mensonges en quiproquos, Rahim va se trouver pris dans un engrenage infernal qui l’empêche de sortir de l’impasse. L’autoritarisme des institutions, leur cynisme incitent à la dissimulation et les réseaux sociaux s’en mêlent pour mettre à jour les menteurs. Le scénario est implacable, comme les institutions iraniennes, et notre pauvre Rahim, interprété parfaitement par Amir Jadidi, sera la victime d’un système aberrant. Comme dans « Une séparation », les témoins de la folie des adultes sont les enfants, incrédules devant tant de drames.
  • « Twist à Bamako » de Robert Guédiguian : 1962, le Mali , avec à sa tête Modibo Keïta, tente de s’émanciper de la tutelle française et d’entrer dans la modernité. Pour ce faire, de jeunes gens parcourent les campagnes pour promouvoir l’idéal socialiste. Les mœurs vont être difficiles à changer mais Samba a foi dans les idées progressistes. Lors d’un voyage en pays bambara, une jeune femme se glisse dans le camion de Samba. Lara a été mariée de force et elle veut échapper à son mari en allant vivre à Bamako. Contrairement à ses compagnons, Samba accepte d’aider la jeune femme. Avec « Twist à Bamako », Robert Guédiguian s’éloigne de l’Estaque et cela grâce à la découverte des photos de Malick Sidibé. Si le cadre est différent, l’idéal politique est bien toujours le même. Cette révolution malienne, portée avec force par la jeunesse, est lumineuse, solaire. Samba et Lara en sont les parfaits exemples. Ils rêvent d’un pays meilleur, d’un avenir plus libre et juste. Stéphane Bak et Alice Da Luz en sont les interprètes et c’est un régal de les voir évoluer sur grand écran. Malheureusement, la fête et la danse ne vont pas durer et c’est ce que montre également le cinéaste. Le bel idéal est rapidement dévoyé par ceux qui ont le pouvoir et ceux qui ne veulent pas que le monde change. Le sort des femmes est encore une fois négligé. Que nous soyons à Marseille ou à Bamako, Robert Guédiguian est toujours lucide sur le monde et il continue à en dénoncer les injustices
  • « La croisade » de Louis Garrel : Marianne et Abel découvrent avec stupeur que leur fils Joseph a vendu bon nombre de leurs objets : montres de collection, grands crus, robes vintage de grands couturiers. Joseph révèle à ses parents que de nombreux enfants ont fait la même chose et qu’avec l’argent récolté, ils vont sauver la planète. « La croisade » est une charmante et amusante comédie. Jean-Claude Carrière a co-signé le scénario et sa malice est partout présente. La scène d’ouverture est particulièrement savoureuse, Louis Garrel se moque avec beaucoup d’autodérision de ce couple de bobos parisiens. Les enfants mènent la danse dans cette histoire et poussent les adultes à se remettre en question et à évoluer. Marianne accompagnera très loin le projet de son fils alors qu’Abel a plus de mal à suivre.  » La croisade » est une comédie enlevée, pleine de fraicheur et de rythme.
  • « The card counter » de Paul Schrader : William Tell est un joueur de poker professionnel. Il est doué mais ne gagne que des sommes raisonnables pour rester en dehors des radars. Ne pas se faire remarquer, ne pas laisser de trace pourraient être son credo. Il faut dire que William a appris à compter et à mémoriser les cartes en prison. Il faisait partie des militaires d’Abou Ghraib qui ont torturé et humilié les prisonniers. Le quotidien monotone et millimétré de William va être perturbé par l’arrivée d’un jeune homme dont le père était également militaire et qui s’est suicidé. « The card counter » est un film surprenant. Lent, calme, il s’agit pourtant d’une histoire de vengeance, de violence. L’ambiance des casinos, le personnage central sont envoûtants, hypnotisants. William Tell est rongé par la culpabilité, l’obsession de la maîtrise. Il semble s’être construit une routine pour s’éviter de penser. L’arrivée du jeune homme va pourtant le réveiller et l’envie de se racheter va alors guider ses pas. Oscar Isaac est extraordinaire de stoïcisme, de douleur rangée et de lassitude. Le personnage est un reflet de l’Amérique et de ses traumatismes.
  • « Tromperie » d’Arnaud Desplechin : A la fin des années 80, Philip, un écrivain américain à succès, s’installe à Londres. Dans l’appartement, où il a installé son bureau, il reçoit sa maitresse londonienne. La jeune femme est mélancolique, son mariage bat de l’aile. Après leurs ébats, les deux amants parlent longuement. Philip évoque notamment avec elle, les autres femmes qui ont croisé sa route. Arnaud Desplechin adapte, pour son dernier film, Philip Roth. Rien d’étonnant à cela, tant les films du réalisateur sont emprunts de littérature depuis ses débuts. L’art de la discussion, de longs dialogues et des analyses de personnages complexes font également partie de son ADN. Le film est ici découpé en onze chapitres et les obsessions de Philip Roth sont reconnaissables : la judéité, le désir, la mort et les femmes. Le casting est impeccable et parfaitement bien choisi : Denis Podalydès, Léa Seydoux, Emmanuelle Devos, Rebecca Marder et Anouk Grinberg. Même si certaines scènes sont forts touchantes (notamment celles avec Emmanuelle Devos), l’histoire de Philip et de sa jeune maîtresse m’a laissée de marbre. L’émotion n’affleure que rarement dans leurs échanges qui m’ont mise à distance.
  • « Ouistreham » d’Emmanuel Carrère : Marianne Winckler est écrivaine et elle souhaite écrire sur les travailleurs précaires, montrer ceux qui sont invisibles dans notre société. Pour être au plus près d’eux, elle se fait embaucher comme agent d’entretien dans des campings, des entreprises et surtout sur les ferrys qui rejoignent l’Angleterre. Le travail y est extrêmement dur et exigent. Marianne se lie avec Christelle, une mère célibataire. Emmanuel Carrère adapte ici le travail de Florence Aubenas en romançant son propos. Le film montre parfaitement les cadences infernales, les douleurs physiques, les humiliations, la pauvreté qui guette et que l’on tente désespérément de repousser et les sacrifices personnels. Comme chez Ken Loach, la dureté du travail n’empêche pas l’entraide, la solidarité. Les actrices sont non-professionnelles et elles donnent ainsi un côté documentaire au film. Juliette Binoche se fond parfaitement dans l’ensemble avec sobriété et justesse. J’ai été un peu gênée par la fin du film, la découverte de la trahison, peut-être un excès de romanesque dans un film qui n’en avait pas besoin.
  • « The chef » de Philip Barantini : Andy Jones est un chef dans un restaurant gastronomique. Mais depuis quelques temps rien ne va plus : Andy oublie de passer les commandes auprès des fournisseurs, arrive en retard, ne complète pas les documents administratifs de suivi de la cuisine et sa vie personnelle part aussi en vrille. Ce soir-là, il ne doit pas faire faux bond à sa brigade. En ce vendredi précédent Noël, les réservations explosent. Le film de Philip Barantini montre un restaurant en plein coup de feu et la pression exercée sur l’ensemble du personnel. Les plan-séquences nous font passer de la salle à la cuisine, à la cour arrière du restaurant. Les personnels sont eux aussi en perpétuel mouvement, la frénésie de cette soirée est parfaitement bien rendue. Le principal atout du film est pour moi Stephen Graham dont j’admire le talent depuis « This is England ». Le reste du casting est également très bien. Le film aurait sans doute gagné à se concentrer uniquement sur le personnage d’Andy, le réalisateur s’éparpille un peu en voulant nous montrer les vies, les problèmes de nombreux personnages. L’ensemble reste néanmoins  très plaisant à regarder.
  • « Tous en scène 2 » de Garth Jennings : Le spectacle de Buster Moon et sa troupe fonctionne très bien mais notre koala voit plus grand. Il voudrait emmener ses chanteurs dans le théâtre de la Crystal Tower dirigé par le célèbre et terrible Jimmy Crystal. Lorsque Buster présente l’idée de son futur spectacle au fameux directeur, il lui annonce la présence de Clay Calloway, une légende du rock. Le problème, c’est que Buster ne connaît pas Clay et que ce dernier vit en ermite depuis le décès de sa femme. On retrouve avec plaisir Buster Moon et sa troupe d’amateurs devenus pro suite à un concours de chant. Rosita, Gunter, Johnny, Ash, Meena et la déjantée Miss Crawley sont de retour et ils sont toujours aussi attachants. Et ces personnages sont la grande réussite du film tant ils sont bien dessinés, bien déterminés psychologiquement. Le dessin animé reste vitaminé, drôle et clinquant. La musique, les personnages nous entraînent, il suffit de se laisser porter et de profiter du show.

Le grand vertige de Pierre Ducrozet

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En 2016, une majorité de chefs d’État décide de mettre en place la Commission internationale sur le changement climatique et pour un nouveau contrat naturel. A sa tête est nommé Adam Thobias, un pionnier de l’écologie. Il recrute de nombreux scientifiques, photographes, voyageurs pour parcourir le monde et en faire un état des lieux. Tous communiquent à travers le réseau Télémaque. Certains ont des missions autour de centrales nucléaires, d’usines ce qui finit par inquiéter certains services secrets. Les intentions d’Adam Thobias deviennent de plus en plus opaques, même pour les personnes qu’il a envoyées à travers le monde.

« Le grand vertige » de Pierre Ducrozet est un roman ambitieux et très dense sur l’urgence climatique. Contrairement à des romans comme « Dans la forêt » ou « Les sables de l’Amargosa » où la catastrophe a déjà eu lieu, Pierre Ducrozet a la bonne idée de ne pas choisir le genre de la dystopie et situe son action dans un futur très proche. Son livre se situe entre le roman d’aventures et le thriller. Il nous offre une incroyable variété de paysages, de situations et de personnages. Certains d’entre eux sont au premier plan comme Adam Thobias, Nathan Régnier un microbiologiste, Mia Casal une « anthropologue post-punk éco-féministe néo-sorcière », Arthur Bailly photographe et June, une amie d’enfance de la fille d’Adam. Tous sont amenés à se croiser à un moment de la narration et ils portent les questionnements sur l’État du monde. Pierre Ducrozet souligne bien dans son roman les enjeux climatiques qui sont principalement soumis à une réalité économique et à la lenteur des décisions politiques. « Le grand vertige » semble alors assez désespérant, il fait le constat d’une forme d’impuissance face à l’ampleur de la tâche. Même la meilleure volonté du monde (celle d’Adam) ne semble pas en mesure de sauver la planète où seulement d’amorcer le mouvement. Avons-nous encore assez d’imagination pour trouver des solutions ? Le roman s’achève néanmoins sur une mince lueur d’espoir.

« Le grand vertige » est un roman passionnant, à l’écriture fluide et vivante. Le propos oscille entre émerveillement face à la beauté du monde et désespoir face à ce que l’homme en a fait. Une fiction malheureusement si juste et réaliste.