Le mois d’octobre est terminé et huit romans m’ont accompagnée pendant que les feuilles jaunissaient doucement. J’ai déjà eu l’occasion de vous parler de certains d’entre eux : le splendide « Le ghetto intérieur » de Santiago H. Amigorena (quelqu’un peut-il m’expliquer pourquoi ce livre n’est plus en lice pour le prix Goncourt ???), « Mon territoire » de Tess Sharpe un polar féministe très réussi, « Automne » de Ali Smith un roman original et parfois déroutant et « 19 femmes, les syriennes racontent » de Samar Yazbek sur la révolution syrienne vue par les femmes. Je vais vous parler très bientôt du deuxième roman de Kevin Powers, « L’écho du temps », une fresque historique ambitieuse, « L’arbre aux fées » de B. Michael Radburn, un polar classique se déroulant en Tasmanie, »Où vont les fils » de Olivier Frébourg qui interroge notre époque et son enfance et « Girl » le dernier roman de la grande romancière irlandaise Edna O’Brien.

Côté cinéma, trois films ont marqué mon mois d’octobre :

Maria, professeure de droit, est volage. Elle collectionne les aventures avec ses étudiants. Richard, son mari, tombe un soir sur des échanges de sms entre sa femme et l’un de ses amants. Il est dévasté. Maria ne comprend pas, après 20 ans de mariage avoir des amants lui semble évident. Richard, lui, est resté fidèle. Le couple se dispute et Maria part s’installer dans une chambre d’hôtel en face de son appartement. Elle peut ainsi observer son mari qui se morfond en chaussette et vieux gilet. Mais, dans la chambre de l’hôtel, surgit le passé de Maria : Richard a l’âge de 25 ans.

Le dernier film de Christophe Honoré est absolument irrésistible. Il s’agit d’une comédie du remariage d’une légèreté infinie. Nous sommes dans le vaudeville où les amants se cachent derrière des rideaux. Maria virevolte d’un homme à un autre tout en aimant toujours son mari. Mais après 20 ans, l’usure, le quotidien transforment le couple en une  relation plus amicale. L’idée magnifique du film est de faire resurgir Richard à 25 ans mais également sa prof de piano dont il était amoureux avant de rencontrer Maria. Spectateur, nous voyageons entre le passé et le présent mais également l’avenir au bord d’une plage. Les dialogues, les mouvements de caméra apportent beaucoup de fantaisie et de drôlerie à cette histoire entre rêve et réalité. Doucement, Christophe Honoré pose des questions sur la longévité d’un couple, sur les choix de vie que l’on réinterroge, sur les rêves que les personnages avaient à 20 ans. Et quel casting ! Le quatuor principal est un bonheur absolu : Chiara Mastroianni toute en légèreté, en frivolité (je ne cesserai jamais de regretter de la voir si peu sur grand écran), Vincent Lacoste jouant toujours de sa nonchalance naturelle, Camille Cottin toute en gravité qui tente de reconquérir son amour perdu et Benjamin Biolay déprimé et se laissant dériver après le départ de sa femme. Ce film est tout simplement un régal !

Après toute une série de petits boulots, Ricky devient chauffeur-livreur pour une plateforme de vente en ligne. Il devient auto-entrepreneur dont on lui vante la liberté. Le rythme devient rapidement infernal. Sa femme travaille également beaucoup comme aide à domicile pour des personnes âgées ou handicapées. Tous deux sont rarement à la maison, leurs deux enfants sont livrés à eux-mêmes. Et cela finit par mal tourner pour fils adolescent.

« Moi, Daniel Blake » devait être le dernier film de Ken Loach mais l’ubérisation de la société le met tellement en colère qu’il a repris sa caméra. A 83 ans, son cinéma n’a rien perdu de son indignation et ses convictions sont toujours fortes. Il montre parfaitement bien l’engrenage dans lequel s’enferme Ricky. La soi-disant liberté promise se transforme rapidement en esclavage (les chauffeurs doivent faire pipi dans une bouteille en plastique, pas le temps de s’arrêter si on veut respecter les cadences). La famille se délite devant nos yeux, alors que cette famille est unie, aimante, cherchant toujours le dialogue. Les parents, épuisés, ne maîtrisent plus rien. Ken Loach ne réalise pas des films spectaculaires en terme de mise en scène mais ses films sont toujours d’une efficacité redoutable. Encore une fois, c’est une dénonciation implacable du néolibéralisme. Comme toujours, la grande force de Ken Loach est sa direction d’acteurs. Tous, professionnels et non professionnels, sont d’une justesse et d’un naturel confondants. Ken Loach est toujours en colère et c’est une excellente nouvelle pour nous, spectateurs.

A Naples, Martin Eden est un jeune homme séduisant qui travaille comme matelot depuis l’âge de 11 ans. Un jour, il sauve un inconnu des mains d’une brute. Pour le remercier, Martin est invité dans la maison du jeune homme qu’il a défendu. Il fait alors connaissance de la belle Elena dont il tombe amoureux. Mais Elena vient d’une famille bourgeoise, cultivée et érudite. Martin veut s’élever à son niveau, dévore tous les livres qu’il trouve pour y arriver et veut devenir écrivain.

Je considère « Martin Eden » comme un chef-d’oeuvre, j’attendais donc beaucoup du film de Pietro Marcello. Le film est fidèle à l’esprit du roman et on retrouve bien le caractère fougueux du héros de Jack London. L’intrigue est transposée de la Californie à Naples sans que cela soit gênant, elle reste inscrite dans une ville portuaire. Ce qui est original, c’est le changement d’époque. Pietro Marcello inscrit son héros dans une période indéfinie du XXème siècle où l’on sent tous les bouleversements à venir de ce siècle : révolution socialiste, guerre, etc… Mais cela n’est pas pesant, Martin Eden s’y inscrit parfaitement (une belle scène le voit se confronter aux ouvriers en grève pour leur expliquer que la seule voie à suivre est celle de l’individualisme libertaire). Pietro Marcello émaille son film d’images d’archives : le peuple de Naples, des bateaux, des manifestations. C’est une très belle idée qui fonctionne parfaitement. Autre point fort du film, le charismatique acteur principal, Luca Marinelli, qui interprète avec justesse toutes les nuances du personnages (de l’exaltation au dégoût de soi). Le film de Pietro Marcello est une réussite qui rend bien compte des thématiques abordées par Jack London et qui est servi par un formidable acteur à la hauteur du personnage.

Et sinon :

• « Ceux qui travaillent » de Antoine Russbach : Frank travaille pour une société de fret par cargos. Lors d’un transport de marchandises, un clandestin est découvert sur un bateau. Faire demi-tour pour le ramener chez lui ferait perdre trop de temps et il fait éviter qu’il soit découvert à la douane. Frank ordonne alors au capitaine de se débarrasser du problème. Profitant de l’événement pour se débarrasser d’un salarié qui coûtait trop cher, les patrons de l’entreprise renvoie Frank. Contrairement à ce que l’on pourrait attendre, Frank ne se remet pas en cause après ce licenciement. Il ne regrette pas ce qu’il a fait et recommencera sans problème s’il est question de profit. Il est prêt à tout pour maintenir son niveau de vie et d’ailleurs lorsque ses enfants apprennent son licenciement, ils lui ordonnent de pas faire baisser leur train de vie. Le film et le personnage de Frank sont glaçants. L’argent régit tout, même les liens familiaux. Olivier Gourmet interprète, toujours avec talent et justesse, un monstre de froideur et de calcul. Un film implacable sur un monde sans pitié.

• « Alice et le maire » de Nicolas Pariser : Alice est une jeune normalienne qui vient de se faire embaucher à la mairie de Lyon. Son rôle est simple : il faut qu’elle l’aide le maire à penser à nouveau. Celui-ci est un veux briscard de la politique qui refuse de quitter le devant de la scène. Alice réalise donc des fiches sur des sujets généraux comme la modestie. La jeune femme découvre les coulisses du pouvoir avec ses revirements, les egos démesurés et les inaugurations à tour de bras. Le film de Nicolas Pariser utilise le ton de la comédie pour nous montrer les arcanes du pouvoir dans une grande ville. La communication prend une place importante, tout semble être une question d’affichage. Une jolie relation se crée entre le maire mélancolique et la jeune diplômée, le 1er ayant besoin de la fougue de l’autre pour redécouvrir l’envie de participer au jeu politique. Fabrice Luchini joue parfaitement bien la mélancolie, la lassitude de ce maire en place depuis trop longtemps et Anaïs Demoustier apporte beaucoup de fraîcheur à cette comédie.

• « Shaun le mouton : la ferme contre-attaque » de Will Becher et Richard Phelan : A la ferme, la bande de Shaun tente toujours de se trouver des occupations réjouissantes comme le lancer de mouton par canon, le saut à partir d’une rampe ou la conduite de tracteur. Heureusement que le chien de la ferme vient remettre de l’ordre dans la cour. Un étrange individu va venir perturber le quotidien des animaux. Il s’agit de Lu-la, jeune alien qui vient d’atterrir à proximité de la ferme. Elle est recueillie par Shaun et sa bande qui vont la protéger des agents gouvernementaux qui sont à sa poursuite. Même si les aventures de Shaun s’adressent plus à un public jeune, c’est toujours un plaisir de retrouver les personnages des studios Aardman. Le film est bourré de gags et de références qui cette fois sont à l’attention des adultes : Men in black, Rencontres du 3ème type, Doctor Who, 2001 l’odyssée de l’espace, X-Files. Comme toujours avec les studios Aardman, les décors regorgent de détails drôles, tout est peaufiné avec une grande minutie. L’inventivité, le rythme des gags, la tendresse font de ce film un spectacle réussi qui plaira à toutes les générations.

Le mois de septembre est terminé et le mois américain avec. J’ai réussi cette année à tenir mon programme : 14 lectures sur des thématiques très variées. Ce mois de septembre fut riche en découvertes et je n’ai qu’une déception à mon actif : « Herland » de Charlotte Perkins Gilman.  Si je ne devais garder qu’un seul livre de ce mois américain, ce serait « My absolute darling » de Gabriel Tallent qui me marquera durablement. Mais, je suis également pressée de retrouver l’univers de Kent Haruf, de Ron Rash ou de Richard Ford. Je vais guetter avec impatience les nouveaux romans de Colson Whitehead, de Ellen Urbani, de Tommy Orange, de Jamey Bradbury et de Andrew Ridker. La littérature américaine est si riche de possibilités, d’univers, j’ai encore tant d’auteurs à découvrir que j’ai hâte de vous retrouver l’année prochaine pour une nouvelle édition du mois américain !

Le mois de septembre fut également l’occasion de poursuivre mes lectures pour le Grand Prix des lectrices Elle dont je fais partie cette année. Un vrai challenge qui m’inquiète un peu, je dois bien le reconnaître, en raison des délais qui nous sont imposés. J’espère y faire de belles découvertes, ce qui fut déjà le cas en fin de mois avec « Le ghetto intérieur » dont je vous parle très vite.

En septembre, j’ai également retrouvé mon cher Sorj Chalandon mais le rendez-vous est un peu manqué, je vous expliquerai très bientôt pourquoi. Ma lecture (ou relecture) des Rougon-Macquart s’est poursuivie ce mois-ci avec l’extraordinaire « Bête humaine ». Il n’en reste plus que trois à lire pour terminer cette incroyable et foisonnante fresque sous le second empire.

Et côté cinéma ?

Mes coups de cœur sont les suivants :

Marianne est artiste peintre du XVIIIème siècle. Elle est également enseignante et pose pour ses élèves. C’est lors d’une de ces séances de pose qu’elle découvre que l’un de ses tableaux a été sorti des réserves par ses élèves. « Portrait de la jeune fille en feu » la trouble terriblement et elle se remémore les origines de ce tableau. Elle avait dû rejoindre une île bretonne pour une commande : faire le portrait d’une jeune femme, Héloïse, sans qu’elle le sache. Ce portrait doit être envoyé au futur mari d’Héloïse qui refuse catégoriquement cette union avec un inconnu.

Voilà un très beau film sur la naissance de l’amour et du désir. Marianne et Héloïse s’apprivoisent lentement, se rapprochent malgré la mission première de Marianne. L’histoire d’amour des deux femmes est aussi enflammée qu’elle est éphémère. Céline Sciamma filme magnifiquement la montée du désir, l’attirance puissante qui lie ses héroïnes. Les souffles, les regards, les gestes sont minutieusement étudiés pour souligner le trouble qui s’installe. Le décor est très épuré pour laisser toute la place à cette relation, la musique ne vient que peu troubler l’harmonie de Marianne et Héloïse. En réalité, le duo est un trio car la jeune servante Sophie accompagne leur amour naissant. Une sorte de sororité unit les trois femmes (les hommes sont d’ailleurs totalement absents du film). Céline Sciamma parle également d’art, du lien qui lie le créateur et son modèle entre séduction et méfiance. L’oeuvre sera-t-elle juste ? De très belles images nous montre les gestes du peintre en action. Bien évidemment, le film de Céline Sciamma ne serait rien sans ses formidables actrices : Adèle Haenel, Noémie Merlant, Luàna Bajrami et Valeria Golino qui joue la mère d’Héloïse. « Portrait de la jeune fille en feu » est un film esthétiquement très réussi, très sobre et lumineux sur la passion entre deux jeunes femmes.

Gatsby étudie dans une université de la Côte Est. Sa petite amie Asleigh doit aller à New York pour interviewer un grand réalisateur pour le journal de la fac. Gatsby se réjouit de pouvoir faire découvrir la ville où il a grandi à sa petite amie. Il prévoit déjà les lieux où il va l’emmener. Mais le weekend en amoureux ne se déroule pas comme il l’avait prévu. Le rendez-vous avec le réalisateur se prolonge désespérément.

Quel plaisir de retrouver Woody Allen dans un film qui rappelle ses plus grands succès : « Manhattan » ou « Annie Hall ». De « Un jour de pluie à New York » se dégagent une grande fraîcheur, un charme pétillant. Le jeune Gatsby aime les vieux films, le jazz et la pluie. Il est bien évidemment le double à l’écran du réalisateur (sa veste en tweed le prouve !!). Le pauvre jeune homme voit sa dulcinée lui échapper. Nous suivons en parallèle les amoureux qui virevoltent de rendez-vous en rendez-vous, enchaînant les quiproquos, les rebondissements parfois burlesques ou émouvants. La comédie romantique fonctionne parfaitement, elle est rythmée, piquante, drôle et tendre à la fois. La jeune garde des acteurs américains se retrouvent devant la caméra de Woody : Timothée Chalamet, Elle Fanning, Selena Gomez. Tous trois sont formidables et parfaitement en adéquation avec l’univers du réalisateur. Manhattan, le jazz, des amoureux qui se cherchent à travers la ville, Central Park, « Un jour de pluie » est un condensé de l’univers de Woody Allen. Son charme un brin suranné et mélancolique m’a totalement séduite.

Et sinon :

• La vie scolaire de Grand Corps Malade et Medhi Idir : Samia est la nouvelle CPE d’un lycée en ZEP à St Denis. Elle arrive d’Ardèche et a souhaité changer de région pour des raisons personnelles. Elle découvre donc le quotidien des enseignants et des élèves dans une zone où les conditions sociales sont dégradées. Après « Patients », Grand Corps Malade et Medhi Idir s’intéresse à la situation de l’école en ZEP. Comme pour « Patients », une grande énergie se dégage de leur film. Le ton varie entre l’humour et la gravité. Certains personnages sont vraiment hilarants : l’élève mytho qui invente des excuses totalement improbables pour expliquer ses retards, le prof de sport qui mélange les disciples et crée le foot en roller, l’élève qui charrie un surveillant parce qu’il habite le même immeuble, etc… Mais les réalisateurs n’oublient surtout pas de souligner les difficultés rencontrés par les élèves qui ne voient pas comment leurs situations pourrait s’améliorer grâce à l’école. La fin du film n’est d’ailleurs pas très optimiste quant à l’avenir de ces gamins. La fracture sociale est toujours bien présente sur notre territoire. Les acteurs professionnels se mélangent aux non-professionnels et l’ensemble dégage beaucoup authenticité. Encore une fois, Grand Corps Malade et Medhi Idir nous offre un film plein d’humanité et de sincérité.

• Les hirondelles de Kaboul de Zabou Breitman : A Kaboul en 1998, les talibans font régner la terreur sur la ville. Des hommes sont pendus, des femmes sont lapidées en pleine rue. Personne n’ose plus rien faire, la peur paralyse la population. A l’exception de la jeune Zunaira qui continue à écouter du rock et à peintre ses murs d’images sensuelles. Elle forme un couple harmonieux avec Mohsen qui va bientôt perdre pied suite à un geste irréparable. La destinée de Zunaira va croiser celle de Atiq, gardien de la prison pour femmes. Je n’ai pas lu le roman de Yasmina Khadra dont ce dessin-animé est adapté. Mais ce dernier souligne bien ce que représente la terreur et la barbarie. La ville n’est que ruines, les hommes baissent la tête, les femmes sont de vague formes indéfinis sous les burqas. Le dessin reste dans les tons gris/bruns qui rendent parfaitement la tristesse de la ville à cette époque. Le personnage de Zunaira est très beau, elle reste dans la vie, la joie et éclaire le dessin-animé.

• Fête de famille de Cédric Kahn : A l’occasion de son anniversaire, Andréa accueille toute sa famille dans sa grande maison à la campagne. Il y a le fils aîné Vincent, marié, deux enfants, qui semble bien étable dans la vie. Romain, le cadet, foutraque réalisateur qui est venu accompagné de sa petite amie. A ce tableau de famille manque la fille, Claire, partie aux Etats-Unis depuis de plusieurs années. Elle débarque sans prévenir et transforme rapidement le repas d’anniversaire en règlement de compte. C’est une drôle de famille que nous présente Cédric Kahn. Les membres sont autant capables de s’adorer que de se détester. Les piques, les remarques cinglantes fusent autant que les marques de tendresse. Le détonateur est Claire que l’on pense instable, folle et qui vient réclamer son héritage. Elle est l’élément perturbateur qui vient mettre à jour les dysfonctionnement familiaux qui semblent être nombreux. Cédric Kahn nous entraîne dans un repas de famille entre tragique et comique dont certains moments nous mettent mal à l’aise et évoquent « Festen ». Les acteurs du film sont tous très justes avec en tête Catherine Deneuve en matriarche totalement placide face au fracas qui l’entoure et qui ne veut absolument pas que la fête soit gâchée.

• Downton Abbey de Michael Engler : Downton Abbey est en émoi suite à l’arrivée d’une missive : le roi George V et la reine Mary vont passer une journée au domaine de la famille Crowley. L’intrigue pourrait se résumer à cela même si celle-ci est parsemée de multiples histoires plus ou moins secondaires : l’affrontement entre les domestiques royaux et ceux de Downton, l’héritage d’une cousine de Lady Violet, la tentative d’assassinat du roi, les problèmes financiers de la famille, etc… Cela ne fait pas forcément un film et il faut reconnaître qu’il est à réserver aux admirateurs de la série. Mais le plaisir de retrouver la famille Crowley est bien réel lorsque l’on a suivi leurs aventures pendant six saisons. Le film s’ouvre comme la saison 1, avec l’arrivée d’une lettre qui cette fois n’aura pas de répercussions dramatiques. Joli clin d’œil qui permet de fermer la boucle. Les dialogues sont toujours aussi travaillés et ciselés. Ceux de Lady Violet sont toujours aussi piquants et Maggie Smith impériale. Malgré la légèreté du sujet, Julian Fellowes nous parle également de l’état de l’Angleterre en 1927 : la place des femmes (Lady Edith regrette d’avoir abandonné son travail), des homosexuels avec le retour de Thomas Barrow, la fin de l’aristocratie (Lady Mary se pose la question de la survie du domaine). Julian Fellowes a chois le grand écran pour clore sa saga, cela n’était pas forcément nécessaire mais le film reste plaisant pour les fans de la série.

Le mois d’août fut bien rempli avec sept livres à mon actif. J’ai continué mes lectures pour le mois américain avec « My Absolute darling » de Gabriel Tallent, un roman à couper le souffle, « Les altruistes » de Andrew Ridker, un premier roman prometteur dans la lignée de Jonathan Franzen, « Sauvage » de Jamey Bradury qui se trouve à la croisée des genres, « Le chant des plaines » de Kent Haruf qui décrit avec beaucoup de sensibilité une communauté et « Sans foi ni loi » de Marion Brunet qui revisite le western. Et je vous ai déjà parlé de « Oyana », qui m’a permis de continuer à découvrir le travail d’Eric Plamondon, et de « Rien n’est noir » de Claire Berest où j’ai retrouvé avec plaisir le couple tumultueux Frida Kahlo/Diego Rivera. J’ai hâte que le mois américain commence pour pouvoir vous parler des excellents livres que j’ai lu durant les deux mois d’été !

Et côté cinéma ? Mon coup de cœur du mois revient à un de mes réalisateurs préférés, Arnaud Desplechin :

A Roubaix, le commissaire Daoud arpente inlassablement les rues de sa ville natale, même le soir de Noël. Dans son commissariat se croisent un pauvre bougre essayant d’arnaquer son assurance, une adolescente violée dans le métro, de jeunes délinquants, une jeune femme fuguant de l’appartement familiale. Et un soir, une maison brûle dans une impasse. Daoud envoie un nouveau lieutenant, Louis, pour enquêter. Celui-ci interroge deux voisines, Claude et Marie, pour savoir ce qu’elles ont vu. Mais l’affaire ne s’arrête pas là et les policiers vont bientôt découvrir dans la même impasse un crime bien plus grave.

Arnaud Desplechin retrouve à nouveau sa ville de Roubaix après y avoir réalisé « Un conte de Noël », « Trois souvenirs de ma jeunesse » et « Les fantômes d’Ismaël ». Il montre ici toute la misère sociale, la pauvreté de cette ville qui fut autrefois prospère et qui garde  » (…) le sentiment blessé d’avoir compté et de n’être plus rien ». La nouveauté chez Desplechin est double. « Roubaix, une lumière » est un polar et le fait divers central est bien réel. Le réalisateur avait vu un documentaire sur celui-ci « Roubaix, commissariat central, affaires courantes » de Mosco Boucault. On retrouve dans le film de Desplechin le réalisme des documentaires, on suit au plus près la vie de ce commissariat (notamment les scènes d’interrogatoires qui sont très fortes). Nous sommes assez loin de l’univers habituel du réalisateur mais le personnage de Louis nous renvoie à ses héros habituels (il voulait rentrer dans les ordres et a changé de vocation, il lit de la philosophie). Les trois acteurs principaux du film sont absolument remarquables. Roschy Zem incarne un commissaire débordant d’humanité, de compassion, droit mais aussi hanté par son histoire familiale. Léa Seydoux et Sara Forestier sont également parfaites, leur jeu est intense et nuancé. Un film noir qui sort des sentiers habituels empruntés par Arnaud Desplechin mais qui est totalement réussi et maîtrisé.

Et sinon :

• « Once upon a time… in Hollywood » de Quentin Tarantino : Eté 1969, Rick Dalton est un acteur de western, notamment de séries tv. Il est abonné aux rôles de méchant. Lorsqu’un producteur lui propose de tourner dans un western spaghetti en Italie, Rick sait que sa carrière est sur le déclin. Heureusement, il est soutenu par Cliff Booth, son cascadeur attitré qui lui sert aussi de chauffeur et d’homme à tout faire. Parallèlement à Rick, nous suivons le parcours d’une jeune starlette à la carrière montante : Sharon Tate. Dans ce film, Quentin Tarantino rend hommage au cinéma des années 60, à la légèreté et l’insouciance de ses années là qui vont se terminer aux USA dans un bain de sang. Sans vraiment d’intrigue, « Once upon a time… in Hollywood » est un film d’ambiance : cocktails, villas avec piscine, belles voitures et vitesse. Le réalisateur s’amuse follement à recréer cette atmosphère et il va jusqu’à retourner des scènes de ses films préférés avec les acteurs de son film (« La grande évasion » avec Leonardo di Caprio à la place de Steve McQueen). En revanche, Sharon Tate n’est pas remplacée par Margot Robbie dans l’extrait que nous découvrons dans un cinéma. Quentin Tarantino rend un bel hommage à cette actrice en la montrant souriante, dynamique, légère et lumineuse à l’image des années 60. Les acteurs sont tous épatants et semblent aussi se régaler dans leur rôle respectif. Le duo Leonardo Di Caprio et Brad Pitt fonctionne à merveille. A noter la scène incroyablement drôle entre Bruce Lee et Cliff Booth qui restera dans les annales ! « Once upon a time…in Hollywood » est un conte comme son nom l’indique et la fin du film le confirme. Je dois avouer qu’elle m’a un peu chiffonnée mais je pense que Quentin Tarantino voulait justement sauver les années 60 et son insouciance à travers cette revisitation de l’histoire.

• « Wild Rose » de Tom Harper : A Glasgow, Rose-Lynn sort de prison mais son rêve est intact : elle sera chanteuse de country ou rien. Elle est bien décidée à reprendre son job de chanteuse dans un bar de la ville pour mettre de l’argent de côté et partir à Nashville. Mais son tempérament excessif n’a pas laissé que de bons souvenirs à ses anciens patrons. Et surtout, Rose-Lynn a deux enfants dont sa mère s’est occupée pendant son absence. Cette dernière voudrait bien que sa fille prenne enfin ses responsabilités et s’occupe de sa fille et de son fils. « Wild Rose » a une intrigue classique et le dénouement n’est pas une surprise. Mais ce film a plusieurs atouts qui le rendent extrêmement agréable à regarder. Le premier est l’idée tout à fait originale de mélanger film social à la Ken Loach et country music. Le deuxième est son actrice principale : Jessie Buckley. J’avais déjà pu admirer son talent dans l’adaptation de « Guerre et paix » de la BBC, ou dans celle de « La dame en blanc » et dans la formidable série « Chernobyl ». Ici, son talent éclabousse l’écran, sa présence est magnétique et sa voix sublime. Jessie Buckley est à elle seule une excellente raison d’aller voir ce film !

• « Perdrix » de Erwan Le Duc : De passage dans les Vosges, Juliette se fait voler sa voiture, avec toutes ses affaires dedans, par une naturiste. Elle va porter plainte à la gendarmerie où l’affaire n’étonne personne puisqu’un commando de naturistes révolutionnaires sévit dans la région. Juliette fait la connaissance du capitaine Perdrix chez qui elle décide de s’incruster en attendant de retrouver sa voiture. Erwan Le Duc réalise ici une comédie charmante au ton décalé qui rappelle Wes Anderson. L’atmosphère, les personnages sont assez incongrus pour une comédie romantique. Le capitaine Perdrix est un doux rêveur, un cœur tendre qui se trouve confronté à la volubile et fantasque Juliette qui parcourt la France pour éviter de se fixer. Swann Arlaud (décidément toujours juste) et Maud Wyler (une découverte) interprète ce duo mal assorti qui va de chamailleries en chamailleries. La famille de Perdrix est magnifique de singularité : la mère (Fanny Ardant) est une veuve inconsolable qui anime un courrier du cœur radiophonique dans son garage, le frère (Nicolas Maury) est passionné par les lombrics, sa fille rêve de quitter sa famille et de devenir championne de ping-pong. Tout ce joyeux monde vit ensemble ! Les collègues de Perdrix sont également croustillants et pour couronner le tout une reconstitution d’une bataille de 39/45 doit avoir lieu dans le village. L’ensemble crée une comédie romantique cocasse, drolatique aux personnages attachants.

• « Les faussaires de Manhattan » de Marielle Heller : Lee Israel a écrit des biographies de femmes célèbres et a rencontré un certain succès. Mais aujourd’hui, ses sujets n’intéressent plus, son agent ne veut plus lui faire d’avance. Lee ne joue pas non plus le jeu de la promotion et elle en serait d’ailleurs bien incapable. Irascible, mal-aimable et asocial, Lee ne supporte pas la bêtise et la facilité. Elle a pourtant un grand besoin d’argent, elle n’a même plus de quoi payer les médicaments de son chat. Pour s’en sortir, une idée lui vient : écrire de fausses lettres d’écrivains. Elle sera aider par un complice aussi alcoolique qu’elle : Jack, un homosexuel aussi caustique qu’elle. Lee Israel a véritablement existé et elle a été arrêté par le FBI en 1993. Bien que désagréable, le personnage est très attachant. On la sent totalement inadapté au monde dans lequel elle vit. Elle s’intéresse à des actrices de second plan du cinéma hollywoodien, voue un culte à Dorothy Parker et Noel Coward. Elle est interprété par Mélissa McCarthy qui surprend dans ce rôle et montre enfin l’étendu de son talent. Richard E. Grant était l’acteur idéal pour le fantasque Jack qui a la dignité de ne jamais reconnaître à quel point il est dans la dèche. L’histoire est en elle-même très intéressante et le film rend également hommage à la littérature, aux librairies où les passionnés s’arrachent les fausses lettres de Lee.

• « Give me liberty » de Kirill Mikhanovsky : A Milwaukee, Vic vit avec son grand-père qui perd doucement mais sûrement la mémoire. Vic et sa famille sont d’origine russe. Vic transporte dans un mini-bus des personnes handicapées. Mais il a quelques difficultés à contrôler son grand-père qui devient de plus en plus imprévisible. Et surtout, Vic ne sait pas dire non. Il se retrouve donc à devoir emmener dans son bus toute un groupe de personnages âgées russes qui veulent assister à un enterrement à l’autre bout de la ville. S’ajoute à ce groupe, un jeune russe oisif et pique-assiette. Les pauvres usagers de Vic ne savent pas dans quelle aventure ils s’embarquent… Voilà un film qui est extrêmement sympathique et vivant. Kirill Mikhanovsky tourne son film comme un documentaire, caméra à l’épaule. Il y montre l’Amérique des laissés-pour-compte, des personnages cassés, blessés par la vie mais qui ne baissent jamais les bras (les scènes où Vic parle avec un tétraplégique noir sont magnifiques, l’homme allongé prodigue des leçons de vie au jeune homme). Le film est un très joyeux bordel, foutraque et plein de la verve des personnages. Tout ce petit monde finit par s’accorder, chacun finit par adopter la cause de l’autre. C’est tour-à-tour hilarant et émouvant, un tourbillon permanent qui nous entraîne.

Mon mois de mai littéraire aura été bien rempli avec 6 romans et 4 BD. J’ai déjà eu l’occasion de vous parler du formidable roman de Shelby Foote sur un épisode de la Guerre de Sécession, du premier roman prometteur de Sara Collins qui revisite le roman gothique et du touchant et juste roman de Pete Fromm qui nous raconte une histoire d’amour hors norme sur fond de maladie. J’ai commencé mes lectures pour le mois anglais et je vous reparle rapidement de « Bonne nuit, monsieur Tom ! » de Michelle Magorian, de « L’héritier, une histoire d’amour » de Vita Sackville-West et de « Love » de Angela Carter. Du côté des BD, j’ai retrouvé avec plaisir l’univers de Posy Simmonds avec « Le chat du boulanger » qui s’adresse plutôt aux enfants et que j’ai beaucoup apprécié, et celui de Catherine Meurisse avec « Mes hommes de lettres » qui est une histoire de la littérature française. Je vous ai récemment parlé des « Nymphéas noirs » de Cassegrain et Duval inspiré d’un roman de Michel Bussi et dont l’intrigue et le dessin m’ont beaucoup plu.

Et du côté du cinéma : 7 films à mon compteur avec du très bon et une belle déception.

Mes films préférés du mois :

Stevie, 13 ans, se fait malmené par son grand-frère. Il essaie donc de passer plus de temps en dehors de chez lui. Un jour, il croise un groupe de skateurs qui le fascine immédiatement. Il réussit à intégrer le groupe alors qu’il n’a jamais fait de skate. Les quatre copains, plus grands que lui, seront à l’origine de tous les apprentissages : l’alcool, la drogue, le sexe et bien évidemment le skate. La petite bande est constituée de membres disparates, aux origines et aux milieux sociaux  très différents. Des excès, des expériences, de la joie et surtout une formidable amitié vont lier à jamais les cinq garçons.

« 90’s » est le premier film en tant que réalisateur de Jonah Hill et c’est une réussite. L’histoire de Stevie est en partie autobiographique ce qui se sent parce que l’époque est parfaitement rendue (notamment au niveau de la musique qui tient une place importante dans le film) et que le film est finalement emprunt de nostalgie pour cette période bénie du début de l’adolescence, celle de tous les possibles et de toutes les transgressions. Stevie s’éveille, s’épanouit aux contacts de ses nouveaux amis. Il y a de l’émerveillement chez le jeune garçon lorsqu’il comprend qu’il est accepté dans le groupe, lorsqu’il regarde les exploits des skateurs. Sunny Suljic, qui interprète Stevie, est pour beaucoup dans le plaisir que l’on prend à regarder ce film. Son visage est plein de candeur, de naïveté et de volonté de s’émanciper. Jonah Hill réalise un premier film sobre, juste sur l’apprentissage d’un jeune garçon vers le monde adulte.

Salvador est un réalisateur à bout de souffle. L’envie d’écrire n’est plus là, les maladies l’envahissent. Il reste enfermé dans son luxueux appartement madrilène. La projection d’un des ses films à la cinémathèque l’oblige à sortir. Et il part à la recherche de l’acteur principal du film avec lequel il s’était fâché lors du tournage. Les retrouvailles en amènent d’autres et Salvador se retrouve plongé dans ses souvenirs et notamment ceux de sa mère dans une Espagne rurale et pauvre.

Pedro Almodovar joue avec l’autofiction dans son dernier film. Antonio Banderas est ici son alter-ego, son double de cinéma. Le personnage est cerné par la nostalgie : celle de son enfance, de sa mère forte et lumineuse, celle de sa gloire en tant que cinéaste, celle des premiers émois sensuels, celle d’anciens amours. Cette dernière catégorie nous offre une scène merveilleuse de retrouvailles pudiques, tendres et déchirantes. Le film comporte des éléments de la vie du réalisateur espagnol mais aussi des échos de ces autres films. Le jeu est savamment orchestré en ces différents niveaux de narration, les passages entre le présent et les souvenirs d’enfance sont d’une grande fluidité. Le casting est parfait avec deux des acteurs préférés d’Almodovar : Antonio Banderas et Penelope Cruz qui sont eux-mêmes des réminiscences des autres films du réalisateur. Avec « Douleur et gloire », on retrouve un Pedro Almodovar au sommet de son cinéma avec un film très personnel et très touchant.

Et sinon :

• Mais vous êtes fous de Audrey Diwan : Roman et Camille sont mariés et ont deux filles. Ils gagnent bien leurs vies, habitent un bel appartement parisien. Tout semble harmonieux jusqu’à ce que l’une de leur fille se retrouve à l’hôpital pour des convulsions. De la cocaïne est détecté dans son organisme. Il s’avère que Roman est drogué depuis des années à hautes doses. La romancière Audrey Diwan s’essaie au cinéma. Son film est très intéressant, il montre l’effet d’une terrible révélation sur une famille à priori normale. Camille oscille entre rejet absolu de son mari et amour fou pour lui. Céline Sallette incarne cette femme entre fragilité et force. Elle se bat pour sa famille et surtout pour son homme. Mais le film est bien plus qu’un simple combat pour retrouver l’équilibre familial. Dans une scène étourdissante, Audrey Diwan nous montre que les choses sont plus complexes que ne le voudrait Camille et que la confiance est au cœur d’un couple. Pio Marmaï qui joue Roman montre lui aussi toute l’étendue de son talent et de sa profondeur de jeu. Un essai parfaitement transformé par Audrey Diwan.

• Le jeune Ahmed de Luc et Jean-Pierre Dardenne : Ahmed a décidé de tuer sa professeure de soutien scolaire. celle-ci veut faire apprendre l’arabe de tous les jours, différent de celui du Coran et elle compte le faire à l’aide de chansons. L’imam local la condamne fermement. Ahmed, voulant montrer la force de sa foi, décide alors de passer à l’acte. Fort heureusement, il rate son coup et sera enfermé dans un centre pour adolescents délinquants. Mais Ahmed n’a pas l’intention d’oublier son projet. C’est à chaque film, un immense plaisir de retrouver les frères Dardenne. « Le jeune Ahmed » montre une garçon de 13 ans totalement radicalisé et totalement emprisonné par ses idéaux. L’autre n’existe pas pour lui et les frères Dardenne nous montre l’obstination, la spirale de mensonges dans laquelle il s’enferme. Ce film m’a beaucoup fait penser à « Rosetta ». Ahmed est un garçon extrêmement solitaire, borné et une scène de course dans les bois évoque la même scène avec Emilie Dequenne. Comme souvent chez les réalisateurs belges, leur film est l’occasion de voir éclore un nouveau talent, ici Idir Ben Addi interprète de manière magistrale Ahmed.  Les frères Dardenne, en s’attachant à ce personnage au parcours radicalisé, ne le jugent pas, ils l’accompagnent avec une grande humanité et cherche à la détecter chez lui.

• 68, mon père et les clous de Samuel Bigiaoui : Pour ceux qui habitent, comme moi, dans le quartier de la rue Monge depuis de nombreuses années, le nom de Bricomonge vous sera familier. C’est le père du réalisateur qui a créé la boutique et l’a tenue pendant trente ans. Samuel Bigiaoui filme son père dans son magasin au moment où celui-ci est obligé de prendre sa retraite. Il montre les employés, présents depuis des années, les clients habitués ou non qui viennent dans la quincaillerie pour chercher tout et n’importe quoi et discuter avec son propriétaire. Jean Bigiaoui est un ancien militant actif de la gauche prolétarienne, un intellectuel qui est venu se cacher dans une quincaillerie. Ce magasin était pour lui le meilleur moyen d’échapper à un travail classique, à un quotidien plan-plan qu’il n’aurait pas supporter. Le travail manuel était également une nécessité pour lui. Il se raconte avec pudeur et cet homme se révèle d’un très grand humanisme. Son fils lui rend un bel hommage avec ce documentaire plein de tendresse.

• Gloria Bell de Sebastian Lelio : Gloria adore danser. Divorcée, la cinquantaine, Gloria ne veut pas renoncer aux plaisirs de la vie. C’est sur la piste de danse qu’elle croise un homme avec lequel elle aura une relation plus sérieuse. Malheureusement, il s’avérera peu fiable et incapable de tourner la page de son divorce. Sebastian Lelio offre un magnifique rôle à Julianne Moore. Il ne la lâche pas de tout le film et nous dévoile les difficultés qu’elle peut rencontrer avec ses enfants, avec le travail où une amie proche est licenciée, avec les hommes. Gloria est une femme seule et on sent parfaitement son désarroi. Elle essaie pourtant de ne pas l’être : elle sort seule dans les bars, appelle régulièrement ses enfants. Sa vie est chaotique mais Gloria ne baisse pas les bras. Julianne Moore est, comme toujours, splendide et montre que l’on peut offrir de très beaux rôles aux actrices de plus de cinquante ans. John Turturro est lui aussi parfait, juste comme à son habitude dans ce rôle d’homme amoureux mais lâche.

• The dead don’t die de Jim Jarmusch : Dans une petite ville des Etats-Unis, des événements étranges se déroulent : les montres et horloges s’arrêtent et la nuit refuse de tomber. L’un des policiers du coin en est sûr : ça va mal se terminer. Rapidement, des meurtres sont commis. Ils sont si horribles que l’on pense à une attaque d’une ou plusieurs bêtes sauvages. Mais rapidement, les coupables sont trouvés : ce sont des morts-vivants cannibales qui sont responsables des meurtres. Jim Jarmusch tente un hommage aux films d’horreur et malheureusement c’est raté. Le casting était pourtant extrêmement prometteur : les placides Adam Driver Et Bill Murray ne pouvaient que bien s’entendre, les vieux copains de Jarmusch Iggy Pop et Tom Waits sont de la partie, ainsi que Chloé Sévigny et la toujours fantasque Tilda Swinton. Si voir Iggy Pop en mort-vivant est un grand moment de cinéma, si la raison de l’apparition des morts-vivants est intéressante, le reste laisse à désirer. Il aurait fallu plus de second degré, plus d’humour et de distance pour que le film fonctionne. Le film est plat, très plat, sans rythme, atone comme le duo de policiers. Une vraie déception pour ce film qui s’annonçait pourtant extrêmement prometteur.

Le mois d’avril vient de s’achever et mon compteur livresque est peu élevé : 4 romans et 2 BD. Deux romans m’ont totalement emballé : « A son image » de Jérôme Ferrari qui propose toujours des projets littéraires ambitieux servis par une écriture nerveuse ; « Nos premiers jours » de Jane Smiley qui est le premier tome d’une trilogie qui raconte, sur un siècle, l’histoire d’une famille américaine et dont les personnages sont particulièrement attachants. Les deux autres livres ne m’ont pas complètement convaincue : « Tout ce qui nous submerge » de Daisy Johnson est un premier roman qui débutait fort bien mais l’auteure a complexifié son intrigue inutilement avec le mythe d’Oedipe ; « Une femme en contre-jour » de Gaëlle Josse est une biographie de la photographe Vivian Maier qui, malgré une belle écriture, reste trop scolaire pour être convaincante, je vous en reparle très vite. En revanche, carton plein  avec les deux BD : « Les grands espaces » de Catherine Meurisse rend un très bel hommage à l’enfance et à la beauté de nos campagnes ; « Les riches heures de Jacominus Gainsborough » de Rébecca Dautremer raconte la vie d’un lapin fragile et timide avec beaucoup de poésie et de grâce.

Et côté cinéma :

Mes deux films préférés du mois :

Un vieil homme dans une chambre. Il boit, il dort, il regarde par la fenêtre. Cet homme, c’est Ray, le père du réalisateur Richard Billingham. Après ces premières images, le film remonte en arrière et montre la famille du réalisateur lorsqu’il était enfant. Ray, sa femme Liz, et leurs deux fils vivent dans une petite maison à Birmingham au temps de Margaret Thatcher. Richard Billingham a reconstitué son quotidien poisseux, la tapisserie déchirée, les mégots de Liz qui s’accumulent, les bouteilles vides. Le réalisateur regarde son enfance, ses parents comme un entomologiste, il les épingle sous sa caméra après l’avoir fait avec son appareil photo. Le film n’est ni méprisant, ni emprunt de rancœur. Richard Billingham ausculte la chute de sa famille, son délitement irrémédiable vers la misère et vers la séparation. Les parents semblent incapables de prendre les choses en main, ils subissent leur environnement. Le regard de Richard Billingham est très singulier et l’esthétique du film marque durablement par son originalité et la force de la reconstitution.

Mario vient d’être quitté par sa femme. Il se retrouve seul à devoir gérer le quotidien de ses deux filles : Frida, 14 ans et Niki, 17 ans. Les débuts sont assez chaotiques notamment avec Frida qui reproche à son père le départ de sa mère. Mario espère malgré tout que sa femme va revenir. Il s’inscrit dans un groupe de théâtre amateur pour se rapprocher d’elle qui travaille à la régie. Mario cherche sa place avec maladresse, avec doute mais aussi avec l’amour qu’il porte à sa famille.

Bouli Lanners trouve enfin un premier rôle qui montre l’étendu de son talent. Il porte le film de Claire Burger de bout en bout. Il interprète un personnage sensible, perdu, maladroit avec ses deux grandes filles. Les deux sont d’ailleurs épatantes : Justine Lacroix et Sarah Henochsberg. L’aîné ne veut pas de relation durable, la cadette découvre son inclinaison pour les filles. Tous les trois se confrontent au sentiment amoureux et aux douleurs qu’il engendre. Le trio fonctionne magnifiquement bien. Le film de Claire Burger n’a rien de spectaculaire mais l’histoire de cette famille est touchante, émouvante.

Et sinon :

• Comme si de rien n’était de Eva trobisch : Jeanne est une jeune femme indépendante. Elle retape une maison avec son amoureux avec qui elle avait fondé une maison d’édition qui périclite. Leur maison est loin de la ville, loin de l’agitation. Pourtant quand Jeanne reçoit une proposition de travail en ville, elle n’hésite pas longtemps à s’engager sans se préoccuper de l’avis de son compagnon. Un soir lors d’une fête d’anciens élèves, elle est violée par un homme rencontré sur place. Mais Jeanne refuse de se considérer comme une victime et décide de faire comme si de rien n’était. Le film d’Eva Trobisch ne lâche pas son héroïne, magnifiquement interprétée par Aenne Schwarz. Il montre le déni de Jeanne, sa volonté de fer qui peu à peu vacille. Ce drame, qu’elle ne veut pas nommer, va ronger totalement sa vie et l’éloigner de ses proches. Faire comme si de rien est impossible malgré la force , l’indépendance forcenée de Jeanne. Subtilement, la réalisatrice montre l’effondrement de son personnage qui culmine dans une scène finale glaçante. « Comme si de rien n’était » est un premier film parfaitement maîtrisé.

• La lutte des classes de Michel Leclerc : Paul est un quadra qui continue à être batteur dans son groupe de punk-rock. Il porte fièrement son blouson de cuir. Il vit avec Sofia, brillante avocate. Ils décident de déménager à Montreuil avec leur fils. Celui-ci ira à l’école publique où il pourra se confronter à la mixité du quartier. Rapidement, les deux meilleurs copains de leur fils changent d’école pour aller dans le privé où leurs chances de réussites sont plus grandes. Paul et Sofia se voient obligés de questionner leurs convictions face à l’avenir de leur fils.Le film de Michel Leclerc est plutôt sympathique au début. Edouard Baer et Leïla Bekti sont parfaits, tout comme Ramzi Bedia qui interprète un directeur d’école fantasque. L’idée de départ était intéressante, l’humour bien dosé. Mais le film souffre de longueurs dans sa deuxième moitié, comme si Michel Leclerc avait du mal à terminer son film. Et peut-être aurait-il mieux valu qu’il ne l’achève tant la scène finale rocambolesque confine au ridicule.

Le mois de mars fut un très riche en terme de lecture avec de très beaux textes et un coup de cœur pour l’excellent « Dans les angles morts » de Elizabeth Brundage. Deux livres m’ont frappé par la qualité de leur langue et la beauté de celle-ci : « Ça raconte Sarah » de Pauline Delabroy-Allard et « Par-delà nos corps » de Bérengère Cournut. Le mois de mars m’a également permis de retrouver l’un des mes auteurs préférés : J.M. Erre avec son dernier roman hilarant « Qui a tué l’homme-homard ». Je continue à découvrir les relectures de Shakespeare avec ce moi-ci « Le conte d’hiver » réécrit par la grande Jeannette Winterson. Si ce projet de réécritures vous intéresse autant que moi, vous serez ravis de savoir que les éditions Robert Laffont sortent en avril « Graine de sorcière » de Margaret Atwood qui revisite « La tempête ». Une seule déception ce mois-ci avec une bande-dessinée, qui participe au prix SNCF du polar, « Les visés » ne fut pas à la hauteur de mes attentes. Je termine le mois en beauté puisque je suis actuellement plongée dans « Le chant des revenants » qui me permet de découvrir la romancière américaine Jesmyn Ward. Bon mois d’avril à tous !

Mes coups de cœur du mois :

Alexandre, quadragénaire, constate avec stupeur que le prêtre, qui a abusé de lui lorsqu’il était enfant, officie toujours auprès d’enfants. Fervent catholique, il écrit au diocèse de Lyon pour se plaindre de cet état de fait. Après de nombreux échanges et une confrontation, Alexandre constate que le père Preynat n’est pas sanctionné. Il décide alors de porter plainte contre le prêtre. La police prend ensuite contact avec d’autres enfants abusés dont François, qui décide de créer une association La Parole Libérée. C’est au cours d’une réunion de celle-ci que François croise la route d’Alexandre et celle d’Emmanuel qui n’a jamais réussi à oublier les abus du prêtre et à se construire une vie.

Le film de François Ozon se téléscope avec l’actualité et le refus de la démission du cardinal Barbarin par le pape enfonce le clou du film : la dénonciation de la hiérarchie épiscopale incapable de prendre les mesures qui s’imposent face à des prêtres pédophiles. Le film est extrêmement bien documenté et d’une grande sobriété dans sa mise en scène. Le début du film présente à tour de rôle l’un des trois personnages principaux donnant ainsi à voir des profils et des situations différents. Alexandre, François et Emmanuel sont tous les trois excessivement attachants et servis par des acteurs d’une grande subtilité : Melvil Poupaud, Denis Ménochet et Swan Arlaud (je compléterais la liste avec Eric Caravaca qui a un rôle plus secondaire mais qui est toujours formidable). François Ozon capte également très bien l’entourage de strois hommes : la mère qui culpabilise (Josiane Balasko), le couple qui a réagi à l’époque des faits, le frère jaloux de l’attention donné à celui qui fut abusé, les parents de la haute bourgeoisie qui rejette la douleur de leur fils pour éviter le scandale. Tout cela esr finement analysé et traité dans le film. Un seul bémol, les flash-back qui nous montrent les personnages principaux enfants face au père Preynat. Ils n’apportent pas grand chose au film et l’alourdissent. « Grâce à Dieu » est un film remarquablement documenté, mis en scène avec sobriété et servi par trois acteurs exceptionnels.

Après la première guerre mondiale, Holt revient dans le cirque où il travaillait. Il était le cow-boy vedette qui régalait son public de ses acrobaties. Mais Holt est revenu avec un bras en moins. Fini la voltige. Max Medici, le patron du cirque familial, lui propose de s’occuper de sa dernière acquisition : un éléphant femelle qui va plutôt mettre bas. Celle-ci donne rapidement naissance à un éléphanteau aux oreilles démesurés. Les enfants de Holt se chargent de lui et découvrent bientôt que cet étrange éléphant peut voler.

Tim Burton reprend le classique de Disney et « Dumbo » lui réussit beaucoup mieux que « Alice aux pays des merveilles » qui était calamiteux. Ici, on retrouve le plaisir de voir un film de Tim Burton et cela faisait longtemps que cela ne m’était pas arrivé. Le plaisir n’est d’ailleurs pas que régressif. Bien-sûr, on est heureux de retrouver ce personnage si attendrissant et Tim Burton cite des scènes de l’original comme la danse des éléphants roses. Mais ce qui rend vraiment le film intéressant est sa deuxième partie. Le cirque Medici est racheté par un patron de parc d’attraction. Il veut posséder l’éléphant volant. A travers ce personnage mégalo et cupide et son parc d’attractions calibré, Tim Burton égratigne Disney. Tout y est lisse et les éclopés du cirque Medici n’y ont pas leur place. On retrouve dans « Dumbo » la poésie lunaire du réalisateur et son choix judicieux d’acteurs : Colin Farrell, Eva Green, Dany DeVito et Michaël Keaton qui est décidément fait pour l’univers de Burton. « Dumbo » est donc une réussite qui allie l’émotion, l’humour et l’ironie. Courrez-y avec ou sans vos enfants !

Et sinon : 

• Santiago, Italia de Nanni Moretti : Le 11 septembre 1973, un putsch militaire, dirigé par le général Pinochet, renverse le président Allende qui sera acculé au suicide. Commence alors une vague d’arrestation et de torture des chiliens communistes et socialistes qui soutenaient le président élu. Les ambassades étrangères ferment les unes après les autres, sauf une, celle de l’Italie. De nombreux chiliens trouvent refuge entre les murs de celles-ci. Ce sont les témoignages de ces réfugiés que nous livrent Nanni Moretti. Beaucoup sont restés en Italie. Ils sont artistes, ouvriers, avocats, enseignants, diplomates. Ils parlent, avec les yeux brillants, de l’incroyable espoir né de l’élection d’Allende. Ils racontent ensuite l’horreur de la dictature, de Pinochet mis au pouvoir avec l’aide des américains et de la diffamation d’Allende dans les médias. La vie à l’ambassade est longuement évoquée : la manière dont ils franchirent le mur, la vie en communauté et les enfants qui jouent autour de la piscine. Ils expliquent aussi à quel point l’Italie les a accueillis chaleureusement. Et en creux, Nanni Moretti critique l’Italie d’aujourd’hui qui refuse d’accepter les migrants qui traversent la Méditerranée. Les témoignages sont vraiment bouleversants et souligne bien à quel point l’Italie a changé depuis les années 70.

• Marie Stuart, reine d’Ecosse de Josie Rourke : Après le décès du roi de France, son époux, Marie Stuart revient en Ecosse pour revendiquer son trône. Elizabeth 1er et ses conseillers ne l’entendent pas de cette oreille. Marie pourrait vouloir prendre le pouvoir également sur l’Angleterre. Le film de Rosie Rourke est visuellement magnifique : les paysages, les décors et les costumes sont splendides. Ce qui m’a intéressée dans le film, c’est la manière dont Josie Rourke montre la gémellité des deux reines. Elles sont puissantes, volontaires mais leur pouvoir est entravé par les hommes qui ne supportent pas de les voir sur leurs trônes. Chacune  pourrait aider et soutenir l’autre mais elles finissent pas devoir se comporter comme les hommes, de manière implacable.  Le film montre bien les réticences d’Elizabeth à faire exécuté sa cousine qui lui ressemble et qui éprouve les mêmes difficultés à maintenir son autorité. En voyant le destin de Marie Stuart, on comprend également la décision d’Elizabeth de ne pas avoir de mari. Ceux de Marie cherchent à tout prix à lui voler son trône. Margot Robbie et Saoirse Ronan sont toutes deux parfaites. Le film reste néanmoins très classique. Certaines scènes, comme celle de l’accouchement de Marie, auraient pu nous être épargnées. Celle de la rencontre entre les deux reines, appréciée par beaucoup, m’a semblé très artificielle.

• Damien veut changer le monde de Xavier de Choudens : Damien est pion dans une école primaire. Un jour, la mère du petit Bahzad ne vient pas récupérer son enfant. Damien s’en charge et découvre que la mère et le fils sont menacés d’expulsion. Sensibilisé aux engagements sociaux par ses parents, Damien cherche une solution pour aider cette famille. Pour ce faire, il doit enfreindre la loi. Malheureusement, une fois ce pas franchi, Damien est dépassé par son engagement  qui donne des idées à beaucoup, beaucoup d’autres familles. La comédie de Xavier de Choudens est très sympathique, elle comporte juste ce qui faut de bons sentiments pour ne pas tomber dans la guimauve ! Les répartis, les situations sont bien troussées et font mouche. La troupe d’acteurs, avec Franck Gastambide à sa tête, semble follement s’amuser. Le film met à l’honneur le sens du collectif, à l’instar de « Les invisibles », et c’est sans doute cela qui nous fait du bien.

Le mois de février a passé bien vite mais j’ai quand même réussi à dénicher un coup de cœur : « Moi ce que j’aime, c’est les monstres » de Emil Ferris dont je vous reparle la semaine prochaine. Je vous reparle également très vite de « Edith & Oliver », le deuxième roman de l’irlandaise Michèle Forbes qui parle de la déchéance d’un homme de spectacle. J’ai découvert, grâce au Picabo River Book Club, la romancière américaine Robin MacArthur avec son premier roman « Les femmes de Heart Spring Mountain », un roman féministe et écologique. Le livre de Elizabeth Quinn, « La nuit se lève », est aussi touchant qu’érudit, aussi élégant qu’humoristique, parfaitement en adéquation avec l’image que je peux avoir de la journaliste d’Arte. Cette semaine, j’ai participé à la première édition de « Livres et Parlotte », une rencontre autour des livres organisée par Charlotte. La thématique de cette première rencontre était « Quand les écrivains deviennent personnages de roman » et le livre choisi était « Les derniers jours de Stefan Zweig » de Laurent Seksik et je reviendrai sur ma lecture très prochainement. Pour terminer le mois de février, je poursuis ma lecture des Rougon-Macquart dans l’ordre avec le n°14 « L’œuvre » qui fut une relecture aussi enthousiasmante que la première fois.

Et côté cinéma, mes deux films préférés du mois :

Angèle est architecte, elle veut repenser l’urbanisme, ouvrir les villes sur la mixité et l’échange. Lorsqu’elle se fait virer du cabinet où elle travaille, elle est obligée de retourner habiter chez son père. Ses parents étaient des militants de gauche et Angèle a continué leur engagement. Son père, maoïste, est resté fidèle à ses idéaux alors que sa mère a baissé les bras et est partie vivre à la campagne loin de tout. Perpétuellement en colère, Angèle voudrait obliger tous les gens qu’elle croise à changer de vie et de modèle économique.

« Ce qui me reste de la révolution » est une comédie enlevée, rythmée et pleine de verve. Le personnage d’Angèle montre le désarroi de sa génération et le poids de mai 68. Les idéaux d’Angèle semblent totalement anachroniques. Elle les assène, les martèle et semble s’y raccrocher comme à une bouée de sauvetage. Sans travail, sans illusion sur l’amour, Angèle fait partie d’une génération désenchantée qui évolue dans un climat social difficile. A force de conviction, Angèle finit par entrainer certaines personnes avec elle et tente de réenchanter le quotidien. La deuxième partie du film est plus apaisée. Angèle retrouve sa mère qui propose finalement une autre voie possible au chaos ambiant. La troupe d’acteurs est formidable d’énergie et quel bonheur de revoir Mireille Perrier sur grand écran !

Tony Lip est videur dans une boîte de nuit. Quand celle-ci ferme, il se retrouve dans l’obligation de trouver un nouveau travail. Il essaie de glaner quelques dollars à droite à gauche (en participant à des concours du plus grand nombre de hot-dogs avalés par exemple) mais cela ne suffit pas à nourrir sa famille. Il entend  parler d’un poste de chauffeur pour un chanteur qui doit faire une tournée dans le Sud. Le poste comprend aussi le rôle de garde du corps, le chanteur est en effet noir, il s’agit de Don Shirley. Le périple s’avère plus compliquée que ce que Tony avait prévu.

Il est surprenant de trouver Peter Farrelly dans un autre registre que l’humour un peu gras des films réalisés avec son frère. Mais il a bien fait car son premier film en solo est réussi et il s’inspire d’une amitié véritable. L’histoire, qui inverse les clichés puisqu’un blanc conduit un noir, pouvait glisser dangereusement vers le pathos dégoulinant. A part la dernière scène, il n’en est rien. Peter Farrelly joue sur les positions sociales et intellectuelles des deux personnages. Le greenbook était le livre permettant aux noirs de voyager pendant la ségrégation et de trouver des établissements acceptant de les accueillir. Don Shirley est un homme cultivé aux goûts extrêmement raffinés alors que Tony Lip est un beauf intéressé uniquement par la nourriture. Le greenbook les oblige à inverser les positions : Tony dort dans les hôtels décents pendant que Don dort dans des bouges. Ce qui est bien entendu intéressant, c’est le lent rapprochement de ces deux êtres opposés. Chacun apprend au fil du voyage  à faire un pas vers l’autre jusqu’à devenir de véritables amis. Les deux acteurs, Viggo Mortensen et Mahershala Ali, sont vraiment au top et l’alchimie entre les deux fonctionnent parfaitement. Le film n’est pas un manifeste mais il rappelle ce qu’était la ségrégation, ce qui n’est pas inutile dans les États-Unis d’aujourd’hui. « Greenbook » est un film drôle, touchant qui rend un bel hommage à l’amitié de Tony Lip et Don Shirley.

Et sinon :

• « La favorite » de Yorgos Lanthimos : Sur le trône d’Angleterre règne Anne, une femme fragile et instable. Le royaume est en guerre contre la France et des décisions doivent être prises. C’est donc la favorite de la reine, Lady Sarah Churchill, qui gouverne à sa place. Une nouvelle servante, Abigail, arrive au château et elle obtient la protection de Lady Sarah. Malheureusement pour cette dernière, Abigail est extrêmement ambitieuse et elle veut retrouver un statut social qu’elle a perdu. Elle va donc tout mettre en œuvre pour prendre la place de Lady Sarah. Le film de Yorgos Lanthimos est étonnant et extrêmement original. Sa cour d’Angleterre est vue sous l’angle de la caricature, du grotesque et de l’outrance. Les courtisans sont tous parfaitement ridicules, ils sont à l’image de leur reine qui est parfaitement pathétique. Ce qui intéresse le cinéaste, c’est bien-sûr la relation entre les trois femmes entre pouvoir et séduction. Les deux courtisanes sont prêtes à tous les coups bas pour arriver à leurs fins, elles sont toutes les deux aussi perfides qu’intelligentes. Ces trois personnages de femmes sont tenus par trois actrices d’exception : Emma Stone dans le rôle de la fausse ingénue, Rachel Weisz dans celui de la redoutable et splendide Lady Sarah, Olivia Colman dans celui de la reine dépressive et boitant en raison d’une attaque de goutte. Excessif, trop baroque à mon goût pour être un coup de cœur, « La favorite » reste un objet cinématographique surprenant et détonnant, les trois actrices valent à elles seules le déplacement.

• « Une intime conviction » de Antoine Raimbault : Jacques Viguier est acquitté du meurtre de sa femme Suzanne. Mais le parquet fait appel et un nouveau procès doit avoir lieu. Une femme, Nora, se passionne totalement pour cette histoire. Elle croit Jacques Viguier innocent et veut à tout prix le sauver. Elle veut pour lui le meilleur avocat et réussit à convaincre Mr Dupont Moretti de le défendre pendant le second procès. Le film s’inspire largement de faits réels même si le personnage de Nora est inventé. Antoine Raimbault réalise un véritable thriller et pas seulement un film de procès. Nora travaille pour la défense en écoutant l’enregistrement de coups de fil passés à l’époque de la disparition de l’épouse de Jacques dont le corps n’a jamais été retrouvé. L’enquête est nerveuse et rythmée, la procédure judiciaire française parfaitement montrée. Ce que j’ai trouvé extrêmement intéressant, c’est la plaidoirie finale de Dupont-Moretti qui explique aux jurés ce que doit être l’intime conviction. C’est un grand moment d’éloquence et d’humanisme. Outre cela, ce film est une magnifique  démonstration des talents de Marina Foïs et Olivier Gourmet (décidément toujours excellent) et de Laurent Lucas que j’ai eu grand plaisir à retrouver sur grand écran.

• « Minuscules 2 » de Thomas Szabo et Hélène Giraud : En 2013, nous avions fait connaissance d’une bande d’insectes fort sympathiques avec « La vallée des fourmis perdues ». On retrouve la coccinelle fétiche du 1er volet, elle a fondé une famille dont un enfant aventureux. Il l’est tellement qu’il se retrouve prisonnier d’un carton qui part en direction de la Guadeloupe ! La solidarité se met en place parmi les insectes pour retrouver la petite coccinelle. Comme dans le premier film, Thomas Szabo et Hélène Giraud mélangent les prises de vue réelles aux images de synthèse. Le résultat est toujours aussi parfait. Pas de paroles, la bande-son se réduit à des bruitages dont certains sont devenus iconiques : le « chant » de la victoire de la coccinelle lorsqu’elle bat un ennemi à la course, les antennes de la fourmi qui taponne sa copine coccinelle. L’aventure est rythmée, drôle et touchante. Les adultes et les enfants pourront trouver des clins d’œil à d’autres films d’animation comme « Là-haut ». Cette nouvelle aventure n’est donc en rien décevante et c’est un plaisir de retrouver nos amis insectes.

• « Deux fils » de Félix Moati : Joseph vient de perdre son frère aîné, il se sent alors totalement perdu et décide d’abandonner son cabinet de psychiatre. Il veut devenir écrivain et sa maîtresse lui dit qu’il écrit comme Tolstoï. Joachim, le fils aîné de Joseph, est en pleine déprime post rupture et il n’avance pas dans sa thèse de psychiatrie. Yvan, son frère cadet, ne sait plus quoi faire devant ses figures tutélaires qui s’écroulent. Il sèche les cours, se met à boire et à fumer. Félix Moati réalise son premier film. Ce dernier évoque le souffle frais de la Nouvelle Vague et des films de Woody Allen où l’on parle beaucoup et où le ridicule de tue pas. Les trois hommes du film sont totalement à la dérive, ils ne semblent plus capables de se rattacher à quoique ce soit. C’est ce chaos, ce passage à vide que filme Félix Moati. Cela peut sembler foutraque mais il nous montre un beau lien familial entre les trois personnages qui s’épaulent quoiqu’il arrive. Félix Moati montre également très bien Paris et sa vie quotidienne loin des cartes postales pour touristes. Benoît Poelvoorde, Vincent Lacoste sont parfaits et on découvre Mathieu Capella qu’il faudra suivre tant il montre de talent.

Et voici venu l’heure du dernier bilan mensuel de 2018 ! A part le formidable « L’herbe de fer » qui montre les ravages de la grande dépression américaine, je n’ai lu que des livres de saison : « Rendez-vous avec le mal » de Julia Chapman qui m’a moins séduite que le premier volet de la série, « Le petit sapin de Noël » qui est un recueil de nouvelles de la piquante Stella Gibbons et « Mortels Noëls » qui est la première aventure de Vipérine Maltais, une adolescente dans un pensionnat. Enfin, j’ai achevé l’année avec l’un de mes auteurs favoris et qui se marie fort bien avec les fêtes de Noël, j’ai nommé Charles Dickens et son incroyable « Maison d’Âpre-vent » dont je vous parlerai très bientôt. S’est rajoutée à ces romans, une bande-dessinée hilarante qui est un très chouette hommage à « Alice au pays des merveilles » : « Madame le lapin blanc » de Gilles Bachelet.

Côté cinéma, j’ai terminé l’année avec deux premiers films très réussis réalisés par deux acteurs :

Été 1960 dans le Montana, Jo, 14 ans, voit sa famille se désagréger. Le père, Jerry, prof de golf, vient de se faire licencier. Le couple vient d’emménager dans la région pour que Jerry trouve un nouveau souffle. C’est encore raté. La mère, Jeanette, veut recommencer à travailler pour aider son mari. Les disputes entre les deux parents s’accentuent. Jerry décide à alors de s’engager pour aider à éteindre les feux qui ravagent la région. Devant les difficultés, Jerry fuit et laisse sa femme et son fils se débrouiller.

Pour sa première réalisation, Paul Dano, acteur toujours remarquable, a choisi d’adapter un roman de Richard Ford. Il adopte le point de vue de Jo qui voit sa vie changer totalement dans une ville qu’il ne connaît pas. Il voit ses parents se débattre contre leurs problèmes et s’y noyer. Le père part pour une mission dangereuse et la mère se perd dans des frasques auprès d’un autre homme. Le fils, renfermé, assiste à tout, ses parents le prennent à témoin de leurs disputes et se confient à lui. L’adolescent apparaît souvent comme plus mâture qu’eux. Les trois acteurs qui composent ce trio sont parfaits : Carey Mulligan, Jake Gyllenhaal et le jeune Ed Oxenbould. La réalisation de Paul Dano est classique, soignée et évoque les peintures de Edward Hopper (notamment lorsque le réalisateur montre la maison de la famille vue de l’extérieur). Un premier film extrêmement prometteur.

Pour sa première réalisation, Ruper Everett a choisi de nous raconter les dernières années d’Oscar Wilde. L’acteur a joué à plusieurs reprises sur grand écran et sur scènes les pièces de l’écrivain irlandais. Il montre Oscar Wilde dans les bouges parisiens où il s’était réfugié à sa sortie de prison. Durant le film, le réalisateur nous montre les différents épisodes de sa vie, de sa gloire sur les planches en passant par son procès pour homosexualité, son emprisonnement et son exil en France, en Italie avec Bosie puis à Paris où la déchéance et la mort l’attendent. Rupert Everett rend un hommage vibrant et extrêmement émouvant à cet extraordinaire artiste à l’élégance et à l’esprit incomparables. Dans la misère, dans la souffrance et la solitude, Wilde sait toujours faire preuve d’autodérision. Ce que montre très bien Rupert Everett, ce sont les humiliations que Wilde a du affronter (la scène sur le quai du train où il se fait cracher dessus et celle des jeunes gens qui le poursuivent dans un village français sont terribles). Le réalisateur a l’art de restituer à merveille l’époque dans laquelle a évolué Wilde. Rupert Everettv incarne magnifiquement l’auteur et nous offre pour son premier film, un biopic d’une mélancolie tragique.

Et sinon :

• « Le retour de Mary Poppins » de Rob Marshall : Michaël Banks se remet difficilement de la mort de sa femme. Les comptes n’étant pas sa spécialité, il se retrouve en difficultés. La banque menace de saisir la maison où il vit avec ses trois enfants et dans laquelle il a grandi avec sa sœur Jane. Michaël ne sait pas comment éviter le pire quand surgit du ciel son ancienne nounou : Mary Poppins. Le retour de la plus extraordinaire gouvernante est réussi. Les scènes merveilleuses s’enchaînent (la baignoire, la soupière où se mélangent l’animation et les prises de vue réelles) et les chansons nous enchantent. Rob Marshall nous fait retrouver la féerie du film de 1964. Il faut dire que Emily Blunt enfile le costume de la gouvernante avec talent et malice. On se laisse totalement emporter par ce tourbillon coloré et joyeux.

• « Les héritières » de Marcelo Martinessi : Au Paraguay,  Chela vit avec Chiquita dans sa grande maison de famille. La vieille femme voit ses souvenirs s’éparpiller, elle est obligée de vendre les objets qui l’entourent. Tout va de mal en pis lorsque Chiquité est envoyée en prison pour une histoire de fraude. Chela, qui n’en a pas l’habitude, doit se débrouiller toute seule. Elle se met à faire le taxi pour des amies, elle doit se rendre à la prison. Elle est obligée de se confronter au monde. C’est un très joli film que nous offre le réalisateur Marcelo Martinessi. L’ambiance y est très mélancolique puisque Chela voit sa vie, choyée et protégée, peu à peu disparaître. Elle, si discrète voire taiseuse, est obligée d’aller vers les autres et de commencer à devenir indépendante. Chela semble s’éveiller à nouveau notamment grâce à une jeune femme qui fait battre son cœur. Voir Chela s’émanciper, s’affirmer nous offre un très beau portrait de femme.

• « Leto » de Kirill Serebrennikov : Leningrad dans les années 80, Mike Naumenko est le leader d’un groupe de rock, Zoopark, qui fait un tabac sur la scène underground. Les concerts ont lieu dans des salles surveillées par des apparatchiks qui empêchent les spectateurs de se lever et de crier. Mike est le père d’un bébé et est en couple avec la fascinante Natasha. Bientôt, un jeune chanteur prometteur va croiser leur route, Viktor Tsoï, futur créateur du groupe new wave Kino. Natasha et Viktor sont irrésistiblement attirés l’un par l’autre. Kirill Serebrennikov, réalisateur assigné à résidence, réalise avec « Leto » un « Jules et Jim » rock qui se déroule sur une période courte où souffle un vent de liberté sur la jeunesse russe. Le film est visuellement très riche et inventif : un narrateur nous présentant une réalité alternative, des gribouillages, des parenthèses musicales qui ressemblent à des clips. C’est un tourbillon, le film dégage une énergie propre au rock et au punk. Une joie de vivre teintée de mélancolie car elle est forcément de courte durée. « Leto » est un film original, énergique et inventif.